En 1924, Georgia O'Keeffe (1887-1986) s'installe pour la première fois à l'hôtel Shelton de New York avec son mari, le photographe et marchand d'art Alfred Stieglitz. Le Shelton était le premier gratte-ciel résidentiel de Manhattan, et ses hauteurs vertigineuses ont inspiré à Georgia O'Keeffe une puissante série d'environ vingt-cinq peintures et de nombreux dessins sur une période d'environ cinq ans. Elle les appelait "mes New York" et ils consistaient essentiellement en deux types de compositions : des observations tentaculaires avec une vue plongeante sur la ville et des vues humbles dirigées vers les monolithes urbains nouvellement construits. En explorant la ligne d'horizon de New York, O'Keeffe a résisté à l'approche de contemporains tels que Charles Sheeler et Paul Strand, qui ont célébré New York comme une série rationalisée et impersonnelle de canyons géométriques, et l'ont plutôt dépeinte comme un amalgame d'organique et d'inorganique, de naturel et de construit. Ce n'est qu'ainsi qu'elle a pu exprimer New York (selon ses propres termes) "tel qu'on le ressent ». Cette publication, qui redéfinit notre compréhension de cette période charnière mais sous-estimée de la carrière d'O'Keeffe, situe les peintures de New York dans l'ensemble de l'oeuvre de l'artiste et examine comment ces oeuvres reflètent des récits d'environnements construits, d'espaces racialisés et de politiques de l'espace.
Un hommage richement élaboré à l'artiste et designer d'avant-garde Sonia Delaunay, dont l'approche novatrice est reflétée dans l'interdisciplinarité et la conception inspirée de l'ouvrage. Décrit comme "la contribution la plus importante aux études sur Sonia Delaunay depuis une décennie", ce catalogue établit une nouvelle norme pour l'étude de cette artiste, designer et entrepreneuse pionnière de l'avant-garde (1885-1979). S'écartant des structures chronologiques traditionnelles pour mieux mettre en valeur les recherches novatrices qui unifient l'oeuvre intemporelle de l'artiste à travers les différents supports, cette publication démontre la polyvalence innée de Delaunay et sa volonté de créer sans limites matérielles en utilisant son langage unique de la lumière et de la couleur. Les textiles, la mode, les intérieurs, l'art du livre et bien d'autres domaines sont mis en lumière dans 26 chapitres rédigés par d'éminents chercheurs internationaux qui donnent un nouvel aperçu des stratégies d'auto-promotion de Delaunay, de ses efforts d'entrepreneuriat, de ses efforts de construction d'un héritage et de son vaste réseau de collaborateurs. Ces analyses approfondies, qui portent notamment sur le cinéma, les mosaïques, les tapisseries et la décoration d'intérieur, offrent une perspective complète sur les efforts déployés par Delaunay tout au long de sa vie pour unir l'art et la vie en exploitant l'énergie du progrès technologique et la beauté du savoir-faire artisanal. Enfin, une annexe fournit une note personnelle unique - un épilogue de Patrick Raynaud, le dernier membre vivant de l'atelier de Delaunay - qui constitue un témoignage émouvant des pratiques de travail de l'artiste vers la fin de sa vie. La conception graphique, réalisée par Irma Boom, créatrice de livres primée, reprend l'approche de Sonia Delaunay en matière de mise en page et de typographie, donnant naissance à un livre qui unit le passé et le présent pour devenir une oeuvre d'art à part entière.
An essential new look at the Italian architect, writer, and designer whose work paved the way for the postmodern movement
This crucial reassessment of Aldo Rossi's (1931-1997) architecture simultaneously examines his writings, drawings, and product design, including the coffeepots and clocks he designed for the Italian firm Alessi. The first Italian to receive the Pritzker Prize, Rossi rejected modernism, seeking instead a form of architecture that could transcend the aesthetic legacy of Fascism in postwar Italy. Rossi was a visionary who did not allow contemporary trends to dominate his thinking. His baroque sensibility and poetic approach, found both in his buildings and in important texts like The Architecture of the City, inspired the critic Ada Louise Huxtable to describe him as «a poet who happens to be an architect.»
