« Il ne faut pas parler de sculptures peintes seulement de sculptures, la couleur fait partie de la sculpture. » Lettre d'Alberto Giacometti à Pierre Matisse (15 octobre 1950)
Le désir, ou le besoin, d'associer la peinture à la sculpture apparaît de manière récurrente chez Alberto Giacometti et sous différentes formes au cours de sa carrière. Très tôt, il utilise son pinceau pour « animer » certaines de ses sculptures, il peint les traits du visage, les cheveux, accentue les formes du corps, rehausse les volumes. Ses outils et ses gestes de peintre sont appliqués à la sculpture, et vice-versa. Très peu connues du public, ces sculptures peintes de Giacometti font pour la première fois l'objet d'une étude dévoilant cette part secrète et émouvante de la production de l'artiste.
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L'exposition présentera une soixantaine de sculptures et autant de dessins, de peintures et de gravures. Les oeuvres seront mises en regard, dans un dialogue inédit, avec celles des artistes qui l'ont marqué pendant son séjour en Belgique. La Belgique est le berceau rodinien, c'est là que l'artiste naît à lui-même. Les six années d'expatriation en Belgique entre 1871 et 1877 doivent être considérées comme séminales pour l'artiste. Il change alors de statut : d'ouvrier- artisan au service de Carrier-Belleuse, il devient un artiste pleinement indépendant. Mais la Belgique c'est aussi le pays où se tient sa première exposition personnelle, en 1899, une exposition itinérante qui débute à Bruxelles. Rodin est alors en pleine possession de ses moyens : l'année suivante d'ailleurs il n'hésitera pas à faire construire un pavillon place de l'Alma à Paris pour y présenter l'ensemble de son oeuvre au public attiré par l'Exposition universelle. L'exposition de Mons se propose de mettre en lumière son cheminement artistique pendant cette période d'environ 25 ans au terme de laquelle il apparaît à la fois comme l'une des figures majeures du panorama artistique parisien et le précurseur du XXe siècle. Lire la suite Fermer

« Rien ne pousse à l'ombre des grands arbres ! » C'est ainsi que Constantin Brancusi (1876-1957), venu des Roumanie parfaire sa formation de sculpteur auprès du célèbre Rodin, se détache du maître pour tracer sa voie. Après des siècles de sculpture basée sur le modelage, il initie une petite révolution : pour lui, rien ne vaut la taille directe ! Il se confronte aux matériaux - le bois, la pierre, le marbre - dont il extrait des formes épurées, mais jamais abstraites. Il travaille bien souvent en série, déclinant un même sujet jusqu'à trouver la forme idéale. Son atelier lui-même est un véritable chef-d'oeuvre, aujourd'hui reconstitué au Centre Pompidou, où ses oeuvres dialoguent entre elles. Découvrez avec Brancusi comment la sculpture est définitivement entrée dans l'art moderne... Lire la suite Fermer

Catalogue d'une exposition mettant en évidence la proximité des recherches du sculpteur suisse et du photographe japonais à travers une reconstitution d'une scène de théâtre nô, entre apparitions et réalité.

Nous entraînant dans sa quête de « l'essence des choses », Brancusi nous propose de franchir toutes sortes de frontières, géographiques, historiques ou formelles. De sa Roumanie natale à Paris, à travers l'Europe, ainsi qu'aux États-Unis, en Inde et en Egypte, il effectue un parcours qui le mène à une sculpture originale, dépouillée de toute influence. Ce livre très documenté nous donne accès à une création exceptionnelle, désormais dans la mémoire collective et qui, au début du XXe siècle, a ouvert des voies vers la modernité.

À l'occasion de l'exposition du sculpteur Ron Mueck en juin 2023, la Fondation Cartier publie une version augmentée du catalogue raisonné de l'oeuvre de l'artiste publié pour la première fois en 2013. Cet ouvrage de référence présente l'ensemble des sculptures créées par Ron Mueck depuis ses débuts en 1996 à travers de nombreuses photographies et des documents inédits. Des notes de l'artiste, des vues de studio, des dessins préparatoires et des photographies de maquettes permettent au lecteur de découvrir le processus de création de Ron Mueck et d'entrer dans l'intimité de son travail. Des contributions du critique d'art Justin Paton et des historiens de l'art Robert Rosenblum et Robert Storr, ainsi que du philosophe Peter Sloterdijk explorent les thèmes majeurs qui sous-tendent son art. Lire la suite Fermer

