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  • Les femmes et la lecture dans l'art occidental « Les livres ne sont pas des objets comme les autres pour les femmes ; depuis l'aube du christianisme jusqu'à aujourd'hui, entre nous et eux, circule un courant chaud, une affinité secrète, une relation étrange et singulière tissée d'interdits, d'appropriations, de réincorporations. » Laure Adler L'histoire de la lecture féminine se reflète dans la peinture et la photographie. Les artistes de toutes les époques ont représenté des femmes en train de lire. Pourtant, il aura fallu des siècles avant qu'il soit accordé aux femmes de lire à leur guise.
    Ce qui leur incombait d'abord, c'était de broder, de prier, de s'occuper des enfants et de cuisiner. Dès l'instant où elles envisagent la lecture comme une possibilité de troquer l'étroitesse du monde domestique contre l'espace illimité de la pensée, de l'imagination, mais aussi du savoir, les femmes deviennent dangereuses. En lisant, elles s'approprient des connaissances et des expériences auxquelles la société ne les avait pas prédestinées. C'est ce chapitre captivant de l'histoire de la lecture féminine que Laure Adler et Stefan Bollmann explorent, avec un soin particulier du détail. Le fil de l'analyse conduit du Moyen Âge au temps présent, en s'attachant plus spécialement à certaines oeuvres de Rembrandt, Vermeer, mais aussi Manet, Matisse ou Hopper, jusqu'à la fameuse photographie d'Eve Arnold montrant Marilyn Monroe en train de lire Ulysse de James Joyce.
    De courts textes de commentaire accompagnent ce choix de peintures, de dessins et de photographies.

  • Après Les Femmes qui écrivent vivent dangereusement et Les Femmes qui aiment sont dangereuses, Laure Adler revient avec un nouvel et passionnant ouvrage sur les femmes artistes.
    Explorant les archétypes et les codes de l'histoire de l'art, elle analyse, à travers leurs oeuvres d'art, le lent basculement des femmes vers l'autonomie artistique et la reconnaissance du travail de création, trop longtemps laissée aux seuls mains et signatures des hommes.
    Cet ouvrage dresse le portrait passionnant d'une cinquantaine de ces artistes, depuis la Renaissance avec Artemisia Gentileschi, jusqu'à nos jours avec Yoko Ono, Orlan, Annette Messager, Marina Abramovic, Sophie Calle, en passant par les incontournables Sonia Delaunay, Niki de Saint-Phalle, Berthe Morisot ou Frida Kahlo.

  • C'est une lectrice encore plus redoutable et avisée que Stefan Bollmann et Laure Adler introduisent dans ce deuxième volume des Femmes qui lisent, tout en poursuivant l'exploration du thème de la lecture féminine et de sa représentation. La lecture de romans, méprisée par les hommes et considérée par eux comme une perte de temps, commence à porter ses fruits pour les femmes. Des siècles durant, leur addiction à la lecture a été blâmée parce qu'elle était considérée comme une activité désordonnée, manquant de discernement, les incitant à négliger d'abord leurs tâches domestiques, puis leurs devoirs publics : en d'autres termes, c'était une activité immorale, impudique et dépravée. Les femmes qui lisaient non seulement se mettaient en danger, mais elles étaient dangereuses. En réalité, par leur désir effréné de lecture, elles ont acquis une grande connaissance des hommes et une subtile intelligence de la vie.
    Paisible dans un intérieur bourgeois sous le pinceau de Gustave Caillebotte, solitaire dans l'entrée d'un hôtel chez Edward Hopper, dénudée chez Félix Valloton, la femme, un livre à la main, se pose en militante. De courtes notices incisives accompagnent une très belle sélection de peintures, dessins et photographies présentant des lectrices de toutes les conditions et de toutes les époques.

  • Cet ouvrage très richement illustré révèle les secrets des grands tableaux : comment les matériaux, les techniques et les idées ont évolué au fil des siècles, inspirant les artistes et leur donnant les moyens de créer leurs plus célèbres oeuvres. De l'usage des premiers pigments à la perspective linéaire de la Renaissance, l'influence de la photographie, l'impressionnisme ou encore l'avènement de l'art moderne, cet ouvrage suit chaque pas de l'évolution de la peinture depuis 25 000 ans.
    Détails, pigments, gammes chromatiques, photographies de technique ou de restauration rythment l'ensemble de cette histoire de la peinture.

