Dürer, qui est considéré comme l'un des génies du XVIe siècle, est non seulement un artiste passionnant, un dessinateur remarquable, une personnalité étonnante ; c'est également un homme doté d'une grande sensualité, fasciné par la philosophie et curieux de son époque.
Cet ouvrage met l'accent sur l'idéal humaniste de l'uomo universale qu'il a voulu être : pour ce faire, ses activités furent mutliples et il fut peintre, dessinateur, architecte, sculpteur, musicien, théoricien et restaurateur.
Dürer fut le plus grand dessinateur de tous les temps. Son talent exceptionnel de peintre, son sens aigu de la couleur sont également étudiés longuement dans ce grand livre où figure, dans un catalogue final, l'ensemble de ses oeuvres peintes.
La biographie de cet immense artiste est bien entendu évoquée dans ce très beau livre dont le grand format laisse la part belle aux magnifiques illustrations en pleine page.
Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938) est considéré comme l'une des figures majeures de l'art européen du XXe siècle. Profondément moderniste, il bouleversa l'art mondial avec ses peintures aux couleurs vives et aux contours cernés, et diffusa ses idées grâce au collectif d'artistes Die Brücke (« Le Pont ») et au MUIM-Institut, école d'art moderniste, qu'il a fondés.
L'oeuvre de Kirchner a réconcilié passé et présent par le prisme de l'expressionnisme, reflétant les récentes idées de l'avant-garde artistique tout en explorant les approches et les sujets académiques traditionnels. Ses travaux abordent des questions sociales, morales et émotionnelles avec une grande intensité. Perspectives déformées, lignes dures et couleurs inhabituelles sont au coeur de sa pratique, de même que le désir permanent de saisir les formes humaines, qu'elles évoluent dans des espaces urbains animés, comme dans la Scène de rue à Berlin (1913), ou dans son atelier, célèbre pour sa décadence.
Cette introduction parcourt la carrière de Kirchner entre Allemagne et Suisse, jalonnée par la fondation de Die Brücke et son inclusion dans la tristement célèbre exposition d'«art dégénéré» organisée par les Nazis en 1937. Au fil des pages, on découvre des paysages colorés, des nus austères et des scènes de rues mouvementées et, surtout, une mise en valeur constante de l'expérience émotionnelle du peintre et du spectateur.
Artiste éclectique de la Renaissance allemande, Albrecht Dürer (1471-1528) fut un artiste prolifique, mais aussi un théoricien et un écrivain dont les travaux ont exploré tous les domaines, de la théorie de l'art à la philosophie. Son oeuvre immense inclut des retables, des portraits, des autoportraits, des aquarelles et des livres, mais est surtout reconnue pour son impressionnante collection de gravures sur bois, qui contribuèrent à faire de la technique artisanale de l'estampe une forme d'art nouvelle à part entière.Les gravures de Dürer surprennent autant dans leur ensemble que par leurs détails. Dans des oeuvres comme Apocalypse ou L'Arc de triomphe de l'empereur Maximilien Ier, il a largement dépassé en taille, en finesse et en complexité toutes les expériences jamais réalisées en gravure. Déployant une palette de tons ambitieuse et variée, il l'a élevée à un rang supérieur en intensité conceptuelle, émotionnelle et spirituelle. Ses deux principales séries de gravures sur bois sur la Passion du Christ, nommées d'après leur taille la Grande Passion et la Petite Passion, sont particulièrement remarquables pour leur traitement vivant et plein d'humanité du récit chrétien. Dans sa gravure sur cuivre Mélancolie I, Dürer a créé une image surprenante du vide émotionnel, souvent citée comme l'une des premières représentations du vague à l'âme et de la dépression.
Éternel curieux, Dürer s'est nourri des idées de grands maîtres et artistes de son époque, en Allemagne mais aussi en Italie, tandis que sa propre influence s'est exercée dans toute l'Europe sur des générations après lui. Dans cette introduction essentielle proposée par TASCHEN, on découvre la pratique complexe de cette figure pionnière, son esprit éclectique et ses principales oeuvres, qu'il a laissées en guise d'héritage éternel.
Peintre à la cour du roi Philippe IV d'Espagne, Diego Rodriguez de Silva y Velazquez (Juin 1599 - 6 août 1660) n'est pas seulement la figure de proue de l'Âge d'or espagnol, il fait aussi partie des grands maîtres les plus illustres de l'histoire de l'art en Occident. Monet et Renoir, Corot et Courbet, Degas et Dali, tous ont reconnu son influence. Ainsi son chef-d'oeuvre, Les Ménines, a si bien inspiré Picasso que celui-ci en a réalisé 44 variations.