Sculpteur prolifique, Raymond Delamarre (1890-1986) a exprimé, de la médaille au monumental, sa quête d'une statuaire épurée, aux formes élégantes à travers soixante années de création. Grand Prix de Rome en 1919, il est propulsé avec éclat dans l'entre-deux-guerres. L'Exposition internationale de 1925 est le premier pas d'une collaboration féconde avec Michel Roux-Spitz, qui les mènera à la réalisation du célèbre Monument à la défense du canal de Suez et au décor de la façade de la chapelle du CHU de Nantes. Lors de l'Exposition coloniale de 1931, il s'illustre en réalisant quatre Béatitudes et un Sacré-Coeur. Les allégories de cet artiste du sacré, comme du profane - Paris, Ville lumière pour l'Exposition universelle de Bruxelles, Arts et monuments régionaux pour le paquebot Normandie, Les Connaissances humaines pour le palais de Chaillot, surplombant aujourd'hui encore la place du Trocadéro -, exaltent le savoir scientifique et culturel français. Engagé dans la reconstruction d'après 1945, il pare de bas-reliefs l'hôtel de ville de Grand-Couronne, l'hôtel des Postes de Louviers ou encore le centre des chèques postaux de Dijon. Ses sculptures redonnent de l'élan aux lycées de Brest, Perpignan et Fort-de-France. Ardent créateur de la période Art déco, il répond à des commandes privées, dont Mowgli restera la plus marquante, tant par l'originalité que par la richesse de sa composition. Lire la suite Fermer

Catalogue « bio-monographique » éclairant la démarche de l'artiste, sculptrice et céramiste Valentine Schlegel, dont la pratique, intimement liée à son quotidien, répond à une logique certaine : celle de créer ses propres conditions de vie. Réalisé par l'artiste Hélène Bertin suite à une recherche sur Valentine Schlegel, édité par Hélène Bertin et Charles Mazé & Coline Sunier.
Née en 1925, Valentine Schlegel a développé une pratique plastique quotidienne entre Paris et Sète. À l'image d'un couteau suisse, elle maîtrise plusieurs techniques pour réaliser des objets usuels aux corps sculpturaux: couverts en bois, vases en céramique, sacs en cuir, cheminées en plâtre. Conçu sans hiérarchie, souvent en collaboration avec ses amis, ce corpus est fait d'objets de différentes dimensions et aux usages tantôt fantaisistes, tantôt quotidiens. Valentine Schlegel a également réalisé nombre d'éléments architecturaux en plâtre destinés aux intérieurs. Ces sculptures à vivre sont aussi, par leur caractère indéplaçable, la raison pour laquelle son travail est resté méconnu.
Valentine Schlegel: je dors, je travaille par Hélène Bertin est un catalogue « bio-monographique » réunissant une nouvelle iconographie et des documents d'archives. Des notices biographiques séquencent le livre et éclairent la démarche et la vie de Valentine Schlegel.
Grâce à une iconographie riche et précisément sélectionnée, cette monographie de référence permet notamment de documenter l'ensemble des cheminées que Valentine Schlegel a réalisées chez des particuliers - une centaine de 1959 à 2002. Les autres pans de son travail sont également abordés afin de saisir l'ensemble de sa pratique, intimement liée à son mode de vie, où les questions d'autonomie de production et d'amitié sont centrales.
«je dors» et «je travaille» sont deux énoncés peints sur une pancarte réversible accrochée à la porte de l'atelier sétois de Valentine Schlegel. Ils correspondent à deux temps différents de ses journées, invitant à l'isolement ou à la compagnie. Ces deux «activités» ne sont pas à prendre comme des opposés mais comme indissociables l'une de l'autre: elles servent de structure à l'édition en rendant perceptible les choix de modes de vie personnels et professionnels de Valentine Schlegel.
De par le déroulé chronologique, chaque page du livre peut être perçue comme un moment d'une journée, où la fabrication d'un ustensile de cuisine, la pratique de la sieste dans une couchette spécialement conçue à cet effet, la création d'une cheminée en plâtre pour la maison d'un collectionneur ou d'un sifflet en forme de sirène pour un cadeau à une amie sont les témoins d'une pratique totale et quotidienne, sans ordre hiérarchique mais répondant à une logique certaine: celle de créer ses propres conditions de vie.
Publié à l'occasion de l'exposition « Cette femme pourrait dormir dans l'eau - Valentine Schlegel par Hélène Bertin » au CAC Brétigny, du 30 septembre au 09 décembre 2017.

