Quelle est la fonction de la peinture contemporaine ?Quels sont les rapports qu'elle entretient avec la musique, la poésie, les mathématiques, la biologie ?Quels sont les pouvoirs de la ligne, de l'espace, de la forme, de la couleur et comment expriment-ils notre conscience nouvelle de nous-mêmes et de l'univers ?Telles sont les questions fondamentales auxquelles Klee apporte une réponse dans Théorie de l'art moderne.Ce livre groupe pour la première fois l'ensemble des textes théoriques parus du vivant de l'artiste, dont les célèbres Esquisses pédagogiques ; il ouvre au lecteur le chemin de la création picturale. Il a, dans notre siècle, une importance égale à celle des Carnets de Vinci pour l'art et la pensée de la Renaissance.

De l'impressionnisme du xixe siècle au Land Art du XXI? siècle, ce nouvel opus de «L'Art en poche» nous présente l'une des périodes les plus dynamiques et les plus passionnantes de l'art. Amy Dempsey dénoue la langue trop souvent intimidante de l'art moderne et contemporain en cartographiant les styles, les écoles et les mouvements. Grâce à une structure pratique et facile, au style clair de l'auteur et aux oeuvres soigneusement sélectionnées, Art moderne et contemporain définit soixante-huit groupes principaux dans l'art moderne occidental.Ce guide essentiel présente en outre une liste pertinente d'artistes clés, d'attributs, de médias et de collections, et comprend un glossaire indispensable des termes de l'art moderne et un index des artistes.

Sous l'Occupation, le marché de l'art a été florissant. Une semaine après l'entrée des troupes allemandes dans Paris commence la saisie des oeuvres appartenant aux familles juives.
Sous la plume d'Emmanuelle Polack se déploie une galerie de protagonistes - marchands, commissaires-priseurs, antiquaires, experts, courtiers, acheteurs, conservateurs. On entre dans le lieu de leurs activités - appartements, galeries, salles de ventes aux enchères, palaces, banques.
Une faune d'intermédiaires peu scrupuleux profite de la confiscation des oeuvres. On découvre le destin tragique de galeristes juifs victimes de l'« aryanisation » du monde de l'art. Après la guerre, peu de sanctions seront prises. Aujourd'hui, de nombreuses oeuvres n'ont toujours pas été restituées. Elles sont les témoins silencieux de l'Histoire.

L'ouvrage prend la forme d'un ensemble d'histoires et d'anecdotes que l'on peut emporter partout, qui peuvent être racontées lors d'une visite au musée, devant les oeuvres, ou en préparant une visite. Ces petites histoires sont centrées autour d'un peintre, d'un sculpteur, d'un performeur ou d'une école, classées selon une chronologie et une géographie pertinentes. Une frise chronologique court tout au long de l'ouvrage pour se resituer dans l'Histoire et propose de faire le parallèle avec les grands tournants du cinéma. Racontez l'art ! aborde les arts moderne du fauvisme au Land Art. Cet ouvrage invite donc grands-parents, parents et enseignants à entrer dans la grande histoire de l'art par le petit bout de la lorgnette, grâce à des récits et aventures sur ses protagonistes. Lire la suite Fermer

MÉTHODOLOGIE - Commenter une peinture : question de méthode - Commenter une peinture : le sens - Commenter des sculptures - L'art du buste - Analyser une gravure - L'image et la lettre de l'estampe - Lire l'architecture - Lire une façade. À L'AUBE DES TEMPS MODERNES - La singularité florentine - Le nouveau cours de la peinture toscane - La diffusion de l'art nouveau - L'art des cours - Du nord au midi - Au temps de Laurent de Médicis - Renaissance en Italie du nord. LA RENAISSANCE ACCOMPLIE - L'Europe séduite - La question du classicisme à Venise et à Florence - «Roma Instaurata» - La Renaissance nordique - La «manière parfaite» et le maniérisme - D'une école de Fontainebleau à l'autre - Triomphe des ordres d'architecture - Maniérismes et Renaissance tardive - Luxe, faste et intimité - Une culture de l'image - L'Europe du nord et le maniérisme. RHÉTORIQUE CLASSIQUE^prg>- Autour de 1600 : réforme et rénovation de la peinture - Rome, capitale européenne des arts - Paris : aux sources du classicisme - Les écoles du nord - Foyers et artistes - Les genres - Rhétorique architecturale - Dévotions - Espaces publics, espaces privés - Paris, nouvelle Rome - L'architecture à la française. L'ÉPOQUE DES LUMIÈRES - Tradition et «goût moderne» - Crise et métamorphoses de la peinture - Scénographie urbaine et espaces paysagers - Rome, académie de l'Europe - L'Antiquité et le renouveau classique - Les arts et le citoyen : la théorie des Lumières - L'hégémonie de la nature - Le sentiment mis en scène - Les arts au service de l'Histoire - La révolution et l'ordre, la raison et l'ombre. Lire la suite Fermer

