Cet ouvrage retrace cinq siècles de sculpture à travers le travail de 300 artistes femmes venues de 64 pays. Les sculptrices rassemblées ici sont représentatives de multiples mouvements, genres et techniques, mais ont pour point commun leur imagination et leur créativité sans faille. Troisième volet d'une collection en réponse à l'essai fondateur de Linda Nochlin paru en 1971 « Pourquoi n'y a-t-il pas eu de grandes artistes femmes ? », le présent ouvrage célèbre la vie et l'oeuvre de celles qui ont mis la sculpture au centre de leur art. La sculpture défie toute catégorisation. Qu'elles soit temporaires ou permanentes, installées en intérieur ou à l'extérieur, de petite ou de grande dimension, qu'il s'agisse de sculptures ou de moulages, d'assemblages ou d'installations in situ, qu'elles soient faites de marbre, de bois, de textile ou de céramique, les oeuvres de cet ouvrage révèlent l'immense talent artistique des femmes qui ont adopté ce médium marqué par sa plasticité. Parmi les artistes présentées ici, certaines ont créé des oeuvres sculpturales alors même qu'on leur refusait de se former ou qu'elles n'avaient pas les moyens de rendre visible leur travail, d'autres ont été négligées par l'histoire, d'autres encore ont été reconnues de leur vivant. Ensemble, elles racontent une version plus diverse de l'histoire de la sculpture. Présentant les sculptrices par ordre alphabétique, Sculpture au féminin invite à établir entre les artistes et les oeuvres de nouveaux liens et des juxtapositions surprenantes qui dépassent les classifications chronologiques ou géographiques. Chaque artiste est présentée par un texte explicatif illustré d'une oeuvre clé. Cet ouvrage met à l'honneur de grandes figures de la sculpture, historiques et contemporaines, ainsi que des étoiles montantes, afin de témoigner de la créativité des femmes artistes du passé tout en proposant des perspectives aux générations futures. Lire la suite Fermer

Camille Claudel est une « icône » qui fascine toujours. Voici enfin la grande biographie non romancée de l'artiste à l'existence singulière, pleine de paradoxes et de contradictions, dont on croyait tout connaître.
Mais si la relation avec son frère adoré Paul a été abondamment commentée, que sait-on de Louise, la jeune soeur détestée ? De sa mère, Louise Athanaïse, avec laquelle elle a une relation compliquée ? De son père, Louis Prosper, trop peu présent ?
Loin des poncifs, Claude Pérez s'en tient au plus près de ce qu'a été sa vie. Mobilisant, avec la rigueur de l'historien, la totalité des archives existantes, il cerne au plus près les singularités de Camille Claudel : ses amours avec Rodin, bien sûr, mais aussi ses liens avec d'autres artistes, son antisémitisme, les circonstances polémiques de son internement. Il interroge enfin l'ensemble de son héritage artistique. Car si elle a été sculptrice, elle a aussi été
peintre et dessinatrice de grand talent. Et nous livre les réflexions inédites et pertinentes de Camille Claudel elle-même sur son oeuvre.
Un portrait fascinant, lucide et sans concession. Lire la suite Fermer

Née en 1972 à Osaka et vivant en Allemagne depuis 1997,
l'artiste plasticienne Chiharu Shiota commence par étudier
la peinture au Japon. Sa première installation « Becoming
Painting », qu'elle réalise en Australie. Elle marque le début
d'une oeuvre protéiforme qui combine performance, body
art et installations pour questionner, à partir d'une émotion
individuelle forte, des notions universelles telles que le
temps, le rêve, la mort et les relations humaines.
Ses installations à travers le monde sont presque
toujours temporaires, destinées à être expérimentées
puis remémorées : l'émotion du spectateur constitue une
partie intrinsèque de son travail. La présence du corps,
prépondérante dans ses premières performances, est
peu à peu remplacée par des objets qui sont comme
l'extension, annonçant ce qui constitue le thème central
de toutes les oeuvres de Chiharu Shiota : l'existence dans
l'absence, la trace qui provoque la mémoire. Ainsi, ses
toiles immenses, noires, blanches ou rouge sang, révèlent
les connexions invisibles entre les individus, qu'elles soient
nouées, emmêlées, coupées, attachées ou étirées.
Ce livre constitue non seulement une rétrospective
des installations de Chiharu Shiota, mais il se propose
également d'interroger son identité personnelle pour
comprendre sa trajectoire artistique. Cela est d'autant plus
primordial que Chiharu Shiota s'inspire de ses propres
émotions et d'événements marquants de sa vie pour
penser ses oeuvres. La perspective biographique de cet
ensemble de « milestones » permet donc d'appréhender
et de comprendre bien plus profondément la démarche
créatrice de l'artiste. Lire la suite Fermer