Hélène Bertin (née en 1989 à Pertuis, vit et travaille à Paris) traverse doucement la France en suivant les cours d'art appliqués au lycée en Avignon, de l'École des beaux-arts de Lyon puis de l'École des beaux-arts de Paris-Cergy. À la fin de ses études, elle s'installe à Paris et à Cucuron, son village natal. Elle développe une pratique qui met en mouvement le travail d'artiste, de curateur et d'historienne. Ses objets de sculptrice ont des qualités usuelles qui se dérobent à l'espace du white cube. Ils se vivent dans l'intimité de la sphère privée, comme l'espace de l'atelier, de la maison, et en extérieur. Hélène Bertin travaille aussi en collectif avec Plafond, avec qui elle partage des moments de réflexion et des expositions. Avec l'aménagement de son atelier à Cucuron, le « workshop culinaire » est l'un de ses terrains d'expérimentation collective où des artistes se regroupent autour de mets qu'ils confectionnent, mangent et digèrent ensemble. Investie dans son village, c'est dans un vignoble de vin naturel qu'elle a récemment organisé sa première exposition collective. Depuis plusieurs années, elle réalise des recherches autour de Valentine Schlegel qui, comme une guide, lui a ouvert sa pratique originale et libre de l'art.
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Figure méconnue de l'art du XIXe siècle, Henry Cros (1840-1907), que l'on associe avant tout à ses apports sur l'utilisation de la couleur en sculpture, a mené une carrière atypique dès sa formation. En 1884, il devient le premier sculpteur à aborder le matériau verre en inventant la technique qu'il nomme « pâte de verre », et s'intéresse au domaine des arts décoratifs avec une production inspirée de thèmes de l'Antiquité. L'artiste est par ailleurs un excellent dessinateur. Ce catalogue monographique sans précédent, qui réunit un ensemble remarquable de ses oeuvres sur papier - corpus en grande majorité inédit -, met en lumière ce riche patrimoine graphique en le confrontant aux oeuvres peintes et sculptées conservées au musée des Arts décoratifs et dans quelques autres collections, tout aussi inédites. Lire la suite Fermer

« Toutes mes sculptures, même les plus imaginées, partent toujours de quelque chose de vrai, d'une vérité organique.
L'imagination a besoin de départ. On peut ainsi déboucher de plain-pied dans la poésie. J'invente plus facilement en regardant la nature, sa présence me rend indépendante. » Germaine Richier, née le 16 septembre 1902 à Grans (Bouches-du-Rhône), et morte le 31 juillet 1959 à Montpellier (Hérault), est une sculptrice française.

L'oeuvre de Germaine Richier est représenté dans de nombreux musées français et étrangers et particulièrement :
- Antibes, musée Picasso.
- Montpellier, musée Fabre.
- Paris, musée national d'Art moderne, Centre Pompidou.

Ce livre est le catalogue raisonné de gravures et autres joyaux sur papier issus des collections du musée d'art Roger-Quilliot de Clermont-Ferrand qui les expose au premier semestre 2024. Très éclectique, cette rare sélection témoigne des expérimentations de grands noms de l'art moderne et contemporain autour de la figuration ou de sa déconstruction.
Hommage est rendu au célèbre marchand et éditeur Ambroise Vollard, commanditaire des estampes de Picasso et Rouault qui ouvrent l'exposition. Ces oeuvres et bien d'autres, une quarantaine, rendent compte de la force du trait, de la puissance de la couleur, de l'aventure de l'abstraction. Du Cubisme à Support-Surface, en passant par le Surréalisme et CoBrA, elles illustrent le foisonnement artistique du bouillonnant XXe siècle.

