« Tu finiras à la galerie que tu le veuilles ou non ! » Cette phrase prononcée par son grand-père résonne dans la tête d'Édouard Larock depuis son enfance.

Car celui qui a choisi de poursuivre l'aventure familiale s'apprête à reprendre les rênes de l'une des plus grandes galeries d'art, fondée il y a près d'un siècle, par son arrière-grand-tante : Katia Granoff.

Jeune Ukrainienne ayant fui la révolution russe, devenue l'une des rares femmes marchandes d'art du début du XXe siècle, Katia Granoff - également poétesse, mécène et muse - n'aura eu de cesse, sa vie durant, de défendre avec passion les oeuvres des plus grands artistes de son temps ; Bouche, Ozenfant, Friesz, Chagall qu'elle propulsera au-devant de la scène ; et surtout, les Nymphéas, oeuvre ultime de Monet dont elle est la première à pressentir l'avant-gardisme.

Plus qu'une traversée artistique, ce livre relate l'histoire de Katia Granoff, mais aussi celle d'une filiation. Son neveu, Pierre, soutiendra avec son fils Marc la modernité d'Hantaï, Hartung, Messagier, Rebeyrolle ; puis, avec son fils Pierre le post-impressionnisme et l'école de Rouen...

Aujourd'hui, Édouard, aux côtés de Marc, offre leurs cimaises à de nouveaux artistes contemporains tout en ouvrant les portes de la galerie aux passionnés.

Un récit empreint d'humanité qui retrace, au fil des pages, l'aventure de cette grande galerie parisienne. Lire la suite Fermer

Tome 1.
A partir des années 1890 et pendant la première moitié du XXème siècle, l'orientalisme disparait peu à peu pour laisser la place à l'art colonial. Cette évolution est le reflet d'une métamorphose conceptuelle, mais aussi politique, de l'Orient : d'espace à la localisation imprécise que les artistes peuvent peupler à loisir de fantasmes, il se transforme en colonies, territoires dominés par la France qui va s'employer à les « pacifier », explorer, inventorier. De quelles manières la colonisation affecte-t-elle la pratique picturale des artistes ? C'est à travers l'exemple des peintres voyageant dans le Protectorat marocain que cet ouvrage étudie les différences et similitudes entre l'orientalisme et l'art colonial.
412 pages.

Tome 2.
Ce dictionnaire présente les notices biographiques des peintres français partis au Maroc entre 1912 et 1956 en mettant l'accent sur leur séjour marocain.
356 pages. Lire la suite Fermer

Cet ouvrage, fruit de quinze années de recherches, explique comment le monde
de la céramique s'est rapproché du monde de l'art en Île-de-France au cours d'un siècle riche en innovations techniques, en transformations économiques et en influences artistiques nouvelles.
L'ouvrage explore d'abord la question du point de vue des céramistes d'atelier, illustré avec les exemples d'Ernest Chaplet, Adrien Dalpayrat, Émile Decoeur, Guidette Carbonell et bien d'autres.
Il montre ensuite comment les manufactures de céramique ont créé, à côté de leur fabrication courante, des pièces à vocation artistique, prenant appui sur le cas d'usines implantées notamment à Montereau, Choisy-le-Roi, L'Isle-Adam ou encore Ivry-sur-Seine.
À travers l'étude de leurs moyens de production, de commercialisation, d'exposition
et de réception, mais aussi l'examen des
modes de formation des céramistes ou des collaborations qu'ils établirent entre eux,
ce livre interroge sur le degré d'artification auxquels ils sont parvenus.
Un répertoire des céramistes classés par ville complète cet ouvrage inédit. Lire la suite Fermer

En 2004 dans l'exposition Regards sur l'art hollandais du XVIIème siècle de la Fondation Custodia, Marie Christine-Boucher a rédigé l'ensemble des ??ches des peintures prêtées par le musée. Elle a poursuivi ce travail en l'étendant à toutes les peintures ??amandes, hollandaises puis allemandes dont elle avait la charge.
Ce travail a abouti à ce catalogue.
Ce catalogue raisonné présente pour la première fois les peintures ??amandes et hollandaises du Petit Palais qui béné??cient d'une place importante et reconnue parmi les collections de ces Écoles dans les musées français.