Se détachant de l'académisme, Auguste Rodin (1840-1917) a su faire vibrer le marbre et le bronze pour donner à ses figures une expressivité nouvelle. L'ensemble des passions humaines sont traduites avec force dans des sculptures intenses, parfois sensuelles. Novateur également dans sa manière de travailler, Rodin " construit " ses oeuvres en assemblant différents éléments de plâtre les uns avec les autres, essayant sans cesse d'inventer de nouvelles formes. Véritable génie, expérimentateur insatiable, Auguste Rodin a ouvert la voie à la sculpture moderne.

Languages : Fr. En.

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Breaking away from academicism, Auguste Rodin (1840-1917) knew how to make marble and bronze vibrate to give his figures a new expressiveness. All the human passions are forcefully translated into intense, sometimes sensual sculptures. Innovative also in his way of working, Rodin "builds" his works by assembling different plaster elements with each other, constantly trying to invent new forms. A true genius and insatiable experimenter, Auguste Rodin opened the way to modern sculpture. Lire la suite Fermer

« Il ne faut pas parler de sculptures peintes seulement de sculptures, la couleur fait partie de la sculpture. » Lettre d'Alberto Giacometti à Pierre Matisse (15 octobre 1950)
Le désir, ou le besoin, d'associer la peinture à la sculpture apparaît de manière récurrente chez Alberto Giacometti et sous différentes formes au cours de sa carrière. Très tôt, il utilise son pinceau pour « animer » certaines de ses sculptures, il peint les traits du visage, les cheveux, accentue les formes du corps, rehausse les volumes. Ses outils et ses gestes de peintre sont appliqués à la sculpture, et vice-versa. Très peu connues du public, ces sculptures peintes de Giacometti font pour la première fois l'objet d'une étude dévoilant cette part secrète et émouvante de la production de l'artiste.
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Jean-François Jaussaud a rencontré Louise Bourgeois en 1994 dans son atelier de Brooklyn. Passé au crible de ses questions, le photographe est finalement adoubé par l'artiste. Un premier rendez-vous a lieu au printemps 1995, mais à une seule condition : détruire les images si celles-ci ne lui plaisent pas...
Jaussaud accepte et passe le « test ». Il obtient alors carte blanche pour photographier librement l'atelier et la maison de Chelsea. Il reviendra pendant onze ans.
Ces images rares montrent l'une des plus grandes artistes contemporaines dans son intimité, au coeur de son oeuvre.

Artiste contemporain né à Barcelone en 1955, Jaume Plensa commence à exposer, au début des années 1980, des volumes en tôle découpée et soudée, en fonte d'acier, puis des installations procédant de techniques de plus en plus variées. Des emprunts à la littérature et à la poésie, parfois la sienne, viennent mêler le verbe et la citation à la matière sculptée ou dessinée. Dans les années 1990, la lumière et la transparence du verre ou de la résine accompagnent la prise en compte nouvelle du corps humain et de son échelle. Une famille de silhouettes anonymes et méditatives peuple aujourd'hui l'univers de Jaume Plensa.
En 1994, il est invité par la ville de Valence pour exposer dans l'espace urbain et dans les salles du musée municipal. Plutôt que d'exposer au musée, l'artiste choisit de créer 21 portes en fonte d'acier, qu'il fit installer dans 21 lieux emblématiques de la cité. Répondant à l'invitation renouvelée de la ville, le sculpteur et dessinateur de renommée internationale livrera prochainement une sculpture de 4 mètres de hauteur réalisée en acier inoxydable. Composée à partir des différents alphabets du monde, lettres et symboles s'entrelacent de manière aléatoire telle une dentelle de métal déployant le dessin d'une silhouette qui, en position assise, évoque un corps humain autant qu'une communauté universelle.
L'ouvrage propose une déambulation libre entre la proposition imaginée en 1994 et celle pensée pour la place des Ormeaux en 2024, au coeur du centre historique. Il offre aussi une large part à la production graphique de l'artiste. Dessins et estampes entretiennent des relations étroites avec le corps humain et s'associent aux mots des plus grands poètes et dramaturges - Dante, Baudelaire et Shakespeare... - comme à ceux de la Déclaration universelle des droits de l'Homme. Lire la suite Fermer