Diane Ghirardo explores different categories of structures?monuments, public buildings, cultural institutions, theaters, and cemeteries?drawing significantly on previously unpublished archival materials and always keeping Rossi's own texts in the forefront. By delving into the relationships among Rossi's multifaceted life, his rich body of work, and his own reflections, this book provides a critical new understanding of Rossi's buildings and the place of architecture in postwar Italy.
L'essence de l'Interaction de la couleur de Josef Albers dans un format qui engage les apprenants de tous âges et de tous niveaux et encourage une approche pratique. Interaction of Color est souvent présenté comme une théorie globale de la couleur, mais il s'agit en fait d'une méthode pour apprendre à mieux voir et comprendre la couleur. De nombreux exercices illustrés dans Interaction of Color ont été conçus par les étudiants d'Albers : couper et coller, regarder, réfléchir et apprendre. Ce cahier d'exercices est un outil pédagogique conçu pour permettre aux lecteurs de s'engager dans les types de créativité et d'exploration tactiles qui caractérisaient la classe d'Albers. Se concentrant sur huit des leçons les plus importantes, ce livre invite les lecteurs à apprendre par la pratique, en n'utilisant que des matériaux simples. Les instructions de base pour chaque exercice sont complétées par des conseils supplémentaires, des références au texte et aux illustrations originales d'Albers, et des anecdotes sur la façon dont Albers présentait les idées en classe. Le livre et les exercices sont suffisamment nuancés pour interpeller et inspirer les artistes, designers et éducateurs chevronnés, tout en étant facilement accessibles aux jeunes lecteurs et aux praticiens moins expérimentés.
Reassessing the career of the hugely influential Harper's Bazaar art director, who changed the course of twentieth-century American photography and graphic design
This lavishly illustrated volume explores the influence and significance of the Russian-born photographer, designer, and instructor Alexey Brodovitch (1898-1971), best known for his art directorship of the American fashion magazine Harper's Bazaar between 1934 and 1958, as well as his tutelage of many celebrated documentary and fashion photographers, including Irving Penn, Richard Avedon, Eve Arnold, and Lillian Bassman. Though disparate in their aesthetic approaches, these figures are unified by their responses to Brodovitch's dictum to «astonish me.» The authors address Brodovitch's impact on photography as an artistic medium in the mid-twentieth century and explore how European art and design became the foundation of a new American print culture. Brodovitch's own work will be illuminated through his personal projects-such as the magazine Portfolio and the photographic project Ballet, which depicted performances of the Ballets Russes de Monte Carlo in the United States (whose evolution echoed Brodovitch's own émigré condition). Case studies of his transformative collaborations with photographers such as Arnold, Avedon, Penn, Lisette Model, Henri Cartier-Bresson, Hans Namuth, and André Kertész reveal pivotal encounters that may surprise even the most ardent photography aficionado. An illustrated chronology offers an important tool for scholars on this influential but often overlooked figure.
Distributed for the Barnes Foundation
Exhibition Schedule:
Barnes Foundation, Philadelphia
(March 3-May 19, 2024)
Le livre définitif sur le travail d'un photographe américain virtuose et vénéré "Irving Penn : Centennial ... présente page après page des images d'une fraîcheur saisissante" - Luc Sante, New York Times Irving Penn (1917-2009) compte parmi les photographes les plus estimés et les plus influents du XXe siècle. Au cours d'une carrière de près de soixante-dix ans, il a maîtrisé une esthétique épurée de la photographie de studio qui se distingue par son attention méticuleuse à la composition, aux nuances et aux détails. Ce livre indispensable présente l'une des plus grandes sélections de photographies de Penn jamais compilées, comprenant des images célèbres et appréciées ainsi que des travaux qui n'ont jamais été publiés, couvrant l'ensemble de sa carrière révolutionnaire. Une introduction éclairante situe son travail dans le contexte des divers environnements et événements artistiques, sociaux et politiques qui ont influencé le contenu de ses photographies. Des essais vivants familiarisent les lecteurs avec les principaux sujets et campagnes de Penn, notamment les premières scènes et images documentaires, les portraits, la mode, les nus féminins, les peuples du Pérou, du Dahomey (Bénin), de la Nouvelle-Guinée et du Maroc, les natures mortes et bien d'autres choses encore. Irving Penn : Centennial est indispensable à tout amateur de l'oeuvre de cet artiste ou de l'histoire de la photographie du XXe siècle.