L'ébéniste allemand Martin Carlin, originaire de Fribourg-en-Brisgau, accomplit une carrière exceptionnelle à Paris au XVIIIe siècle. Ses pièces de mobilier ornent les luxueux appartements de l'élite européenne. À l'instar de Carlin, de nombreux ébénistes de source germanique confectionnent au faubourg Saint-Antoine, en bordure est de la capitale, des meubles remarquables. En s'appuyant sur la vie et l'oeuvre de Carlin, Miriam Schefzyk étudie l'important mouvement migratoire des ébénistes allemands à Paris et décrit leurs stratégies d'intégration et leurs réseaux, mais aussi leurs structures de travail complexes dans un environnement marqué par la concurrence et la coopération.

L'empereur Rodolphe II fait de Prague sa capitale et y réunit artistes et savants. Il est curieux, tolérant, amoureux de la beauté et du savoir. Sous sa protection, Tycho Brahe et Johannes Kepler révolutionnent la compréhension du cosmos et fondent l'astronomie moderne. À sa cour, naturalistes, artistes, médecins, alchimistes ou astrologues scrutent la nature avec passion. Par l'étude de la fascinante profusion des phénomènes qui les entourent, leur ambition est de découvrir la profonde unité du monde.
Le livre propose quatorze portraits de ces hommes talentueux, aux personnalités originales, jaloux de leur liberté de penser. Ils sont rendus à la vie grâce aux sources de leur temps : leurs livres, leur correspondance et leurs récits.

L'historien d'art Renaud Faroux et le photographe Michel Lunardelli ont sillonné l'Europe de Paris à Milan, de Londres à Madrid sur les traces des derniers grands artistes du Pop Art des années 1960.
La formule de « Pop Art européen » peut surprendre : c'est comme quand les Anglais parlent du rock français et disent que c'est aussi bon que du vin britannique ! Si pour le grand public le Pop Art est un phénomène Nord Américain incarné par Andy Warhol et Roy Lichtenstein, ce travail remet en question ce chauvinisme étasunien et souligne l'extraordinaire gémellité de la création qui se développe en Europe et outre-Atlantique. Comme le résume Peter Blake : « Si le Pop Art américain est un reflet de la vraie vie, en Angleterre c'est surtout une affaire de rêve et en France, un combat politique ! » Lire la suite Fermer

En 1897, paraît la première revue parisienne consacrée à la critique des arts décoratifs contemporains, Art et Décoration, publiée par la Librairie centrale des beaux-arts. Jusqu'à son interruption temporaire en 1914, elle reste fidèle aux engagements énoncés par son programme : accompagner le développement d'un art décoratif français moderne. C'est pourquoi elle prend intensément part aux débats critiques, esthétiques, théoriques et idéologiques qui sous-tendent l'actualité artistique, de l'éphémère apogée de l'Art nouveau aux prémices de l'Art déco.
À travers un parcours diachronique, déterminé par les évolutions de la vie artistique au passage du XX e siècle, cet ouvrage analyse la complexité d'une période singulièrement riche, mais rarement abordée pour elle-même du point de vue de l'histoire des arts décoratifs. Décryptant l'action critique et théorique d'Art et Décoration, il replace celle-ci au sein du champ éditorial des revues d'art, explore l'implication de ses principaux acteurs, interroge la vocation militante de son discours critique et définit les contours de l'esthétique décorative élaborée au fil de ses pages.
Ce livre est issu d'une thèse de doctorat en histoire de l'art, lauréate du Prix du Musée d'Orsay 2016.
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C'est un ouvrage créatif, une sorte de performance. Ses directeurs ont proposé aux écrivains et intellectuels russes et français de choisir chacun un tableau russe du xixe siècle, la période la moins connue de tout l'art russe, dont l'Occident ne retient que les icônes et les avant-gardes. Le xixe siècle russe est surtout connu grâce à sa littérature et sa musique. Or la peinture russe de cette période est tout aussi passionnante et se trouve d'ailleurs souvent en relation étroite avec les autres arts. Ce sont ces tableaux, très variés - peinture d'histoire, de genre, portraits et paysages - que tout Russe connaît pas coeur ; ce sont ce qu'on appelle aujourd'hui les lieux communs de la culture russe. Une collection de 30 essais consacrés chacun à un tableau permet d'approfondir sa compréhension de la culture russe. C'est aussi pour le lecteur une véritable école de regard.
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Basé sur une documentation inédite, cet ouvrage retrace l'histoire du goût francophile de l'une des plus célèbres familles aristocratiques russes, les Youssoupoff. L'auteur explore les collections françaises amassées par les membres de cette famille sur cinq générations, de la fin du xviiie siècle au début du xxe siècle, dans une saga révélant leur destin au lendemain de la Révolution russe. Des collections de peintures françaises aux joyaux royaux provenant de la reine Marie Antoinette ou de la famille Bonaparte, des décors complets conçus à Paris pour les palais de Saint-Pétersbourg aux résidences, un hôtel et un château en Bretagne, bâtis en France, de la mode à l'orfèvrerie, cette étude dissèque pour la première fois, à travers un exemple multi- générationnel, les différents aspects du goût de la noblesse russe pour la culture française, quand la Russie et son élite regardaient vers l'Occident. Lire la suite Fermer