  • A l'origine était la femme, plurielle par nature, tour à tour objet d'amour, de fascination et de crainte.
    De la Vénus de Willendorf, image d'un idéal féminin tout-puissant, à la Mariée de Niki de Saint-Phalle, offrant le regard de la femme artiste sur sa propre destinée, la quête de l'éternel féminin jalonne l'histoire de l'art depuis les temps les plus anciens. Figures mythiques et tutélaires, les héroïnes amoureuses, d'Eve à Rita Hayworth et de Bethsabée à Camille Claudel, se révèlent brutales ou tendres, ambitieuses parfois, mais toujours ensorceleuses : dangereuses pour les autres et pour elles-mêmes.
    Parcourant cette galerie des amantes fatales, Laure Adler et Elisa Lécosse proposent un décryptage passionnant d'une histoire trop longtemps laissée aux seuls mains et regards des hommes. Explorant les archétypes, les codes de l'histoire de l'art et leur détournement au fil des époques, elles analysent le lent basculement des femmes vers l'autonomie amoureuse et la reconnaissance du corps et du désir.

  • Présentation de 100 oeuvres parmi la Collection de l'art brut constituée par Jean Dubuffet dans les années 1970. Avec des figures majeures comme Aloïse, Adolf Wölfli, Henry Darger ou Augustin Lesage. ©Electre 2016 Jean Dubuffet, à l'origine du concept d' « art brut », a réuni vingt-cinq ans durant une extraordinaire collection d'oeuvres s'y rattachant. En 1970, il décide de la pérenniser en offrant un lieu à ces oeuvres d'autodidactes, pensionnaires d'hôpitaux psychiatriques, détenus, originaux, solitaires, réprouvés. Il est ainsi à l'origine de la première collection d'art brut du monde, qui compte les oeuvres de figures majeures comme Aloïse, Adolf Wölfli, Henry Darger, Augustin Lesage, Josef Hofer, etc. Ce lieu de référence historique, où sont conservées près de 60 000 oeuvres, fête ses 40 ans en 2016.

    C'est à l'occasion de cet événement que cet ouvrage a été conçu tel un écrin abritant 100 des oeuvres les plus importantes renfermées par le musée. Une fabrication soignée et un graphisme de qualité contribueront à proposer un objet original et étonnant, à l'image des oeuvres qu'il recèle.

  • La question de l'intimité du rapport entre les oeuvres et leurs auteurs ou commanditaires se pose, à la Renaissance, de manière décisive : l'expression individuelle de l'artiste devient en effet à cette époque un facteur reconnu - et apprécié dans la genèse et la forme des oeuvres d'art.
    "Le Sujet dans le tableau" propose sept études de cas où un emploi analytique de l'iconographie permet de distinguer comment, en s'appropriant le sujet (manifeste) de son oeuvre par le trouble qu'il introduit dans son énoncé, l'artiste ou le commanditaire y marque sa présence comme celle du sujet (latent) de son énonciation. Qu'en a-t-il été de Michel-Ange et de son Moise ?, de Titien dans son Allégorie de la Prudence ?, de Giovanni Bellini dans sa Dérision de Noé ?, mais aussi de Mantegna dans ses signatures ou du prince Frédéric de Montefeltro dans le désordre du Studiolo d'Urbino ? Un champ s'ouvre à l'analyse et à l'interprétation historiques : celui des investissements psychiques ou autres dont les oeuvres de la Renaissance ont été le lieu.
    Publiée en grand format pour la première fois, cette édition en couleurs, enrichie de nombreuses images, permet d'apprécier en détail les traces les plus ténues de la personnalité de quelques génies artistiques de la Renaissance.

  • L'histoire de l'art est parcourue en 50 chefs-d'oeuvre, des grottes de Lascaux à l'art contemporain, en passant par l'art médiéval ou encore le pointillisme.


  • L'auteur poursuit la réflexion qu'il avait initiée avec«Le sexe et l'effroi». En s'appuyant sur des sources iconographiques variées (Bosch, Dürer, Monsu Desiderio, Raphaël, Titien, Rembrandt, Rubens...), il pose la question des origines de l'être et exprime l'indicible.