La valeur de Velazquez réside notamment dans son approche naturaliste, qui contrastait avec les représentations idéalisées, majoritaires parmi ses contemporains. Ses premières oeuvres comprennent de nombreuses « bodegones », scènes de genre puisées dans la vie quotidienne du début du XVIIe siècle en Espagne, dans lesquelles les tons chauds, éclatantes et les textures rehaussent les sujets les plus ordinaires et les visages les plus humbles, comme celui de la Vieille faisant frire des oeufs.
Ses portraits de cour ont ensuite bénéficié du même traitement naturaliste, appliqué cette fois aux rangs les plus élevés de la société, marquant ainsi un profond changement dans la représentation des membres de la famille royale: leurs poses, moins sévères et plus détendues, leur confèrent une chaleur humaine et un certain charme tout en leur laissant leur majesté. L'oeuvre la plus célèbre de Velazquez, Les Ménines, fut aussi peinte à la cour, mais sa composition énigmatique soulève de nombreuses questions sur la réalité, l'illusion, la relation entre le peintre, son sujet et le spectateur.
Cette nouvelle édition TASCHEN, issue de la Petite Collection 2.0, présente Velazquez à travers ses principales oeuvres couvrant l'ensemble de sa carrière. De ses humbles scènes de genre à ses portraits royaux, en passant par la délicieuse Vénus à son miroir et aux mystérieuses Ménines, on découvre le savoir-faire du peintre dans l'art de la composition, de la figuration naturelle et du traitement des couleurs qui ont fait la renommée de Velazquez, « le plus grand de tous les peintres » selon Manet.
Angles aigus, formes étranges, couleurs intenses et perspectives déformées sont autant de marques de fabrique de l'expressionnisme, mouvement du 20e siècle faisant primer l'émotion sur la réalité objective. Particulièrement important en Allemagne et en Autriche, ce mouvement a vite pris une dimension internationale et est aujourd'hui considéré comme une des évolutions capitales de l'histoire de l'art.
À travers ses groupes majeurs, Die Brücke (Le Pont) et Der Blaue Reiter (Le Cavalier bleu), et ses figures aussi importantes que Wassily Kandinsky, Egon Schiele ou Emil Nolde, l'expressionnisme a renié l'impressionnisme considéré comme un «homme rabaissé au rang de gramophone du monde extérieur», pour décrire à la place une expérience crue et viscérale de la vie, telle qu'elle était vécue plutôt que perçue de manière superficielle. Les tableaux expressionnistes débordent d'une force sensible, transmise notamment par des palettes de couleur intenses et non naturalistes, d'amples traits de pinceaux et d'épaisses textures.
En s'attachant aux tendances stylistiques du groupe, à ses influences et à ses principaux protagonistes, ce livre introductif explore le panorama expressionniste d'humeurs, d'idées et d'émotions et sa quête constante de profonde authenticité.
Religion, Renaissance et Réforme. Ces trois idéologies ont façonné le monde du portraitiste du XVIe siècle Hans Holbein le Jeune (1497/98-1543), figure charnière de la Renaissance du Nord, dont le talent le mena en Suisse, en Belgique, en Italie et en Angleterre, et dont les modèles et mécènes étaient aussi prestigieux que Henry VIII, Thomas More, Anne de Clèves et le défenseur de la Réforme, Thomas Cromwell.
S'il fait ses débuts avec un répertoire d'oeuvres religieuses, thème auquel il resta fidèle, Holbein est surtout considéré comme l'un des plus grands portraitistes de l'histoire de l'art occidental. Son oeil observateur s'accompagnait d'une maîtrise du trait et d'une capacité presque surnaturelle à contrôler les moindres détails, des textures des vêtements luxueux aux ornements d'une pièce. Il combinait une telle représentation méticuleuse à un mélange inspiré de caractéristiques picturales régionales variées - un réalisme à la flamande, une composition héritée du haut Moyen Âge allemand et une grandeur formelle très italienne - pour un effet stupéfiant.
Au cours de son séjour en Angleterre, Holbein devint le peintre de cour officiel de Henry VIII, pour lequel il produisit à la fois de la propagande réformiste et des toiles royalistes afin de consolider le statut de Henry en tant que monarque et dirigeant suprême de l'Église à la suite de la Réforme anglaise. Son portrait de Henry daté de 1537 représente pour beaucoup l'apogée de l'art du portrait, et apporte un témoignage précieux sur ce monarque réformateur et la dynastie Tudor. Au cours de cette turbulente période, Holbein réalisa aussi des gravures anticléricales, dessina et peignit des marchands luthériens, des ambassadeurs en visite, ainsi que la célèbre succession d'épouses de Henry.