Découvrez un art qui a osé être différent, transgressif, choquant, parfois même vulgaire, un art qui a risqué des réputations et a mis des carrières en danger. C'est ce qui arrive quand les artistes prennent la tradition et la détruisent.
Cet ouvrage présente 50 oeuvres charnières qui ont secoué le monde, et raconte les histoires fascinantes derrière leur création, leur réception auprès du public et leur héritage. Des Baigneuses de Gustave Courbet (1853) à Love is in the Bin (2018) de Banksy, en passant par des oeuvres de Marcel Duchamp, Yves Klein ou encore Judy Chicago, rencontrez des artistes aux ego surdimensionnés, des féministes intransigeantes, des spiritualistes, des anticonsuméristes, des activistes, des satiristes, et plus encore.
Ce livre examine de près les oeuvres produites depuis 1850 qui ont eu un impact sur le monde artistique et révolutionné l'histoire de l'art. Il enquête sur des artistes marquants, en expliquant leur démarche, leurs procédés et leur singularité. Lire la suite Fermer

Nouvelle édition en 2007

« Contre l'aveuglement, pour la connaissance, si le XVIIIème siècle a eu les Encyclopédistes, le XXème a les surréalistes qui foncent droit sur ce que la vie leur oppose d'obscurité, d'obscurantisme. » « Grâce au surréalisme, il n'y a plus de cloisons étanches entre les choses et leurs reflets dans l'homme, les idées ; plus de cloisons étanches entre le monde extérieur et le monde intérieur. Un pont de mouvantes images fait la navette du sujet à l'objet, permet au premier de transformer le second et vice versa. »

Bien qu'il n'ait duré que trois années de turbulence, le mouvement Der Blaue Reiter ou «Cavalier bleu» (1911-1914), loin d'être réduit en cendres, a exercé une influence considérable sur le développement de l'art moderne européen. Baptisé ainsi d'après une peinture de Kandinsky, Le Cavalier bleu, ce collectif informel d'artistes regroupés autour de l'émigré russe Wassily Kandinsky et du peintre allemand Franz Marc cherchait à rejeter les normes établies et à pénétrer avec fracas dans un inconnu artistique renouvelé.
Associant leurs valeurs spirituelles et leurs craintes devant une époque d'industrialisation effrénée, les artistes du Blaue Reiter étaient réunis par un intérêt commun pour la peinture, la gravure sur bois et les estampes, ainsi que par la symbolique des couleurs et une approche spontanée de la création. Des oeuvres d'art maîtresses telles que Cheval bleu I de Franz Marc (1911), Tableau avec l'arc noir de Kandinsky (1912) et Dame en veste verte d'August Macke (1913) abordent des sujets variés, mais se caractérisent toutes par des perspectives distordues, des lignes grossières et une utilisation hyperbolique et expressionniste de la couleur.
Der Blaue Reiter fut brutalement disloqué, au début de la Première Guerre mondiale, à la suite de la mort de deux de ses membres éminents et des dissensions croissantes entre les protagonistes du groupe. Cet ouvrage révèle l'influence remarquable du mouvement, en dépit de sa brièveté, et en présente les oeuvres majeures, les artistes et leurs influence postérieures. Lire la suite Fermer