An expansive look at portraiture, identity, and inequality as seen in Dorothea Lange's iconic photographs.
Dorothea Lange (1895-1965) aimed to make pictures that were, in her words, «important and useful.» Her decades-long investigation of how photography could articulate people's core values and sense of self helped to expand our current understanding of portraiture and the meaning of documentary practice.
Lange's sensitive portraits showing the common humanity of often marginalized people were pivotal to public understanding of vast social problems in the twentieth century. Compassion guided Lange's early portraits of Indigenous people in Arizona and New Mexico from the 1920s and 1930s, as well as her depictions of striking workers, migrant farmers, rural African Americans, Japanese Americans in internment camps, and the people she met while traveling in Europe, Asia, and Latin America.
Drawing on new research, the authors look at Lange's roots in studio portraiture and demonstrate how her influential and widely seen photographs addressed issues of identity as well as social, economic, and racial inequalities-topics that remain as relevant for our times as they were for hers.
Published in association with the National Gallery of Art, Washington.
Une immersion dans l'univers d'Arne Jacobsen, l'un des architectes et designers les plus influents du vingtième siècle. L'architecte danois Arne Jacobsen (1902-1971) est célèbre tant à l'intérieur qu'à l'extérieur des frontières du Danemark. Célèbre pour ses chaises emblématiques, Jacobsen était également un photographe et un peintre passionné, impliqué dans le monde de l'art, où il a trouvé l'inspiration et de nouvelles méthodes pour développer l'architecture. Il s'agit de l'ouvrage le plus complet sur Jacobsen à ce jour, qui aborde des aspects jusqu'alors inconnus de sa vie et de son oeuvre. Il montre comment l'art a joué un rôle déterminant dans sa vie professionnelle et personnelle, le plaçant au coeur de la scène artistique européenne d'avant-garde de l'après- guerre. En apportant un éclairage nouveau sur certains aspects de sa vie créative, le livre remet en question les idées reçues sur Jacobsen en tant qu'iconoclaste moderniste, le positionnant plutôt comme un innovateur créatif qui a travaillé en étroite collaboration avec les matériaux pour transformer l'esthétique existante. Il montre également comment Jacobsen a joué un rôle crucial dans la définition de l'esthétique danoise et nordique du bien-être. Magnifiquement conçu, le livre présente des oeuvres célèbres et moins connues de Jacobsen, notamment des chaises, des dessins textiles, des aquarelles, des luminaires et des maquettes d'architecture, ainsi que des centaines de photographies privées inédites de Jacobsen et de ses nombreuses créations.
A beautifully produced facsimile of the last known intact sketchbook by J. M. W. Turner
J. M. W. Turner (1775-1851) seldom left home without a sketchbook. Over the course of his lifetime, he filled more than three hundred, most of them small enough to carry in his pocket. This facsimile represents Turner's last known intact sketchbook, now in the collection of the Yale Center for British Art. Turner used it on the coast of the English Channel in Kent, in and around Margate, from June to September 1845.
The volume is accompanied by a poem in which Tracey Emin (b. 1963) expresses her profound connection with Turner's work. Emin grew up in Margate, the seaside town that Turner returned to time and again to draw.
This presentation of Turner's sketchbook includes generous margins and blank pages to encourage further sketches, in the spirit of the artist.