  • Un panorama mondial du street art, pour comprendre les enjeux de cette forme d'art populaire aux influences multiples : le pixaçao brésilien, le pop art et le land art américains, les pochoirs politiques argentins, entre autres. Présentation des travaux de 113 artistes à travers 25 pays.

  • Essai sur la photographie moderne qui traite de sa relation avec l'art, en prenant pour base l'art contemporain, le photojournalisme, la création contemporaine et l'esthétique documentaire. En illustration, les clichés d'une centaine de photographes contemporains tels que Depardon, Gilles Peress, Nan Goldin ou encore Arak

  • Publié à l'occasion de la première grande rétrospective Jeff Koons (Los Angeles, New York, Paris), cet ouvrage est le plus important sur cet artiste singulier et provocateur, devenu l'un des artistes contemporains les plus connus du grand public. Depuis 35 ans, il explore de nouvelles approches du «readymade» et de l'appropriation, jouant de la lisière entre culture des élites et culture de masse, poussant les limites de la fabrication industrielle et changeant le rapport des artistes au culte de la célébrité comme aux règles du marché. Ami et collaborateur de Jeff Koons depuis 35 ans, Norman Rosenthal a réuni trois ans d'entretiens. Jeff Koons par Jeff Koons retrace en huit chapitres, le parcours de l'artiste, son approche de l'art et ses techniques - il ne réalise aucune oeuvre lui-même - et ses influences majeures. Les 250 illustrations en couleurs, permettent un panorama complet de son oeuvre et de retrouver les oeuvres phares : Inflatable Rabbit, Balloon Dogs ou Split-Rocker, sculpture réalisée avec plus de 100 000 fleurs. Édité en collaboration avec Jeff Koons, Jeff Koons par Jeff Koons est souhaité paR ses auteurs, comme le livre plus important sur l'artiste, mais aussi sur la compréhension de l'art du XXIe siècle.

  • Ce manuel de référence mis à jour regroupe en un volume l'histoire de l'art du XVe au XVIIIe siècle. De la chute de Constantinople jusqu'à la révolution française, cet ouvrage parcourt toutes les formes et tous les courants de l'art européen. De la fin de l'Antiquité au classicisme des lumières, en passant par la peinture flamande et le maniérisme, les auteurs étudient en détail quatre grands ensembles : Les Temps modernes, La Renaissance, l'époque classique et les lumières pour mieux saisir l'importance artistique de quatre siècles de créativité.
    - En début d'ouvrage, une série de doubles-pages pour apprendre à faire un commentaire d'oeuvre (peinture, sculpture, architecture, arts décoratifs) NOUVEAU - Une approche chronologique par grand ensemble avec introduction détaillée exposant le contexte.
    - Une thématique développée par double-page constituée d'un texte courant, d'illustrations et d'encadrés.
    - Un appareil scientifique très précis qui rassemble cartes, plans d'architecture, chronologie, glossaire, index.
    Cette nouvelle édition est enrichie d'une mise à jour sur l'histoire des arts décoratifs à travers les siècles et couvre désormais deux zones géographiques encore inexplorées :
    L'art de l'Espagne et des pays de l'Est.

  • « Écrire l'histoire des arts de la Restauration aux premières décennies du XXIe siècle, c'est écrire l'histoire d'une révolution sans fin », écrit Philippe Dagen. En moins de deux siècles, métamorphoses et ruptures, réminiscences et résurrections, innovations et créations, loin de se succéder selon un ordre chronologique linéaire, s'entrechoquent, se superposent, s'affrontent et se brisent.
    Du romantisme à la scène internationale du XXIe siècle, en passant par l'impressionnisme, les avant-gardes, le minimalisme, le pop art et les formes d'art apparues dans les dernières décennies du XXe siècle, cet ouvrage propose :
    - Une introduction revue par Philippe Dagen qui explore la diversité des approches méthodologiques propres à l'étude de la période.
    - Une approche chronologique par grand ensemble avec introduction détaillée exposant le contexte.
    - Une thématique développée par double-page constituée d'un texte courant, d'illustrations et d'encadrés.
    - Un appareil scientifique très précis qui rassemble cartes, plans d'architecture, chronologie, glossaire, index.
    Cette nouvelle édition, augmentée de plusieurs études sur l'architecture, le design, la performance et l'émergence de la scène internationale offre un panorama complet de la période.