Publié à l'occasion des 100 ans de la découverte de la tombe de Toutankhamon et des 200 ans du déchiffrage de la pierre de Rosette, ce livre répond à un engouement et une curiosité toujours considérables pour l'Égyptomanie. Ce concept renvoie à un imaginaire collectif suscité par le songe, qui a été nourri tout au long des XIXe et XXe siècles par les fouilles archéologiques et les grands voyages. Ces découvertes majeures ont été un terreau fertile pour la création et particulièrement pour les artistes Art déco qui trouvèrent dans ses lignes et ses motifs, l'inspiration. Égyptomanie Art déco explore les origines et le fonctionnement de ce processus culturel et artistique, façonné par une multitude de champs. Publique, funéraire ou même ésotérique, l'architecture en est un témoin majeur. Le cinéma parisien le Louxor, du nom de la ville éponyme arbore dès 1921, des formes et des décors empruntés au monde des pharaons. Figures monumentales protégeant le canal de Suez ou bestiaire d'inspiration égyptienne, les sculpteurs prennent part au jeu. L'art populaire qui s'immisce dans la maison en est également imprégné : bougeoirs et pendulettes sont décorés d'oeil d'Horus et de fleurs de lotus. Affiches, décors et costumes pour les arts de la scène se mettent au goût du jour, quant au même moment, Claudette Colbert incarne Cléopâtre. Enfin, les créations des grandes maisons telles que Lanvin ou Cartier associent dans leurs modèles, l'antique et l'esprit des années 20. Égyptomanie Art déco est agrémenté d'une iconographie explicite et inédite et s'inscrit dans la collection Art déco, déjà composé de deux livres : 1925, quand l'Art déco séduit le monde et Art déco France-Amérique du Nord. Lire la suite Fermer

Selon la majorité des historiens d'art, l'aventure de l'art moderne a débuté à Paris il y a environ 150 ans. Un cercle de peintres, aujourd'hui connus sous le nom d'impressionnistes, se mit à travailler par touches rapides et libres. Ils privilégièrent les sujets de la vie quotidienne et urbaine, au lieu des pompeuses scènes héroïques, et échappèrent à la puissance des Salons en organisant leurs propres expositions indépendantes.
Après cette première attaque contre une pratique académique dépassée, il n'était plus question de faire marche arrière. Constamment nourris par une aspiration à défier, innover et inspirer, les styles modernistes se succédèrent : symbolisme, expressionnisme, futurisme, dadaïsme, art abstrait, Nouveau Réalisme, surréalisme, expressionnisme abstrait, Pop Art, art minimal et art conceptuel.
Cette incontournable synthèse retrace l'inépuisable énergie de l'art moderne en présentant, année après année, les oeuvres révolutionnaires qui ont déjoué les conventions et brisé les barrières. En introduction, des essais mettent en lumière les mouvements modernistes les plus significatifs et les plus influents. Ils sont complétés par des textes expliquant chaque oeuvre majeure et présentant son créateur. Lire la suite Fermer

Tandis que l'Art déco, admiré de tous à l'Exposition internationale des arts décoratifs de 1925, continue à se diffuser, jusqu'à la fin des années 30, conjointement aux mouvements modernistes et cubistes dans les arts décoratifs, les Beaux-Arts et l'architecture, de nombreux peintres de l'entre-deux guerres tels que Boutet de Montvel, Courmès, La Patelière, Souverbie ou Despiau s'attachent à redonner au réalisme un nouveau visage, en phase avec son temps. La ville de Boulogne-Billancourt est au coeur de cette créativité bouillonnante. Attirés par des terrains aux prix abordables, de grands industriels comme Renault et Dassault, les Studios de Boulogne pour le cinéma et des artistes tels que Paul Landowski, Marc Chagall ou Juan Gris s'installent dans cette ville naissante. Les « Dimanches de Boulogne » de Daniel-Henry Kahnweiler, en réunissant de nombreux artistes cubistes, participe à faire de la ville un centre culturel de premier plan. Témoin privilégié de cette époque foisonnante, le musée des années 30 conserve dans ses collections plusieurs centaines de chefs-d'oeuvre, dans des domaines aussi variés que la peinture, la sculpture, avec les frères Martel, Jouve, Janniot ou Bernard, les arts décoratifs, avec des ensembles exceptionnels de Ruhlmann, Leleu, Follot, Sue et Mare, Printz, Herbst, Sognot, Mallet-Stevens, les arts graphiques ou l'architecture. À rebours d'une modernité trop longtemps cantonnée au cubisme, à l'abstraction et à l'art conceptuel, il offre un regard singulier sur cette période encore méconnue. Lire la suite Fermer