Un portrait passionnant des figures clés du Bloomsbury Group, raconté à travers une riche collection de photographies intimes. La photographie a encadré le monde du Bloomsbury Group. Les milliers de photographies conservées dans les albums de Virginia Woolf, Vanessa Bell, Dora Carrington et Lytton Strachey, entre autres, nous offrent aujourd'hui un aperçu privé de leur vie. Maggie Humm rassemble une sélection de ces photographies pour nous offrir un nouveau portrait du Bloomsbury Group, les montrant dans une nouvelle intimité domestique. Elle fait revivre la texture de Bloomsbury : leurs passe- temps, leurs enfants, leurs vêtements, leurs maisons, leurs domestiques, leurs animaux de compagnie, leurs vacances. Plusieurs photographies sont floues, comme si elles avaient été prises à la hâte, et des gros plans non surveillés reflètent des relations personnelles complexes. Les photographies de Bloomsbury ne sont pas de simples documents, mais des témoignages de relations, d'amitiés et de l'importance d'une vie empathique.
Robert Frank's and Todd Webb's parallel 1955 projects to photograph America are considered in the context of mid-twentieth-century American culture.
In 1955 two photographers were awarded grants from the John Simon Guggenheim Foundation to embark on trips across the United States. Robert Frank (1924-2019) drove coast to coast, photographing the highways, bars, and people that formed the basis for his widely admired publication The Americans (1958). Todd Webb (1905-2000) walked across the country, searching for «vanishing Americana and what is taking its place.» Unaware of each other's work, the photographers produced strikingly similar images of the highway, parades, and dim, smoky barrooms. Yet while Frank's grainy, off-kilter style revealed many inequities of American life, Webb's carefully composed images embraced clear detail and celebrated the individual oddities of Americans and their locales.
This revelatory book is the first to publish Webb's 1955 photographs and connects these parallel projects for the first time. More than one hundred images accompany text illuminating Frank's and Webb's different perspectives and approaches to similar subjects and places; the difference in reception of Frank's iconic work and Webb's relatively unknown series; and the place of the road trip in shaping American identity at midcentury.
Published in association with the Museum of Fine Arts, Houston.
Exhibition Schedule:
Museum of Fine Arts, Houston (October 8, 2023-January 7, 2024).
Addison Gallery of American Art, Phillips Academy, Andover, Massachusetts (February 10-July 30, 2024).
Brandywine Museum of Art, Chadds Ford, Pennsylvania (February 8-May 4, 2025)
A sweeping retrospective exploring the oeuvre of an incandescent artist, revealing the ways that Mitchell expanded painting beyond Abstract Expressionism as well as the transatlantic contexts that shaped her
Joan Mitchell (1925-1992) was fearless in her experimentation, creating works of unparalleled beauty, strength, and emotional intensity. This gorgeous book unfolds the story of an artistic master of the highest order, revealing the ways she expanded abstract painting and illuminating the transatlantic contexts that shaped her. Lavish illustrations cover the full arc of her artistic practice, from her exceptional New York paintings of the early 1950s to the majestic multipanel compositions she made in France later in her career. Signature works are represented here along with rarely seen paintings, works on paper, artist's sketchbooks, and photographs of Mitchell's life, social circle, and surroundings.
Featuring scholarly texts, in-depth essays, and artistic and literary responses, this book is organized in ten chronological chapters. Each chapter centers on a closely related suite of paintings, illuminating a shifting inner landscape colored by experience, sensation, memory, and a deep sense of place. Presenting groundbreaking research and a variety of perspectives on her art, life, and connections to poetry and music, this unprecedented volume is an essential reference for Mitchell's admirers and those just discovering her work.