  • De 1962 à 1986, le célèbre critique d'art David Sylvester s'entretien avec Francis Bacon. De ces rencontres, David Sylvester livre, sous la forme de neuf dialogues, un témoignage unique sur l'artiste. On y découvre le souci obsessionnel de Bacon pour la forme humaine en peinture, son admiration pour Picasso et Velázquez, sa passion pour la poésie de Yeats et Eliot, son étonnante interprétation d'un pastel de Degas, mais aussi son indifférence pour Matisse.
    Traduit et présenté par Michel Leiris, Entretiens avec Francis Bacon est une approche incomparable de la pensée, du travail et de la vie de l'un des génies créateurs du XXe siècle. Considéré comme un classique du genre, ce livre est le portrait le plus révélateur de Francis Bacon. Cette édition comprend l'intégralité des neufs entretiens, l'introduction de Michel Leiris et un hors texte comprenant vingt illustrations en couleurs.

  • Ce manuel de référence mis à jour regroupe en un volume l'histoire de l'art du Moyen Age au travers de trois grands ensembles :
    L'Art de Byzance, l'Art de l'Occident (art roman et art gothique) et l'Art de l'Islam. Chacun de ces ensembles tire son unité d'un cadre religieux spécifique qui influence directement les formes artistiques, avec les variantes qu'elles connaissent selon les régions et les siècles. Les auteurs ancrent leur analyse dans un contexte global au travers de multiples approches :
    Historique, géographique, spirituelle, culturelle et sociale et montrent ainsi comment le développement de l'art au Moyen Age s'est fait par les échanges et les ouvertures aux autres. Le lecteur appréciera à la fois la somme d'informations et le détail des analyses, soutenus par la grande clarté du propos.
    - En début d'ouvrage, une série de doubles-pages pour apprendre à faire un commentaire d'oeuvre (peinture, sculpture, architecture) NOUVEAU - Une approche chronologique par grand ensemble avec introduction détaillée exposant le contexte.
    - Une thématique développée par double-page constituée d'un texte courant, d'illustrations et d'encadrés.
    - Un appareil scientifique très précis qui rassemble cartes, plans d'architecture, chronologie, glossaire, index.

  • L'Agneau mystique des frères Van Eyck (1432) est unanimement reconnu comme oeuvre picturale sublime, avec un rayonnement et une influence exceptionnels. Ce fut la première peinture à l'huile de grande taille et le mysticisme religieux s'en dégage avec force. Le retable se lit presque comme un ABC du christianisme, allant de l'Annonciation au sacrifice symbolique du Christ : « l'agneau mystique » représenté sur un autel dans un paysage paradisiaque, versant son sang dans le Saint Graal.

    Ce livre regroupe pour la première fois un grand nombre de savoirs lié à L'Agneau mystique - soit le monumental polyptyque réalisé par les frères Hubert et Jan Van Eyck en collaboration avec un atelier de renom et un ensemble de conseillers sur le plan du contenu. Ce livre nourrit une ambition similaire : réunir des experts des disciplines les plus diverses. Ce n'est qu'en combinant les points de vue des spécialistes en histoire de l'art, des historiens, des philosophes, des scientifiques du religieux, des mathématiciens et des spécialistes de l'optique que l'on peut pleinement saisir la richesse et la profondeur de ce chef-d'oeuvre.

    Richement illustré de dizaines de détails d'une précision inouïe - parfois invisibles à l'oeil nu - révélés durant la campagne de restauration en cours.

  • Jean-Michel Geneste a été conservateur de la grotte de Lascaux et il a coordonné les recherches dans celle de Chauvet. Il parcourt également le monde - depuis la Dordogne jusqu'à la Colombie-Britannique, en passant par l'Australie, la Papouasie-Nouvelle-Guinée et l'Altaï - sur la trace des chasseurs-cueilleurs d'hier ou d'aujourd'hui, de leurs techniques et des arts rupestres dans leur splendeur et leur diversité.
    Il raconte ici ses recherches à Boris Valentin, professeur d'archéologie préhistorique, et tous deux échangent sur leur passion pour l'histoire très ancienne de l'humanité, pour de grands lointains qui leur sont devenus très proches. Une telle familiarité exige de pousser l'étude parfois jusqu'aux limites du perceptible. C'est un des émerveillements que ce livre veut faire partager.