Plusieurs volumes de correspondances de Matisse ont déjà été publiés en France et continuent à enrichir la réflexion des historiens de l'art bien que sa correspondance avec l'artiste roumain Théodor Pallady au sujet de La Blouse roumaine n'ait jamais été encore publiée dans son intégralité. Entre 1939-1940, Matisse travaille sur son chef d'oeuvre La Blouse roumaine et tient informé Pallady qui lui a fourni des blouses roumaines de l'avancée de ce travail. Cette correspondance se déroule pendant la Seconde Guerre mondiale, lorsque les deux amis se séparent (Pallady faisait de longs séjours en France jusqu'en 1940) : Matisse, malade, se retire dans le Midi où il continue à peindre et Pallady rentre en Roumanie pour préparer son exposition rétrospective qui s'est tenue en avril-mai 1940 à l'Athénée de Bucarest. Ce retour sera définitif pour Pallady parce qu'il ne pourra plus obtenir le visa de sortie du pays à cause de la guerre.
Sont ici transcrites vingt-huit lettres et cartes postales adressées par Pallady à Matisse et quelques brouillons de lettres ainsi que trois lettres de Matisse à Pallady conservées à La Bibliothèque nationale de Roumanie. Ces lettres sont illustrées de dessins de Matisse et de Pallady : des portraits, des autoportraits, des natures mortes.
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Entre 1916 et 1921, Picasso collabore à quatre spectacles de Sergei Diaghilev pour lesquels il réalise décors et costumes : les ballets «Parade »(1917), «Tricorne »(1919), «Pulcinella» (1920), et «Cuadro Flamenco» (1921). Cette expérience expose le peintre au langage du corps et de la danse, lui inspirant de nouvelles possibilités formelles, qu'il mêle à des éléments empruntés au théâtre de marionnettes, à la commedia dell'arte, à l'art sacré ou encore au folklore espagnol. Confrontant oeuvres de l'artiste (toiles, dessins, esquisses, maquettes, costumes) et objets issus des collections du Mucem, ce catalogue d'exposition (Mucem, 16 février au 24 juin 2018) montre comment Picasso a su assimiler et réinterpréter les traditions figuratives de son temps, pour les placer au centre d'une nouvelle modernité.

Qu'a-t-on vu et montré de la Première Guerre mondiale ? Quel rôle ont joué les graveurs (amateurs et confirmés) dans la mise en images de ce conflit aux proportions impressionnantes et qui fut si marquant pour les sociétés impliquées ? Que reste-t-il aujourd'hui de la guerre dans ces images et peut-on encore les comprendre ?
Ce livre propose une plongée inédite dans la guerre grâce à l'étude d'un important corpus d'estampes dont certaines sont méconnues. Au plus près des parcours d'artistes et des discours sur l'art, dans trois États belligérants alliés pendant la guerre, il s'agit de remonter le fil du temps et des expériences, et de parcourir les territoires de la guerre sur le front ouest. Car derrière les nombreuses images anecdotiques, patriotiques, convenues, innovantes, avant-gardistes, etc., il y a des hommes et des femmes qui ont vécu la guerre et ont tenté d'en exprimer quelque chose qui soit conforme à leur vision et utile à leurs besoins. Informées par la situation personnelle des artistes et par leurs opinions, les estampes dont il est question engagent le lecteur dans l'histoire, et dans l'histoire de l'art de la guerre de manière sensible.
L'art de la gravure est au coeur de cette enquête artistique, historique et anthropologique. Son analyse permet de dépasser certains effets de polarisation : arts plastiques/photographie, synthèse plastique/peinture militaire, patriotisme/rejet de la guerre.

Avec le soutien du ministère des Armées, du Centre international de recherche de l'Historial de la Grande Guerre de Péronne et de l'université de Picardie Jules Verne ainsi que du laboratoire HAR de l'université Paris Nanterre Lire la suite Fermer

Ce livre rassemble pour la première fois l'ensemble des textes écrits par Rob Mallet-Stevens (1886-1945) entre 1917 et 1940, dont beaucoup sont aujourd'hui quasi introuvables. Dans 109 articles, souvent illustrés, l'architecte parle des décors de cinéma, de l'art et de l'architecture moderne, du cubisme, des jardins, des vitraux, du décor de la rue, des arts plastiques, etc...

Ces textes sont replacés dans le contexte de l'époque par l'historien Alexandre Mare, spécialiste de Mallet-Stevens, co-auteur de la récente monographie sur les Noailles.

C'est la décennie de l'audace, des toiles expressionnistes, des livres au graphisme créatif, des oeuvres d'art totales du Bauhaus, des débuts de la psychologie, des bals de travestis, des cabarets et du cinéma. Entre les tensions de deux guerres mondiales, Berlin dans les années 1920 était une capitale à l'apogée de sa nonchalance, débordant d'art, d'innovations et d'idéaux.