Dufy est né au Havre, il a peint au Havre et/ou Le Havre toute sa vie durant, et le musée du Havre conserve la deuxième plus importante collection publique de ses oeuvres. Ce catalogue, avec près de 150 oeuvres reproduites, au-delà de vouloir rendre un nouvel hommage à Raoul Dufy, propose d'interroger le lien particulier qui unit Dufy au Havre, d'interroger son rapport à ce paysage, de tenter de définir ce qui a suscité et nourri ses recherches picturales, depuis ses tout débuts jusqu'à la fin de sa vie.

Ce catalogue restitue également le résultat de nouvelles recherches effectuées au Havre autour des conditions de l'attribution du legs de Madame Dufy, du milieu familial et de la formation de l'artiste, de sa réception critique. Il reproduit de nombreuses photographies conservées dans les collections municipales, permettant à un lecteur non normand de se repérer dans la ville et de localiser les motifs retenus par Dufy. Il propose un appareil critique inédit particulièrement éclairant sur les débuts publics de l'artiste, à un moment clef où Dufy, interrogeant l'héritage impressionniste, questionne le réel avant de rejoindre le mouvement fauve.
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Pierre Alechinsky (Bruxelles, 1927), pionnier du groupe CoBrA, est l'une des figures majeures de l'art de la seconde moitié du XXe siècle. En utilisant tout son corps pour appliquer de l'encre ou de la peinture acrylique sur de larges feuilles de papier étendues sur le sol, l'artiste a construit un style richement enraciné dans des lignes légères et sans retenue, inspiré de la calligraphie avant-gardiste japonaise. Son oeuvre a fait l'objet de nombreuses expositions à travers le monde, de la France au Japon. En ce début 2021, Pierre Alechinsky offre aux Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique une série inédite d'oeuvres sur papier. À l'occasion de cette donation exceptionnelle se tient une exposition rassemblant ses oeuvres les plus emblématiques conservées à Bruxelles.
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L'architecture publique englobe les édifices qui ne sont ni religieux ni privés. Leur importance tant numérique que sociétal et architectural est immense. Pourtant, aucune synthèse n'a été écrite à ce jour sur ces édifices bâtis du XVIe au XVIIIe siècles alors que ces bâtiments s'individualisent : des collèges ou des bibliothèques sortent des enceintes religieuses, des prisons deviennent des édifices indépendants, des théâtres s'émancipent des palais. Tous marquent visuellement la cité et l'embellissent. Tous bénéficient d'une identité architecturale, ils ont leur propre caractère. Tous sont enfin le fruit d'une volonté politique, sont caractéristiques d'une histoire formelle et institutionnelle. L'ouvrage que nous présentons ici vise à mieux faire connaître cette architecture dans sa diversité typologique, dans son contexte historique et urbain. Il permet également de mettre en exergue les prémices d'une préoccupation architecturale plus caractéristique du XIXe, voire du XXe siècle. Les propos sont organisés autour de quatre idées centrales : les pouvoirs en représentation (ministères, parlement), les lieux d'enseignement et de culture (collèges, théâtres), les édifices utilitaires (phares, hôpitaux, ponts), les bâtiments édilitaires (bains publics, bourses de commerce). Cette présentation permet d'examiner cette architecture publique en gestation sous des prismes divers, qu'elle soit de prestige ou élémentaire. Lire la suite Fermer