« Il a été, tour à tour, le supplice et l'exaltation de la Volupté, la douleur de la Vie, la terreur de la Mort avec l'Enfer ; la voix de l'Histoire, avec les Bourgeois de Calais ; le fracas de l'Élément avec Victor Hugo ; l'Humanité multiple avec Balzac », s'enthousiasme l'écrivain Octave Mirbeau. En effet, Auguste Rodin ose tout. Sa créativité, ses capacités de travail sont sans limites. Après 1900, la gloire enfin venue, l'artiste voit défiler dans son atelier du Dépôt des marbres, admirateurs et belles admiratrices, disciples et assistants. Souvent considéré comme le dernier sculpteur inscrit dans la tradition occidentale de la représentation du corps, Rodin annonce sans conteste l'art du XXe siècle par son usage de l'accidentel, du fragment et de l'assemblage.
Spécialiste des archives de l'artiste, Hélène Pinet restitue le parcours d'un génie qui sut magnifier l'humain.
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L'exposition présentera une soixantaine de sculptures et autant de dessins, de peintures et de gravures. Les oeuvres seront mises en regard, dans un dialogue inédit, avec celles des artistes qui l'ont marqué pendant son séjour en Belgique. La Belgique est le berceau rodinien, c'est là que l'artiste naît à lui-même. Les six années d'expatriation en Belgique entre 1871 et 1877 doivent être considérées comme séminales pour l'artiste. Il change alors de statut : d'ouvrier- artisan au service de Carrier-Belleuse, il devient un artiste pleinement indépendant. Mais la Belgique c'est aussi le pays où se tient sa première exposition personnelle, en 1899, une exposition itinérante qui débute à Bruxelles. Rodin est alors en pleine possession de ses moyens : l'année suivante d'ailleurs il n'hésitera pas à faire construire un pavillon place de l'Alma à Paris pour y présenter l'ensemble de son oeuvre au public attiré par l'Exposition universelle. L'exposition de Mons se propose de mettre en lumière son cheminement artistique pendant cette période d'environ 25 ans au terme de laquelle il apparaît à la fois comme l'une des figures majeures du panorama artistique parisien et le précurseur du XXe siècle. Lire la suite Fermer

Sakountala l'un des chefs-d'oeuvre de Camille Claudel, est un fil permettant de retracer la carrière de l'artiste. Cet ouvrage, publié à l'occasion de l'exposition « Camille Claudel à l'oeuvre : Sakountala », présentée au musée Camille Claudel de Nogent-sur-Seine, revient sur le contexte de création de cette sculpture, l'histoire très mouvementée de sa réception ainsi que ses multiples avatars, de L'Abandon à Niobide blessée en passant par Vertumne et Pomone.

Ce catalogue offre aussi des éclairages sur la source littéraire très originale qui a inspiré Camille Claudel : La Reconnaissance de Sakountala, un mythe issu de la littérature indienne ancienne. En vogue en Europe à l'époque de la sculptrice, celui-ci a donné lieu à différentes traductions mais aussi à des adaptations scéniques, en ballet ou au théâtre, tout au long du XIXe siècle et encore au XXe siècle.

Textes inédits et notices d'oeuvres proposent ainsi un regard renouvelé autour de cette oeuvre majeure, la seule qui ait valu à Camille Claudel une récompense au Salon et qu'elle n'aura eu cesse de reprendre jusqu'à la fin de sa carrière. Lire la suite Fermer

Catalogue d'une exposition mettant en évidence la proximité des recherches du sculpteur suisse et du photographe japonais à travers une reconstitution d'une scène de théâtre nô, entre apparitions et réalité.

