Le genre s'invite aujourd'hui partout, dans les débats de société comme dans les études universitaires. Que ce soit pour s'attaquer à une «idéologie du genre» supposée ou, au contraire, pour dénoncer la dimension idéologiquement réactionnaire de ces attaques, le genre mobilise l'université comme la société civile et les politiques. D'où le terme vient-il? Que recouvre-t-il dans ses différents emplois? En quoi et comment cette notion permet-elle de penser des questions d'identités sexuées et des questions de sexualité? In fine, à quoi sert-elle et que peut-on faire avec elle? C'est à ces questions que ce volume répond.

Depuis son ancêtre de 1848, le Manifeste du Parti communiste, le manifeste a été une forme constamment reprise, théorisée comme telle au début du XXe siècle par l'avant-garde futuriste. Il est même devenu un genre très actuel, tout particulièrement pour soulever des questions de genre (manifestes artistiques sur le genre, manifestes pour l'égalité des sexes, contre les inégalités de genre, etc.). Mais si l'objectif de ces prises de parole est clair, les implicites de la forme elle-même ainsi que la relation entre la forme générique et les questionnements genrés restent largement impensés. Le genre du manifeste a-t-il un genre ?
Sa rhétorique s'inscrit-elle dans un dispositif de domination patriarcale ?
Ou parvient-elle à s'en défaire ? Ce sont tous ces rapports entre genre et manifestes que ce volume entreprend de répertorier et d'étudier. Lire la suite Fermer

Après avoir longtemps négligé la présence des femmes dans l'histoire littéraire et artistique, l'historiographie s'intéresse à elles depuis trois décennies, en particulier dans le cadre des études sur les avant-gardes de la première moitié du XXe siècle. De ce point de vue, ce volume poursuit et enrichit une recherche déjà engagée en réfléchissant aux façons dont s'articulent, dans les textes théoriques et les pratiques artistiques des avant-gardes européennes de la première moitié du XXe siècle, des questionnements sur les genres littéraires et artistiques et des questionnements liés au genre sexué.

Partant du présupposé que le genre est une construction socio-culturelle, ce volume interroge les constructions du masculin et de la masculinité dans les littératures occidentales, dans une perspective diachronique, en privilégiant les formes narratives des xixe et xxe siècles.

Si le rossignol, dans sa relation à la fable mythologique de Philomèle, est une figure du chant poétique et un topos du lyrisme romantique occidental, il ne disparaît pas dans la poésie moderne, y compris dans une tradition qui a rejeté le rossignol, lui substituant coucou, colibri, pie ou corbeau comme figures du poète. Se démarquant du lyrisme romantique, ces avatars modernes du rossignol romantique se définissent «contre» lui, dans une relation qui est à la fois d'opposition et de proximité.

La notion de modernité est communément associée à l'occident. Pourtant, si l'on en juge par la diversité des expressions de la modernité littéraire en Occident, il semble bien qu'il y ait des modernités occidentales, parallèles ou en concurrence. Au-delà de l'analyse de la diversité des modernités en Occident, ce volume élargit le questionnement : les modernités littéraires sont-elles essentiellement occidentales et se sont-elles diffusées hors d'Occident ? Nombreuses sont les approches qui remettent aujourd'hui en question une telle perspective occidentalo-centrée.

On assiste depuis les années 1990 à l'expansion inédite, dans toutes les sphères d'activité étrangères au champ artistique (du marketing à la vie sociale promue par les réseaux en ligne), d'usages stratégiques du récit désormais regroupés sous le terme de « storytelling », ou « communication narrative ». Ce phénomène nouveau rend plus sensible la dimension « contre-narrative » - de résistance aux récits dominants dans le discours social - caractéristique de certaines pratiques littéraires qui se donnent pour tâche de remettre en cause les « identités » prescrites par les instances du pouvoir. Les études littéraires féministes d'une part, les études sur les littératures postcoloniales d'autre part, ont de longue date mis en évidence cette visée « contre-narrative » inhérente à certaines entreprises littéraires engagées dans la remise en cause des assignations genrées et des assignations identitaires en contexte (dé)colonial. Cet ouvrage se propose d'interroger à nouveaux frais ce potentiel de résistance, dans le contexte nouveau d'un storytelling néolibéral devenu hégémonique, en mettant en évidence la façon dont certaines oeuvres de fiction littéraire pensent l'intrication des différents facteurs de domination susceptibles de peser sur les destinées individuelles.
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Dans un contexte de dénonciation violente de la « théorie critique » et du « déconstructionnisme », accusés de favoriser « wokisme » et « cancel culture », six spécialistes reconnus tentent de répondre avec simplicité et rigueur à la question élémentaire : mais de quoi parle-t-on ?
Plus précisément : Qu'est-ce que le « genre » ? Qu'est-ce que « déconstruire » ? Qu'est-ce que le « queer » ? Qu'est-ce que « l'intersectionnalité » ?
Car tels sont les nouveaux fléaux dont souffrirait l'humanisme scientifique hérité des Lumières.
Cet ouvrage se veut un manuel de fondamentaux, appelé à devenir un indispensable dans les études de lettres et sciences humaines. Lire la suite Fermer