Cet ouvrage plonge ses lecteurs dans l'esprit libre de la période de Weimar. À travers des oeuvres emblématiques, puisées dans la peinture, la sculpture, l'architecture, le design graphique, la photographie et le cinéma, nous sont dévoilées les innovations, les idées et les folles utopies qui caractérisent cette vitrine culturelle unique. On entre dans les bars jazz et les salles de danse, on adopte la mode à la garçonne et on découvre les « kinos » remplis de spectateurs, on suit les avancées technologiques et les progrès des modes de transport, depuis les tours de radio aux roulements des trains et tramways, en passant par les gratte-ciel vertigineux, sans oublier les chefs-d'oeuvre cinématographiques et la nouvelle indépendance conquise par les femmes qui les autorise à fumer des cigarettes, à porter les cheveux courts et à gagner leur vie par leurs propres moyens.

Parmi les oeuvres de cette évocation culturelle vivante figurent Les Journalistes de Hannah Hoch, les Mains sur la machine à écrire de Lotte Jacobi, le Portrait de la journaliste Sylvia von Harden d'Otto Dix, le projet pour l'Alexanderplatz de Peter Behrens et L'Ange bleu de Josef von Sternberg, avec Marlene Dietrich dans le rôle de Lola Lola, la chanteuse de cabaret.

Au fil des pages et des années, on découvre à la fois la soif d'utopie et les réalités économique et politique, plus ambiguës, qui ont nourri des chefs-d'oeuvre de divertissement, idéalistes ou réactionnaires produits durant cette période. Derrière les lumières vives et les robes pailletées se cachent l'inflation, le travail à la chaîne et un consensus politique fragile que dissimulent ces années bénies et qui annoncent finalement une issue brutale amorcée par la montée du national-socialisme. Lire la suite Fermer

Entre les deux guerres, Montparnasse devient un pôle artistique majeur vers lequel converge le monde entier. Les bars, cafés et dancings accueillent les artistes en tout genre et un public international séduit par l'incroyable esprit de liberté qui souffle sur le quartier. De ce côtoiement quotidien va naître un style «Monparno », neuf et inventif. Dans les ateliers, les studios d'artistes et les intérieurs modernes, on assiste à l'émergence d'un mode de vie décontracté et cosmopolite qui rejette les conventions et les goûts bourgeois.

L'esprit de Montparnasse va se répandre rapidement et imprégner l'architecture, la décoration, les intérieurs, le graphisme, le mobilier, la mode vestimentaire, les arts de la table, les tissus, les matériaux et les couleurs du temps.

Ce livre retrace, avec de nombreux documents rares et variés, ce moment bref et intense qui fit de Paris un aimant et un phare du monde artistique. Lire la suite Fermer

Peintre, sculpteur, dessinateur, graveur, créateur d'objets d'art décoratif, écrivain, Alberto Giacometti n'a cessé d'explorer de nouvelles voies. Depuis ses débuts dans l'atelier de son père jusqu'à sa consécration internationale dans les années 1960, son parcours démontre une détermination farouche à inventer de nouveaux modes de représentation avec les moyens les plus réduits et à partir des motifs les plus traditionnels : le portrait, la nature morte, la figure humaine, le paysage. Sa brève incursion dans le surréalisme conforte sa croyance en une réalité au-delà des apparences, et c'est cette réalité en perpétuelle mutation qu'il cherche sans relâche à restituer. Ses oeuvres en s'accumulant avec le temps façonnent un monde inquiétant et merveilleux, mettant en évidence la cohérence de sa démarche. Dépassant l'imagerie réductrice de l'artiste solitaire et angoissé de l'époque existentialiste, Véronique Wiesinger montre la complexité contradictoire et la qualité expérimentale de l'oeuvre de Giacometti, à jamais contemporaine.
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La première moitié du XXe siècle est marquée par de profonds bouleversements - développement des techniques, guerres mondiales, révolutions scientifiques, énergie atomique, psychanalyse - qui ébranlent les certitudes et les valeurs des siècles précédents.
Les artistes ne se contentent plus de refléter les ruptures et les révolutions de leur époque, mais les devancent et les assument à travers la mise en question des normes de la figuration - aussi bien la forme que la couleur. Cette restructuration donne naissance à de multiples mouvements esthétiques.
L'Art moderne analyse les mouvements les plus connus en peinture, en sculpture et en architecture - le fauvisme, le cubisme, l'expressionnisme, l'abstraction, le futurisme, le surréalisme, le constructivisme - mais aussi des tendances plus discrètes à l'époque telles que le réalisme magique ou la Nouvelle Objectivité.
Des encadrés biographiques et des légendes d'oeuvres mettent en valeur la singularité des grandes personnalités - Picasso, Kandinsky, Matisse - dont les recherches auront une influence fondamentale sur l'art de la seconde moitié du XXe siècle. Lire la suite Fermer

The first publication of its kind, connecting a constellation of artists working at the forefront of abstraction in the early 20th century.