  • L'art contemporain cubain n'a jamais connu une telle pluralité de pratiques esthétiques, autant d'artistes et de jeunes talents émergents, d'événements et d'expositions qu'aujourd'hui.
    La génération d'artistes présentée ici a été formée après la révolution lorsque l'accès à la culture et à l' éducation est devenu une priorité absolue. Leur pratique est fondamentalement enrichie par l'île, terre de métissage et de brassage culturel.
    C'est l'invitation que nous fait Gilbert Brownstone à travers L'Art à Cuba, accompagné du photographe Camilo Guevara, fils du Che. Celle d'une découverte des ateliers et d'une rencontre avec les artistes cubains parmi les plus importants qui s'expriment ici librement sur leur formation, leurs influences et la place de l'art à Cuba. Une introduction de Graziella Pogolotti vient compléter ces témoignages.

  • Venez plonger au coeur de l'insondable civilisation égyptienne et de ses rites, et dans l'univers fascinant des fouilles sous-marines.
    Avec ses 200 illustrations, dont les photos inédites des fouilles menées par l'équipe de Franck Goddio à l'IEASM, et les images d'une centaine d'objets dont des pièces rares encore jamais vues du grand public, le texte nous transporte au temps des pharaons, et nous fait revivre des épisodes de la cérémonie initiatique de 21 jours dédiée à la légendaire triade Osiris- Isis-Horus. D'Héracléion à Canope, l'ouvrage nous guide ainsi sur les chemins secrets qui menaient les divinités à l'au-delà.
    Depuis la naissance du mythe des Mystères d'Osiris jusqu'à sa postérité, en passant par les objets sacrés, les lieux de culte et les figures incontournables du panthéon égyptien, ce livre prolonge et enrichit l'exposition événement qui se tiendra à l'Institut du Monde Arabe à Paris du 8 septembre 2015 au 8 mars 2016.

  • Dès son enfance, Balthus, autoproclamé "Roi des Chats", n'a cessé de les représenter. De l'histoire de Mitsou, rapportée en 40 dessins exécutés à l'encre de Chine et qu'admirait Rilke, au temps des chefs-d'oeuvre, une même fascination pour les chats se révèle. Alain Vircondelet, qui eut le privilège de recueillir les mémoires de Balthus au chalet de Rossinière, décrypte ici la relation singulière du Maître avec les chats.
    Jeunes filles et chats, dans leurs poses alanguies et troublantes, se font alors les guides et les miroirs d'un monde mystérieux que Balthus enchante. Au travers d'oeuvres et de photographies personnelles se dévoile l'univers intime et merveilleux de Balthus et de sa femme Setsuko, où les chats sont chez eux, gardiens de tous les secrets.

  • Longtemps méprisé, le " stupide XIXe siècle " (1819-1905) est devenu l'âge d'or de l'art français, dans toute sa diversité, avec Ingres et Delacroix, Manet et Puvis de Chavannes, Gustave Eiffel et Charles Garnier.
    Tout y concourt, la volonté politique comme les innovations techniques, la puissance, parfois paralysante, des institutions, la vigueur des initiatives privées. L'art français devient universellement exemplaire, répandant à l'étranger les trouvailles de l'impressionnisme, le modèle haussmannien ou les audaces de l'Art nouveau, mais recevant en retour, des artistes qu'il a attirés sur son sol, de nombreuses influences.
    Ainsi, il apparaît foisonnant, alignant une cohorte de grands maîtres, seuls face à leur création, ou tournés vers l'idée d'un art total et rêvant, avec Baudelaire et Valéry, au " mélange écumant des arts ".

  • Monet consacra 25 ans de sa vie à peindre les nymphéas du "jardin d'eau" qu'il aménagea à Giverny où il vécut jusqu'à la fin de sa vie. Le génie de Monet atteint son apogée, il est allé "au-delà de la peinture", pour nous restituer, à travers les miroitements de l'eau, les jeux de lumières, la sensation de l'éphémère. Les "Nymphéas" réunis ici apparaissent comme autant de "Miroirs du temps", dont la singularité et la modernité influencèrent les plus grands peintres de la seconde moitié du XXe siècle.
    Un catalogue raisonné réunissant les 254 Nymphéas répertoriés à ce jour vient compléter l'ouvrage ainsi qu'un ensemble de photographies et de lettres.

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