Catalogue « bio-monographique » éclairant la démarche de l'artiste, sculptrice et céramiste Valentine Schlegel, dont la pratique, intimement liée à son quotidien, répond à une logique certaine : celle de créer ses propres conditions de vie. Réalisé par l'artiste Hélène Bertin suite à une recherche sur Valentine Schlegel, édité par Hélène Bertin et Charles Mazé & Coline Sunier.
Née en 1925, Valentine Schlegel a développé une pratique plastique quotidienne entre Paris et Sète. À l'image d'un couteau suisse, elle maîtrise plusieurs techniques pour réaliser des objets usuels aux corps sculpturaux: couverts en bois, vases en céramique, sacs en cuir, cheminées en plâtre. Conçu sans hiérarchie, souvent en collaboration avec ses amis, ce corpus est fait d'objets de différentes dimensions et aux usages tantôt fantaisistes, tantôt quotidiens. Valentine Schlegel a également réalisé nombre d'éléments architecturaux en plâtre destinés aux intérieurs. Ces sculptures à vivre sont aussi, par leur caractère indéplaçable, la raison pour laquelle son travail est resté méconnu.
Valentine Schlegel: je dors, je travaille par Hélène Bertin est un catalogue « bio-monographique » réunissant une nouvelle iconographie et des documents d'archives. Des notices biographiques séquencent le livre et éclairent la démarche et la vie de Valentine Schlegel.
Grâce à une iconographie riche et précisément sélectionnée, cette monographie de référence permet notamment de documenter l'ensemble des cheminées que Valentine Schlegel a réalisées chez des particuliers - une centaine de 1959 à 2002. Les autres pans de son travail sont également abordés afin de saisir l'ensemble de sa pratique, intimement liée à son mode de vie, où les questions d'autonomie de production et d'amitié sont centrales.
«je dors» et «je travaille» sont deux énoncés peints sur une pancarte réversible accrochée à la porte de l'atelier sétois de Valentine Schlegel. Ils correspondent à deux temps différents de ses journées, invitant à l'isolement ou à la compagnie. Ces deux «activités» ne sont pas à prendre comme des opposés mais comme indissociables l'une de l'autre: elles servent de structure à l'édition en rendant perceptible les choix de modes de vie personnels et professionnels de Valentine Schlegel.
De par le déroulé chronologique, chaque page du livre peut être perçue comme un moment d'une journée, où la fabrication d'un ustensile de cuisine, la pratique de la sieste dans une couchette spécialement conçue à cet effet, la création d'une cheminée en plâtre pour la maison d'un collectionneur ou d'un sifflet en forme de sirène pour un cadeau à une amie sont les témoins d'une pratique totale et quotidienne, sans ordre hiérarchique mais répondant à une logique certaine: celle de créer ses propres conditions de vie.
Publié à l'occasion de l'exposition « Cette femme pourrait dormir dans l'eau - Valentine Schlegel par Hélène Bertin » au CAC Brétigny, du 30 septembre au 09 décembre 2017.

Hélène Bertin (née en 1989 à Pertuis, vit et travaille à Paris) traverse doucement la France en suivant les cours d'art appliqués au lycée en Avignon, de l'École des beaux-arts de Lyon puis de l'École des beaux-arts de Paris-Cergy. À la fin de ses études, elle s'installe à Paris et à Cucuron, son village natal. Elle développe une pratique qui met en mouvement le travail d'artiste, de curateur et d'historienne. Ses objets de sculptrice ont des qualités usuelles qui se dérobent à l'espace du white cube. Ils se vivent dans l'intimité de la sphère privée, comme l'espace de l'atelier, de la maison, et en extérieur. Hélène Bertin travaille aussi en collectif avec Plafond, avec qui elle partage des moments de réflexion et des expositions. Avec l'aménagement de son atelier à Cucuron, le « workshop culinaire » est l'un de ses terrains d'expérimentation collective où des artistes se regroupent autour de mets qu'ils confectionnent, mangent et digèrent ensemble. Investie dans son village, c'est dans un vignoble de vin naturel qu'elle a récemment organisé sa première exposition collective. Depuis plusieurs années, elle réalise des recherches autour de Valentine Schlegel qui, comme une guide, lui a ouvert sa pratique originale et libre de l'art.
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« Toutes mes sculptures, même les plus imaginées, partent toujours de quelque chose de vrai, d'une vérité organique.
L'imagination a besoin de départ. On peut ainsi déboucher de plain-pied dans la poésie. J'invente plus facilement en regardant la nature, sa présence me rend indépendante. » Germaine Richier, née le 16 septembre 1902 à Grans (Bouches-du-Rhône), et morte le 31 juillet 1959 à Montpellier (Hérault), est une sculptrice française.