Published in association with the San Francisco Museum of Modern Art
A compelling look at the aesthetic and historical significance of Lagerfeld's work-from his elegantly tailored pieces for Chanel to the witty, playful ensembles that came to define the Lagerfeld brand This publication is the first to present an insightful overview of Karl Lagerfeld's (1933-2019) artistry across his extraordinary 65-year career as a fashion designer and creative visionary-from early work for Balmain and Patou in the 1950s and designs for Chloe and Fendi in the 1960s and 1970s, to his celebrated leadership in the 1980s and beyond at Chanel and with his own label. Inspired by the "line of beauty" theorized by the eighteenth-century English painter William Hogarth, this dazzling publication pursues four "lines"-straight, serpentine, satirical, and explosive-as a means of defining Lagerfeld's unique creative process. An introductory text uses these concepts to explore such topics as the masculine-perceived art of tailoring, the traditionally feminine art of dressmaking, Lagerfeld's use of irony and parody, and the way these three modes converge in surprising, disruptive, and innovative ways. Thematic chapters illustrating the dualities in Lagerfeld's work, an illustrated timeline of his career, and reminiscences from the designer's friends and colleagues accompany new photography of 155 garments, as well as Lagerfeld's illustrations, material samples, personal photographs, and drawings, many never before published.
Published by The Metropolitan Museum of Art/Distributed by Yale University Press Exhibition Schedule:
The Metropolitan Museum of Art, New York (May 5-July 16, 2023).
Une réflexion sur l'évolution du mouvement japonais Mingei (art populaire) dans le contexte des préoccupations actuelles. Né au Japon dans les années 1920, le mouvement Mingei repose sur le principe que la beauté est inhérente aux objets quotidiens fabriqués à la main par des artisans anonymes. Dirigé par le philosophe Yanagi Soetsu et les potiers Hamada Shoji et Bernard Leach, le mouvement cherchait à élever le statut de l'artisanat populaire dans une société qui se modernisait rapidement. Pourtant, au cours des cent dernières années, le "Mingei" a acquis de nouvelles significations. Cette publication richement illustrée est la première à les examiner sous différents angles. Avec neuf essais rédigés par une équipe internationale d'experts et une série de profils de fabricants japonais contemporains, cet ouvrage de grande envergure couvre un large éventail d'objets, de la céramique au mobilier, en passant par le kimono et la kokeshi. Les auteurs japonais, coréens et occidentaux ne se contentent pas d'explorer les racines historiques du mouvement, ils jettent également un nouvel éclairage sur la manière dont ses principes s'appliquent aux préoccupations personnelles, sociales et environnementales d'aujourd'hui.
The first comprehensive study of these rare, influential objects, documenting a formative moment in the noted photographer's early career This elegant book unites all of the known carte postale prints by the photographer Andre Kertesz (1894-1985), including portraits, views of Paris, careful studio scenes, and exquisitely simple still lifes. Essays shed new light on the artist's most acclaimed images; themes of materiality, exile, and communication; his illustrious and bohemian social circle; and the changing identity of art photography. Playful yet refined, the book's design reflects the spirit of 1920s Paris while underscoring the modernity of the catalogue's more than 250 illustrated works. Kertesz made his rigorously composed prints on inexpensive but lush postcard stock, sharing them with friends and sending them back to family in Hungary. The works reveal the artist learning his craft as he encountered an international group of modernists-including Piet Mondrian, Fernand Leger, and Joseph Csaky-in the interwar metropolis. Prized by collectors as well as by Kertesz himself, the cartes postales influenced his compositions and the intimate scale of his picture making for decades.
Cette publication vibrante donne vie à quatre siècles de vêtements et d'accessoires extraordinaires inspirés par le monde naturel. Sleeping Beauties : Reawakening Fashion explore la relation complexe du vêtement avec le corps à travers les sens, offrant de nouvelles façons de comprendre et d'expérimenter l'art inhérent d'un vêtement. Des textes captivants rédigés par des universitaires, des scientifiques et des conservateurs révèlent l'histoire de plus de 200 oeuvres de mode tout en abordant leur fragilité et leur caractère éphémère. De nouvelles photographies exceptionnelles de Nick Knight de créations de couturiers et de maisons de design internationaux, dont Cristòbal Balenciaga, Thom Browne, Collina Strada, Christian Dior, Gucci, Charles James, LOEWE, Madame Grès, Thebe Magugu, Maison Margiela, Alexander McQueen, Issey Miyake, Paul Poiret, Yves Saint Laurent, Elsa Schiaparelli, Bea Szenfeld, Philip Treacy, Iris van Herpen, Louis Vuitton et Charles Frederick Worth - approfondit notre appréciation de l'intégrité sensorielle de chaque objet.