La vie de cour est indissociable d'un faste décoratif : palais, réceptions, fêtes, manifestations publiques sont autant d'occasions pour montrer la création artistique de chaque époque. Le Garde-Meuble en Europe est alors l'organisme au coeur de cette magnificence. Il s'agit d'une institution administrative ou d'individus au service de l'ameublement des édifices des personnes exerçant un pouvoir sur des citoyens. Une structure qui s'applique à la décoration, la création, l'entretien, le stockage et la restauration et il est souvent au centre de la vie curiale en Europe depuis le Moyen-Âge. Chaque pays a choisi des organisations différentes pour rendre visible un art décoratif adéquat et développer des cérémonials adaptés aux rangs protocolaires. Cette publication a ainsi pour objectif de faire un état des lieux des institutions encore existantes, de poser des jalons de recherche liés à l'histoire de ces institutions et, enfin, de saisir les protagonistes et les modes de fonctionnement. Le Garde-Meuble, étudié à l'échelle européenne, contribue à une esthétique de la représentation du pouvoir et de son cérémonial. À travers l'usage qui est fait des éléments décoratifs, il participe à la distribution des oeuvres dans les intérieurs et à l'étiquette de cour. Il permet également aux artistes et aux artisans d'exprimer un savoir-faire, tout en suscitant les innovations créatives et décoratives au cours de l'histoire. Lire la suite Fermer