Avant et pendant la Première Guerre mondiale, en Occident, ont fleuri des mouvements qui, parce qu'ils ont conjointement revendiqué un renouvellement radical des pratiques artistiques et une remise en question sociale plus large, ont a posteriori été appelés « avant-gardes ». Ce sont ces mouvements qui, du futurisme italien à dada en passant par le futurisme russe, l'imagisme et le vorticisme, sont au centre de cet ouvrage. Aucun, au moment de sa fondation, ne s'est pensé d'« avant-garde ». Tous ont en commun de s'être définis sur le mode de l'action collective, d'avoir été fondés en tant que groupes et de s'être pensés les uns par rapport aux autres. L'analyse fait émerger, dans le contexte de la modernité et du modernisme occidentaux du premier XXe siècle, la spécificité de ces mouvements autoproclamés, qui les distingue à la fois d'auteurs individuels d'« avant-garde » qui ne se sont jamais reconnus dans aucun mouvement et aussi d'autres groupes contemporains qui ne se sont pas autoproclamés tels le vorticisme vs Bloomsbury, le cubisme ou l'expressionnisme vs le futurisme ou le dadaïsme.
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Entre 1943 et 1944, alors qu'il est interné à Rodez, Antonin Artaud traduit Lewis Carroll et Edgar Poe. C'est à l'occasion de ces traductions qu'il se remet véritablement à écrire et reprend le fil d'un mouvement largement interrompu depuis 1937. La confrontation à la langue et au texte étrangers permet à Artaud d'élaborer une poétique de la voix, du rythme et de la scansion qui prend de plus en plus d'ampleur à la sortie de Rodez. L'étude des traductions de Rodez sert ici de point de départ pour éclairer toute la production - textuelle et graphique - de l'après-Rodez, des glossolalies aux dessins écrits, et pour penser la relation d'Artaud aux avant-gardes occidentales et la spécificité de sa pratique poétique au regard de celle d'autres poètes qui, des futuristes (Khlebnikov ou Marinetti) à certains dadaïstes (Ball, Tzara, Hausmann), ont également cherché, dans la première moitié du vingtième siècle, à renouveler la langue poétique.
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La première moitié du XXe siècle a vu un incontestable développement de réécritures de grands mythes grecs et romains et de reprises de figures de l'Antiquité, tant dans des oeuvres qualifiées de « néo-classiques » (Orphée de Cocteau, Oedipe de Gide par exemple) que dans des productions des avant-gardes qui s'affirment à cette époque (Les Mamelles de Tiresias d'Apollinaire, Ulysses de Joyce ou The Waste Land de T.S. Eliot, pour n'en citer que quelques-unes).
Les enjeux esthétiques de la réappropriation de ces mythes et figures de l'Antiquité gréco-romaine ne peuvent être pleinement mesurés que si sont prises en compte les implications idéologiques et philosophiques de ce même phénomène. La Grèce dans l'Allemagne nazie, Rome dans l'Italie fasciste, le « mythe » et le « sacré » dans la pensée de leurs théoriciens ne revêtent évidemment pas les mêmes significations que pour des défenseurs de l'humanisme et de la démocratie. Et on ne peut plus parler de la même façon de Dionysos, d'Apollon et d'Oedipe après Nietzsche et Freud.
Quelles idées de l'homme, de la cité et de l'art sont en cause et en jeu lorsque des « modernes » reviennent à la matière des mythes antiques ou utilisent des figures de l'Antiquité gréco-romaine ? Lire la suite Fermer