Cette introduction de la Petite Collection 2.0 présente certaines oeuvres maîtresses de sa carrière illustre et internationale. Elle raconte ainsi une époque aussi fertile en innovation artistique qu'en drames de cour et en bouleversements politiques et religieux, et un artiste qui marqua autant l'histoire que ses célèbres modèles.
D'abord employé pour les poèmes de Stéphane Mallarmé et Paul Verlaine en 1886, le terme «symboliste» a vite été utilisé pour les arts visuels, où la description réaliste de la nature cède alors la place à des scènes oniriques imaginaires au contenu psychologique, sexuel et mystique.
Le symbolisme, phénomène d'ampleur internationale, s'est révélé particulièrement important en France où des peintres comme Gustave Moreau et Odilon Redon ont tourné le dos au réalisme, au naturalisme et à l'impressionnisme pour peupler leurs toiles de visions ésotériques, souvent érotiques. Loin des paysages mouchetés de lumière de Monet ou des sujets sans fard de la classe ouvrière chez Courbet, les symbolistes se sont inspirés de figures de la littérature, de la Bible et de la mythologie grecque pour exprimer ce qu'ils percevaient de l'amour, la peur, l'angoisse, la mort, l'éveil sexuel et le désir non partagé.
À travers des oeuvres d'Edward Burne-Jones, Puvis de Chavannes, Gustav Klimt, James Abbott McNeill Whistler, Gustave Moreau, Odilon Redon et bien d'autres, ce livre illustre la portée, l'intensité et l'influence exceptionnelles du symbolisme.
En rébellion contre le rationalisme, le romantisme aspire au retour à la nature, affirme sa foi en la bonté de l'humanité et considère l'artiste comme un créateur profondément autonome. À partir du début du XIXe siècle, ces idéaux prennent leur essor: ils rompent en particulier avec les traditions de l'antiquité gréco-romaine et prônent une représentation libre et progressiste, c'est-à-dire moderne, de leur époque.
Pourtant les artistes romantiques, devant sans doute l'inaccessibilité de leurs idéaux, n'hésitent pas à puiser dans le répertoire du haut Moyen Âge et de la Renaissance des thèmes nostalgiques d'inspiration judéo-chrétienne, et la conviction qu'une utopie politiquement et intellectuellement éclairée peut se réaliser. En Europe et en Amérique, le romantisme se décline en styles et en sujets variés, entre de paisibles scènes contemplatives et des événements mis en scène de façon spectaculaire. C'est précisément cette diversité qui fascine dans l'art romantique et lui a conféré une influence durable.
Cet ouvrage rassemble un essai qui situe le genre dans différentes régions, des reproductions d'oeuvres impeccables et une analyse détaillée de 31 pièces maîtresses qui composent une introduction complète au romantisme.
Pendant les vingt premières années du XXe siècle, de nombreux artistes ont expérimenté des formes d'expression non représentative. S'inspirant d'idées esquissées par des peintres comme El Greco, Goya, van Gogh ou Munch, les expressionnistes ont cherché à transformer la réalité, plutôt que de se contenter de la restituer fidèlement. Egon Schiele, Max Beckmann, Paul Klee et Wassily Kandinsky font partie des plus grands représentants de l'expressionnisme.
Artistes inclus:
Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff, Max Pechstein, Otto Mueller, Emil Nolde, Wassily Kandinsky, Franz Marc, August Macke, Paul Klee, Alexej Jawlensky, Gabriele Münter, Marianne von Werefkin, Heinrich Campendonk, Lyonel Feininger, Arnold Schönberg, Oskar Kokoschka, Egon Schiele, Paula Modersohn-Becker, Christian Rohlfs, Ludwig Meidner, Lovis Corinth, Ernst Barlach, Wilhelm Lehmbruck, Max Beckmann, Otto Dix, and George Grosz
Surtout connu pour ses gravures, Albrecht Dürer (1471-1528) était aussi un génie de la peinture et du dessin dont l'oeuvre illustre l'esprit de l'art allemand. Dürer occupa une place si importante dans la Haute Renaissance allemande qu'on peut considérer qu'il incarne à lui seul ce mouvement. Ses voyages en Italie (pendant lesquels il a notamment étudié auprès de Giovanni Bellini) ont profondément marqué son développement artistique et lui ont permis d'allier influences allemandes et italiennes dans son oeuvre. Plus tard dans sa vie, la passion de Dürer pour le savoir et le progrès le conduit à faire des recherches et à rédiger des traités sur la théorie artistique et les mathématiques, ce qui fait de lui non seulement l'un des plus grands artistes de son époque en Europe du nord, mais aussi l'un de ses plus illustres penseurs. Cet aperçu général de l'oeuvre complet de Dürer, comprenant ses peintures à l'huile, temperas et aquarelles, ses gravures sur bois ou cuivre ainsi que ses dessins et esquisses, constitue la meilleure introduction possible à son art.