Un regard révélateur sur le visionnaire designer de meubles et architecte français, qui met en lumière ses créations virtuoses et sa créativité polyvalente. Le designer et architecte Pierre Chareau (1883-1950) a été une figure centrale du modernisme. Son extraordinaire mobilier Art déco est avidement collectionné et sa maison de verre visionnaire, la Maison de Verre, est célébrée, mais l'étendue de son génie en matière de design a été peu explorée. Chareau a lié l'architecture, les beaux-arts et le style ; il a conçu des meubles pour des films d'avant-garde et des maisons chics ; il a collectionné des artistes tels que Picasso et Mondrian ; et il a été un innovateur radical dans l'utilisation des matériaux. Ce regard révélateur sur le designer visionnaire français met en lumière sa virtuosité et sa créativité polyvalente. Les essais d'éminents spécialistes couvrent toute l'étendue de son invention, offrant des analyses détaillées de projets individuels, de la nature interdisciplinaire de son travail, de ses origines juives, de sa place dans l'avant-garde du Paris de l'entre-deux-guerres et de sa réception plus récente. De nombreuses illustrations présentent un riche échantillonnage du mobilier, de l'architecture, des intérieurs, des tissus et des papiers peints de Chareau, ainsi que son importante collection d'oeuvres d'art.
A groundbreaking introduction to the photographic work of an iconic modern artist.
The pathbreaking artist Georgia O'Keeffe (1887-1986) is revered for her iconic paintings of flowers, skyscrapers, animal skulls, and Southwestern landscapes. Her photographic work, however, has not been explored in depth until now. After the death of her husband, the photographer Alfred Stieglitz, in 1946, photography indeed became an important part of O'Keeffe's artistic production. She trained alongside the photographer Todd Webb, revisiting subjects that she had painted years before-landforms of the Southwest, the black door in her courtyard, the road outside her window, and flowers. O'Keeffe's carefully composed photographs are not studies of detail or decisive moments; rather, they focus on the arrangement of forms.
This is the first major investigation of O'Keeffe's photography and traces the artist's thirty-year exploration of the medium, including a complete catalogue of her photographic work. Essays by leading scholars address O'Keeffe's photographic approach and style and situate photography within the artist's overall practice. This richly illustrated volume significantly broadens our understanding of one of the most innovative artists of the twentieth century.
The legacy of Robert Mapplethorpe (1946 -1989) is rich and complicated, triggering controversy, polarizing critics, and providing inspiration for many artists who followed him. Mapplethorpe taught himself about the history of art, how to run a studio, how to network, and how to keep the public interested in him. At the same time, he honed a distinctive individual vision based on craftsmanship and an aesthetic of classical grace. One of the most influential figures of his time, today Mapplethorpe stands as an example to emerging photographers who continue to test boundaries and concepts of the beautiful.
Robert Mapplethorpe: The Photographs offers a timely and rewarding examination of his oeuvre and influence. Drawing from the extraordinary collection jointly acquired by the J. Paul Getty Museum and the Los Angeles County Museum of Art from The Robert Mapplethorpe Foundation, as well as the Mapplethorpe Archive housed at the Getty Research Institute, the authors were given the unique opportunity to explore new resources and present fresh perspectives. The result is a fascinating exploration of Mapplethorpe's career and legacy, with in-depth essays on sexuality and identity, all accompanied by more than 250 striking images covering the remarkable range of his photographic work - from florals to portraits from nudes to still lifes, as well as the controversial X Portfolio. All of these beautifully integrated elements contribute to what is an essential point of access to Mapplethorpe's work and practice.
