«Je voudrais être illustre et inconnu», disait Edgar Degas. Illustre, il l'est, par ses danseuses, ses jockeys, ses femmes au bain. Inconnu, également, tant ces thèmes occultent le reste de l'oeuvre, peintures d'histoire, portraits, paysages, tant l'oeuvre a dévoré la vie privée. Sur une carrière de soixante ans dont Henri Loyrette restitue la richesse et la cohérence, on découvre alors l'insatiable curiosité technique, la constante recherche d'expressions nouvelles, l'évidente continuité de la ligne mélodique.
Longtemps méprisé, le " stupide XIXe siècle " (1819-1905) est devenu l'âge d'or de l'art français, dans toute sa diversité, avec Ingres et Delacroix, Manet et Puvis de Chavannes, Gustave Eiffel et Charles Garnier.
Tout y concourt, la volonté politique comme les innovations techniques, la puissance, parfois paralysante, des institutions, la vigueur des initiatives privées. L'art français devient universellement exemplaire, répandant à l'étranger les trouvailles de l'impressionnisme, le modèle haussmannien ou les audaces de l'Art nouveau, mais recevant en retour, des artistes qu'il a attirés sur son sol, de nombreuses influences.
Ainsi, il apparaît foisonnant, alignant une cohorte de grands maîtres, seuls face à leur création, ou tournés vers l'idée d'un art total et rêvant, avec Baudelaire et Valéry, au " mélange écumant des arts ".
" je voudrais être illustre et inconnu ", disait edgar degas.
Illustre, il l'est, par ses danseuses, ses jockeys, ses femmes au bain. inconnu, également, tant ces thèmes occultent le reste de l'oeuvre, peintures d'histoire, portraits, paysages, tant l'oeuvre a dévoré la vie privée. sur une carrière de soixante ans, on découvre alors l'insatiable curiosité technique, la constante recherche d'expressions nouvelles, l'évidente continuité de la ligne mélodique.
Un nouveau volume de l'histoire de l'art français, consacré au XIXe siècle dans toute sa diversité avec Ingres et Delacroix, Manet et Puvis de Chavannes, Gustave Eiffel et Charles Garnier. L'art français devient alors universellement exemplaire, diffusant à l'étranger les trouvailles de l'impressionnisme, le modèle haussmannien ou les audaces de l'Art nouveau et recevant les influences étrangères.
Richard Peduzzi, né en 1944, est scénographe, peintre et designer. Il signe depuis 1969 la plupart des décors des productions de Patrice Chéreau au théâtre, à l'opéra et parfois aussi au cinéma. Il a été directeur de l'École nationale supérieure des arts décoratifs (1990-2002) puis de l'Académie de France à Rome (Villa Médicis, 2002-2008). Il est également l'auteur de nombreuses réalisations muséographiques. Il est actuellement directeur artistique pour l'architecture des façades et du cuvier du château Mouton Rothschild à Pauillac.
Cet ouvrage est un récit intime et un texte manifeste, des moments clés de la vie de cet homme, qui dans les années 1960 s'est détourné de son atelier de peinture pour l'espace théâtral, celui où «construire sa peinture». Les dessins, photographies et maquettes qui accompagnent le récit, sont mis en regard avec tout ce qui nourrit son inspiration : l'architecture, l'histoire de l'art, la musique, l'opéra, le jazz, la littérature, le cinéma, la photographie, mais aussi des souvenirs d'enfance, des lieux, des rencontres. Richard Peduzzi, dans une succession de textes courts qui correspondent chacun à une période marquante, raconte son parcours - depuis l'enfance dans un bar du Havre aux années de formations, ou au refus d'une formation «académique». Il nous dévoile ses images, leurs sources, ses visions et comment leur accomplissement dans un décor est né de leurs métamorphose.
L'ouvrage qui accompagne l'exposition du Louvre à Paris dresse le portrait d'une rencontre inédite entre les collections du musée du Louvre et l'univers de l'un des inventeurs de l'art contemporain. Le catalogue témoigne des recherches actuelles de Wim Delvoye sur la sculpture du XIXe siècle et les procédés informatiques de reproduction. Le lecteur découvrira également les moments forts de la mise en place de l'immense flèche torsadée, intitulée Suppo, sous la pyramide du Louvre.
De la conception à l'installation des oeuvres in situ, un parcours à travers les audaces stylistiques autant que techniques du plasticien belge.
Le livre, amplement illustré, contient un essai de Jean-Pierre Criqui, rédacteur en chef des Cahiers du Musée national d'art moderne et un entretien entre Marie-Laure Bernadac, chargée de l'art contemporain au musée du Louvre, et l'artiste.
Etude chronologique de la période la plus imposante de l'art (dont la peinture, la sculpture, l'architecture mais aussi la photographie) en France et des mouvements qui la constitue : le romantisme, l'impressionisme, l'Art Nouveau, le néo-clacissicisme, l'orientalisme, le groupe de Barbizon, les Nabis ou encore le symbolisme.
Fruit de plusieurs années de travail, ce véritable musée de papier présente l'intégralité des 3 000 tableaux accrochés au Louvre, enrichis d'un DVD qui permet de plonger au coeur des oeuvres.
Durant toute sa carrière, des années 1860 jusqu'aux oeuvres ultimes au-delà de 1900, Degas a fait de l'Opéra le point central de ses travaux, sa « chambre à lui ». Il en explore les divers espaces - salle et scène, loges, foyer, salle de danse, s'attache à ceux qui les peuplent, danseuses, chanteurs, musiciens, spectateurs, abonnés en habit noir hantant les coulisses. Cet univers clos est un microcosme aux infinies possibilités et permet toutes les expérimentations : multiplicité des points de vue, contraste des éclairages, étude du mouvement et de la vérité du geste.