Toutes les facettes de l'Art Nouveau dans cette nouvelle édition abondamment illustrée. Peinture, architecture, arts graphiques, arts décoratifs et joaillerie, autant d'oeuvres nées de ce mouvement qui connut un remarquable développement international.
La beauté de la nature et la solitude de l'homme font partie des thèmes dominants de l'oeuvre de Caspar David Friedrich (1774-1840). L'artiste place souvent une petite silhouette de personnage sur fond de vaste paysage, comme dans ses célèbres toiles Moine au bord de la mer et Voyageur contemplant une mer de nuages. L'importance et l'influence de ce grand peintre romantique ont longtemps été sous-estimées. À sa mort, les contemporains de Friedrich l'avaient déjà oublié; il n'a été redécouvert qu'au début du 20e siècle. Aujourd'hui, il est considéré comme le plus grand peintre allemand de sa génération et un précurseur de l'expressionnisme.
Un jour, Friedrich a donné ce conseil à un de ses collègues artistes, qui se trouvait bridé par les règles académiques: «Ferme ton oeil corporel, afin de voir d'abord ton tableau avec l'oeil de l'esprit. Puis met au jour ce que tu as vu dans l'obscurité afin que ta vision agisse sur d'autres, de l'extérieur vers l'intérieur.» Il lui recommandait en d'autres termes la concentration et non l'imitation, l'essence plutôt que la peinture triviale.
The Blaue Reiter («Blue Rider») group of artists was formed in Munich in 1911 on the initiative of two leading artists of Modernism: Wassily Kandinsky, the pioneer of purely abstract painting, and Franz Marc, the creator of mysterious, abstracted animal pictures. The Russian and the German, together with many other visionary painters in their train, hoped to pursue a new spirit in art. They wanted nothing less than an apotheosis of the spiritual in art. The outbreak of the Great War seemed to put a brutal end to what was at the time the most important avant-garde movement in Germany, but its influence continued unabated and inspired whole generations of international artists to create similar utopias.
Featured Artists: Wladimir Burljuk, Heinrich Campendonk, Robert Delaunay, Alexej Jawlensky, Wassily Kandinsky, Paul Klee, Alfred Kubin, August Macke, Franz Marc, Gabriele Münter and Marianne von Werefkin.
Depuis des siècles, la représentation des paysages constitue l'un des genres les plus importants en peinture. Cet ouvrage étudie son évolution depuis le Moyen Age jusqu'aux temps modernes, incluant une analyse du genre et une sélection d'oeuvres paysagères fondamentales, de Le Titien à Warhol.
Artistes inclus (par ordre chronologique) : Jean, Paul et Herman von Limburg, Le Titien, Joachim Patinir, Albrecht Altdorfer, Veronese, Pieter Brueghel, El Greco, Adam Elsheimer, Rembrandt van Rijn, Claude Gellée, gen. Lorrain, Jacob van Ruisdael, Caspar David Friedrich, John Constable, William Turner, Eugène Delacroix, Albert Bierstadt, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbot McNeill Whistler, Arnold Böcklin, Claude Monet, Vincent van Gogh, Edvard Munch, Paul Cézanne, Georges Braque, Paul Klee, Ernst Ludwig Kirchner, Yves Tanguy, Andy Warhol...
Dans cette réédition en format classique, le spécialiste de l'art allemand Norbert Wolf nous offre un riche panorama de l'Art Déco, style né en France dans les années 1920 et qui connut un rayonnement mondial dans tous les domaines des arts et de la culture. Il en aborde tous les aspects de manière chronologique, de la peinture au graphisme en passant par l'architecture et le design d'objets.
L'idée de « renaissance », ou de renaissance, est née en Italie comme un moyen de faire revivre l'art, la science et l'érudition de l'ère classique. À la fin du XVe siècle, l'Italie était devenue le leader européen reconnu dans les domaines de la peinture, de l'architecture et de la sculpture. Riche en reproductions d'oeuvres de Léonard de Vinci, Michel-Ange, Botticelli, Raphaël, Titien et d'autres, ce livre présente les réalisations créatives qui ont voyagé de Florence à Rome en passant par Venise, analysées par l'historien de l'art Norbert Wolf qui explore l'influence du mécénat séculier et religieux sur le développement artistique, l'impacte de la structure urbaine et le mode de vie sur la circulation des idées et l'influence de l'humanisme sur les artistes de cette époque.