Orphism emerged among a cosmopolitan group of artists active in Paris in the early 1910s, as the innovations of modern life radically altered conceptions of time and space. Engaged with ideas of simultaneity in kaleidoscopic compositions, these artists investigated the transformative possibilities of color, form and motion. Often featuring disks of brilliant color, their work evoked multisensory experiences. When pushed to its limits, Orphism signaled total abstraction. The poet Guillaume Apollinaire, a contemporary, coined the term "Orphism" to describe this move away from Cubism, toward a physically and spiritually transcendent art. His concept referred back to the Greek mythological poet and lyre player Orpheus, whose music thwarted death.

The first in-depth examination of the Orphist avant-garde, this revelatory exhibition catalog contextualizes Orphism, tracing its roots, exploring its cross-disciplinary reach and considering its transnational reverberations across 16 illustrated texts by a multigenerational group of authors from different fields. Incisive essays offer new perspectives, delineating Orphism's connection to music, dance and poetry, and investigating the historical and cultural circumstances that shaped its ethos. More than 90 artworks in multiple mediums are punctuated by micro-narratives that view select artists through the Orphist lens, presenting original scholarship on well-known figures such as Robert Delaunay, Sonia Delaunay, František Kupka and Francis Picabia while also illuminating lesser-known ones such as Mainie Jellett, Morgan Russell and Amadeo de Souza-Cardoso. Lire la suite Fermer

Serge Fauchereau, qu'une presse unanime a salué comme l'un de nos plus brillants historiens de l'art moderne, nous offre ici un panorama complet de la naissance des courants du XXe siècle. D'une manière passionnante, il évoque les nombreuses influences et affinités plurielles qui ont alimenté ces courants à travers différents genres : littérature, musique et arts plastiques. Cet ouvrage constitue ainsi une étude exhaustive des avant-gardes qui va au-delà des champs habituellement traités, élargie au monde entier - Russie, Amérique latine... Tous les courants sont évoqués, parmi lesquels l'expressionnisme (avec Döblin, Kirchner, Bartok, Kokoschka, Schoenberg, Fritz Lang...), le cubisme (avec Picasso, Braque, Gris, Stein, Cummings, Stravinski...), le futurisme (avec Marinetti, Boccioni, Apollinaire, Cendrars...), Dada et le surréalisme, ou encore le constructivisme. Serge Fauchereau revient également sur des mouvements rarement abordés en histoire de l'art tels que le vorticisme, l'imagisme anglo-américain, ou l'ultraïsme. Le poète américain John Ashbery voyait cette étude comme « un compendium incroyablement riche et instructif qui se lit comme un voyage de découverte dans des pays mal explorés ». Le grand éditeur Maurice Nadeau lui, louait cet « ouvrage monumental », véritable bible érigée en référence culte et sublimée par une iconographique généreuse et inédite. Dans cet outil indispensable, Serge Fauchereau développe une critique érudite des avant-gardes du XXe siècle et rend compte brillamment de ce qui pourrait apparaître comme l'âge d'or de l'art moderne.
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L'historien d'art Renaud Faroux et le photographe Michel Lunardelli ont sillonné l'Europe de Paris à Milan, de Londres à Madrid sur les traces des derniers grands artistes du Pop Art des années 1960.
La formule de « Pop Art européen » peut surprendre : c'est comme quand les Anglais parlent du rock français et disent que c'est aussi bon que du vin britannique ! Si pour le grand public le Pop Art est un phénomène Nord Américain incarné par Andy Warhol et Roy Lichtenstein, ce travail remet en question ce chauvinisme étasunien et souligne l'extraordinaire gémellité de la création qui se développe en Europe et outre-Atlantique. Comme le résume Peter Blake : « Si le Pop Art américain est un reflet de la vraie vie, en Angleterre c'est surtout une affaire de rêve et en France, un combat politique ! » Lire la suite Fermer