L'oeuvre de Germaine Richier est représenté dans de nombreux musées français et étrangers et particulièrement :
- Antibes, musée Picasso.
- Montpellier, musée Fabre.
- Paris, musée national d'Art moderne, Centre Pompidou.

Tout en ancrant sa pratique dans la continuité de l'art antique et de la Renaissance, Auguste Rodin (1840-1917) a ouvert la voie à la sculpture moderne. Loin de respecter les codes iconographiques classiques, il s'intéressa, très tôt, au mouvement, à l'expression du corps, à l'accident et au fragment ; donnant vie et forme à des chefs-d'oeuvre pour lesquels il est universellement reconnu, comme en témoignent des icônes telles que Le Baiser ou Le Penseur.
Réalisé en collaboration avec le musée Rodin, cet ouvrage revient sur les années de formation du maître comme sur les étapes les plus essentielles de sa carrière. La genèse des oeuvres et des monuments est retracée d'un point de vue historique mais aussi esthétique afin de mieux comprendre les liens qui existent entre toutes ses créations. Passage du plâtre au marbre, travail sur la terre cuite, agrandissements et assemblages : le lecteur est invité à découvrir, de l'intérieur, l'atelier de Rodin et à ressentir toute la puissance et la poésie de son geste créateur ; geste riche en innovations et en transgressions dont les dessins érotiques de Rodin portent également la marque.
Source d'inspiration intarissable pour plusieurs générations d'artistes, Rodin a su transmettre sa passion pour l'observation de la nature, la saisie du vivant et la vérité des formes avec une force inégalée. C'est à la découverte ou la redécouverte de cet inestimable héritage que le livre de François Blanchetière s'attache avec succès. Lire la suite Fermer

« Rien ne pousse à l'ombre des grands arbres ! » C'est ainsi que Constantin Brancusi (1876-1957), venu des Roumanie parfaire sa formation de sculpteur auprès du célèbre Rodin, se détache du maître pour tracer sa voie. Après des siècles de sculpture basée sur le modelage, il initie une petite révolution : pour lui, rien ne vaut la taille directe ! Il se confronte aux matériaux - le bois, la pierre, le marbre - dont il extrait des formes épurées, mais jamais abstraites. Il travaille bien souvent en série, déclinant un même sujet jusqu'à trouver la forme idéale. Son atelier lui-même est un véritable chef-d'oeuvre, aujourd'hui reconstitué au Centre Pompidou, où ses oeuvres dialoguent entre elles. Découvrez avec Brancusi comment la sculpture est définitivement entrée dans l'art moderne... Lire la suite Fermer

Marcel Duchamp est né à Blainville-Crevon le 28 juillet 1887, et mort à Neuilly-sur-Seine le 2 octobre 1968.

« Je crois que l'art est la seule forme d'activité par laquelle l'homme en tant que tel se manifeste comme véritable in- dividu. Par elle seule il peut dépasser le stade animal parce que l'art est un débouché sur des régions où ne dominent ni le temps ni l'espace. »

À l'occasion de l'exposition du sculpteur Ron Mueck en juin 2023, la Fondation Cartier publie une version augmentée du catalogue raisonné de l'oeuvre de l'artiste publié pour la première fois en 2013. Cet ouvrage de référence présente l'ensemble des sculptures créées par Ron Mueck depuis ses débuts en 1996 à travers de nombreuses photographies et des documents inédits. Des notes de l'artiste, des vues de studio, des dessins préparatoires et des photographies de maquettes permettent au lecteur de découvrir le processus de création de Ron Mueck et d'entrer dans l'intimité de son travail. Des contributions du critique d'art Justin Paton et des historiens de l'art Robert Rosenblum et Robert Storr, ainsi que du philosophe Peter Sloterdijk explorent les thèmes majeurs qui sous-tendent son art. Lire la suite Fermer

Nous entraînant dans sa quête de « l'essence des choses », Brancusi nous propose de franchir toutes sortes de frontières, géographiques, historiques ou formelles. De sa Roumanie natale à Paris, à travers l'Europe, ainsi qu'aux États-Unis, en Inde et en Egypte, il effectue un parcours qui le mène à une sculpture originale, dépouillée de toute influence. Ce livre très documenté nous donne accès à une création exceptionnelle, désormais dans la mémoire collective et qui, au début du XXe siècle, a ouvert des voies vers la modernité.