Contrastant avec les balbutiements de leur technique, la maîtrise artistique des premiers fondeurs chinois ne connaît pas de prémices. Par l'originalité, et parfois l'audace de leurs formes, les vases en bronze atteignent immédiatement à la perfection. En témoigne l'extraordinaire élégance et le geste inspiré des pièces les plus anciennes.
Au cours des premiers siècles, entre le xvie et le iiie siècle avant notre ère, un bestiaire fantastique chargé de puissance et de force fait la beauté de vases destinés aux grandes cérémonies du rituel chinois.
Quand cette fonction rituelle fait place à l'ostentation, le décor s'enrichit d'incrustations de malachite, d'or, d'argent ou de laque, et les formes deviennent précieuses jusqu'à l'exubérance.
Il y a vingt siècles, certains bronzes identiques à ceux présentés ici faisaient déjà figure d'antiquités auxquelles les premiers empereurs attachaient le plus grand prix. Chaque fois qu'une dynastie aura besoin d'assurer sa légitimité, elle plongera vers cette sorte de « mémoire historique » que sont les bronzes pour l'histoire chinoise.
Le regard porté au cours du temps sur les bronzes archaïques chinois a pu changer, en même temps que le souvenir de leur usage exact, et celui de la fonction rituelle qui avait été la leur, pouvait s'estomper. Il demeure que l'ensemble de la collection de chefs-d'oeuvre présenté lors d'une exposition au musée Guimet est lui-même un chef-d'oeuvre, tant la qualité des pièces est exceptionnelle, tant est complète la série des formes créées par les bronziers de la Chine antique.
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Cet ouvrage présente l'ensemble incomparable que constituent les quelque cinq cents « petits bronzes » italiens de la Renaissance conservés au département des Objets d'art du musée du Louvre : sculptures en ronde bosse, reliefs, plaquettes, objets d'usage et médailles, une production qui s'échelonne de la première moitié du ¬XVe jusqu'au milieu du ¬XVIe siècle.
Dans le catalogue, établi de façon chronologique selon l'ordre d'entrée des oeuvres dans la collection, l'auteur a choisi de ne retenir que des critères objectifs : provenance, bibliographie, iconographie, historiographie, critique historique.
C'est dans les essais de la première partie du livre que l'auteur fait partager au lecteur, parfois non sans malice mais toujours avec pertinence, ses réflexions sur les notions d'unique et de multiple, d'artiste et d'atelier, de répliques et de faux. C'est là aussi que l'on retrouvera les noms de Filarete, de Pisanello, de Donatello, de Riccio et de moins illustres qu'eux, dûment replacés en contexte. Dans chacun des chapitres, conçus de façon autonome mais en résonance les uns avec les autres, ce sont donc ces questions fondamentales, posées sans fard ni pudeur, qui interrogent l'histoire du bronze italien de la Renaissance. Philippe Malgouyres apporte des éléments de réponse à ces questions qu'il nous invite à notre tour à méditer, mettant parfois à mal quelques idées reçues et ouvrant ainsi des pistes nouvelles à la recherche.
C'est donc à une redécouverte de ces oeuvres et à l'exploration d'une méthode d'investigation nouvelle que nous convie Philippe Malgouyres à travers cet ouvrage qui nous incite à porter un regard renouvelé sur ces mystérieux « petits bronzes » italiens de la Renaissance.
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On connaît Man Ray photographe. Il est aussi peintre, dessinateur, créateur d'objets, homme de cinéma. Une centaine d'oeuvres appartenant à une collection particulière sont données à voir, des dessins et tableaux de Man Ray, mais aussi des rayogrammes révélant la magie d'objets simplement posés sur un film sensible, des héliogravures et autres pièces expérimentales, ses deux premiers films notamment. Ces oeuvres mettent en lumière les multiples facettes du travail d'un artiste foisonnant : la tentation dada qui le conduit, avec Marcel Duchamp, à « fabriquer » des images étranges ; l'aventure de livres libres menée avec Paul Éluard ; l'« inquiétante étrangeté » cultivée par la communauté surréaliste, et sa floraison d'objets détournés, rêvés, réinventés ; enfin la quête de la liberté et du plaisir qui a irrigué toute la création du photographe.
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Fruit de dix années de travail consacrées au peintre emblématique du xixe siècle et symbole du romantisme, Eugène Delacroix, cet ouvrage incontournable approfondit de manière totalement inédite les connaissances sur cet artiste à l'historiographie foisonnante. En réunissant et en analysant l'intégralité de la littérature d'art produite sur le maître entre 1822 et 1885, l'auteur replace l'artiste comme une individualité imbriquée dans le tissage de réseaux tant artistiques que politiques, journalistiques et culturels. En rendant vie à une multitude d'auteurs à la plume inspirée, cet ouvrage exemplaire permet non seulement de comprendre les interactivités entre un artiste, ses critiques et son époque, mais également de mesurer toute la portée de l'oeuvre d'un homme sur l'art de son temps.
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De l'art ancien à l'impressionnisme belge.
Les collections du musée d´Ixelles.

Degas et Whistler, personnalités phares des avant-scènes artistiques de Paris et de Londres dans la seconde moitié du XIXe siècle, partagent une conscience précoce de l'importance de créer de nouvelles modalités d'expositions pour sensibiliser leurs contemporains à un art singulier, résolument en marge de celui présenté par les Institutions : des affiches annonçant leurs expositions aux titres qu'ils leur donnent, des catalogues qu'ils conçoivent à leurs parti-pris muraux originaux ou l'attention remarquable qu'ils portent à leurs cadres, leurs innovations font date dans l'histoire de l'art contemporain et participent à la construction de leur identité artistique, au-delà des frontières.

Après une réflexion générale sur les moyens de dénomination des tableaux et sur la notion de titre, l'auteur étudie en quatre chapitres la naissance et le développement du titre, grâce notamment aux inscriptions qui figurent sur les estampes et la progressive apparition des cartels. Il montre comment l'association de mots explicatifs aux tableaux a permis un renouvellement des sujets représentés.
La généralisation des titres dans le troisième tiers du XIXe siècle a modifié le rôle qui leur a été assigné : ils sont devenus un moyen soit d'attirer l'attention sur les oeuvres, soit de leur donner une dimension supplémentaire. L'usage qu'en font les inventeurs de l'abstraction et les proches d'Apollinaire : De Chirico, Picabia et Duchamp, conclut cette partie. La seconde partie analyse la façon dont les titres ont été appliqués aux tableaux anciens et les interprétations, parfois forcées ou erronées, que ces titres ont été amenés à leur donner. Lire la suite Fermer