Sculpteur prolifique, Raymond Delamarre (1890-1986) a exprimé, de la médaille au monumental, sa quête d'une statuaire épurée, aux formes élégantes à travers soixante années de création. Grand Prix de Rome en 1919, il est propulsé avec éclat dans l'entre-deux-guerres. L'Exposition internationale de 1925 est le premier pas d'une collaboration féconde avec Michel Roux-Spitz, qui les mènera à la réalisation du célèbre Monument à la défense du canal de Suez et au décor de la façade de la chapelle du CHU de Nantes. Lors de l'Exposition coloniale de 1931, il s'illustre en réalisant quatre Béatitudes et un Sacré-Coeur. Les allégories de cet artiste du sacré, comme du profane - Paris, Ville lumière pour l'Exposition universelle de Bruxelles, Arts et monuments régionaux pour le paquebot Normandie, Les Connaissances humaines pour le palais de Chaillot, surplombant aujourd'hui encore la place du Trocadéro -, exaltent le savoir scientifique et culturel français. Engagé dans la reconstruction d'après 1945, il pare de bas-reliefs l'hôtel de ville de Grand-Couronne, l'hôtel des Postes de Louviers ou encore le centre des chèques postaux de Dijon. Ses sculptures redonnent de l'élan aux lycées de Brest, Perpignan et Fort-de-France. Ardent créateur de la période Art déco, il répond à des commandes privées, dont Mowgli restera la plus marquante, tant par l'originalité que par la richesse de sa composition. Lire la suite Fermer

Louise Bourgeois est par excellence la femme-couteau, la femme sculpteur, celle qui découpe, tranche, cisaille, mais aussi celle qui incarne l'ambivalence féminin-masculin : la protection et la menace, la fragilité et la force, la tendresse et la violence.Née en 1911 à Paris, et ayant vécu à New York de 1938 jusqu'à sa mort en 2010, elle est devenue, après une reconnaissance tardive, l'une des artistes les plus emblématiques du XXe siècle. Son oeuvre polymorphe, composée de peintures, gravures, dessins,sculptures, installations, est profondément autobiographique et échappe à toute classification esthétique. En réactivant les souvenirs et les traumatismes de son enfance, Louise Bourgeois donne forme et corps à ses émotions, créant une oeuvre organique, sensuelle et érotique, dont le thème essentiel est la femme-maison. «La sculpture est le corps et mon corps est une sculpture.»Cette biographie ne retrace pas seulement le parcours d'une grande artiste, sa formation, ses influences ; c'est aussi le récit d'une vie de femme exceptionnelle, ayant connu les deux guerres, l'exil, épouse d'un célèbre historien de l'art, et mère de trois enfants. Elle s'appuie sur les archives personnelles inédites de l'artiste, ses journaux intimes, sa correspondance, ses écrits psychanalytiques, ainsi que sur ses interviews et des entretiens avec ses proches. Lire la suite Fermer

Dans les années 1870, de jeunes artistes rêvent d'une nouvelle manière de peindre. Le public est sans pitié avec ces rebelles, et un journaliste se moquera d'eux en inventant le surnom « impressionnistes » !

Mais aujourd'hui, ce sont les artistes les plus célèbres au monde.
DADA vous raconte leur fantastique histoire...

Plus qu'un mouvement, l'impressionnisme est un groupe de peintres dissidents, qui vont révolutionner l'art académique de l'époque : nouveaux sujets pris dans la vie quotidienne, nouveau style, nouvelle méthode en plein air...

DADA, vous dresse le portrait de ses membres fondateurs : Monet, Renoir, Cézanne, Degas... que des hommes ? Non, les femmes ne sont pas en reste !

Monographie présentant l'oeuvre de ce sculpteur suisse du XXe siècle, dont l'intensité trouve son origine dans sa vie tourmentée par l'histoire, en particulier par la Seconde Guerre mondiale. Il concentre son champ d'investigations sur la figure humaine, principalement féminine, qu'il décline en têtes, bustes, figures debout, assises ou allongées, souvent de grand format.

Quand on voyage dans l'ABCdaire, le plaisir d'apprendre fait ricochet