Tout en ancrant sa pratique dans la continuité de l'art antique et de la Renaissance, Auguste Rodin (1840-1917) a ouvert la voie à la sculpture moderne. Loin de respecter les codes iconographiques classiques, il s'intéressa, très tôt, au mouvement, à l'expression du corps, à l'accident et au fragment ; donnant vie et forme à des chefs-d'oeuvre pour lesquels il est universellement reconnu, comme en témoignent des icônes telles que Le Baiser ou Le Penseur.
Réalisé en collaboration avec le musée Rodin, cet ouvrage revient sur les années de formation du maître comme sur les étapes les plus essentielles de sa carrière. La genèse des oeuvres et des monuments est retracée d'un point de vue historique mais aussi esthétique afin de mieux comprendre les liens qui existent entre toutes ses créations. Passage du plâtre au marbre, travail sur la terre cuite, agrandissements et assemblages : le lecteur est invité à découvrir, de l'intérieur, l'atelier de Rodin et à ressentir toute la puissance et la poésie de son geste créateur ; geste riche en innovations et en transgressions dont les dessins érotiques de Rodin portent également la marque.
Source d'inspiration intarissable pour plusieurs générations d'artistes, Rodin a su transmettre sa passion pour l'observation de la nature, la saisie du vivant et la vérité des formes avec une force inégalée. C'est à la découverte ou la redécouverte de cet inestimable héritage que le livre de François Blanchetière s'attache avec succès. Lire la suite Fermer

Cette monographie de référence sur Marguerite Peltzer-Genoyer affirme clairement la volonté de situer cette femme-artiste dans la société et le contexte artistique de son époque. L'approche esthétique et sensible rend justice à ses choix, à ses renoncements et aux influences artistiques majeures qui ont orienté son parcours de vie.

Le nu féminin est pour Marguerite Peltzer un sujet de prédilection dans ses sculptures des années 1920-1930. À travers la sensualité subtile des corps, elle exprime l'intangible des émotions autant que ses propres contradictions.
Quoique remarquée par la critique de son époque et par la ville de Thonon-les-Bains où elle passa ses dernières années, l'artiste encore méconnue méritait d'accéder à une plus large notoriété. Le temps est venu pour elle d'être admise au panthéon de la sculpture qui récemment encore niait la contribution des femmes à la discipline.
C'est l'objet de cette première monographie de mettre à l'honneur son talent en rappelant le parcours singulier de cette personnalité romanesque. Lire la suite Fermer

Dans les années 1870, de jeunes artistes rêvent d'une nouvelle manière de peindre. Le public est sans pitié avec ces rebelles, et un journaliste se moquera d'eux en inventant le surnom « impressionnistes » !

Mais aujourd'hui, ce sont les artistes les plus célèbres au monde.
DADA vous raconte leur fantastique histoire...

Plus qu'un mouvement, l'impressionnisme est un groupe de peintres dissidents, qui vont révolutionner l'art académique de l'époque : nouveaux sujets pris dans la vie quotidienne, nouveau style, nouvelle méthode en plein air...

DADA, vous dresse le portrait de ses membres fondateurs : Monet, Renoir, Cézanne, Degas... que des hommes ? Non, les femmes ne sont pas en reste !

Se détachant de l'académisme, Auguste Rodin (1840-1917) a su faire vibrer le marbre et le bronze pour donner à ses figures une expressivité nouvelle. L'ensemble des passions humaines sont traduites avec force dans des sculptures intenses, parfois sensuelles. Novateur également dans sa manière de travailler, Rodin " construit " ses oeuvres en assemblant différents éléments de plâtre les uns avec les autres, essayant sans cesse d'inventer de nouvelles formes. Véritable génie, expérimentateur insatiable, Auguste Rodin a ouvert la voie à la sculpture moderne.

Languages : Fr. En.

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Breaking away from academicism, Auguste Rodin (1840-1917) knew how to make marble and bronze vibrate to give his figures a new expressiveness. All the human passions are forcefully translated into intense, sometimes sensual sculptures. Innovative also in his way of working, Rodin "builds" his works by assembling different plaster elements with each other, constantly trying to invent new forms. A true genius and insatiable experimenter, Auguste Rodin opened the way to modern sculpture. Lire la suite Fermer

Cet ouvrage présente la vie et l'oeuvre d'Alexandre Falguière (1831-1900), patron incontesté de la sculpture française durant plus d'un quart de siècle, carrière doublée de son activité de peintre.
Cet artiste de génie, professeur sérieux, a bénéficié d'une immense popularité durant la « Belle époque », à tel point que plus de 400 sculpteurs reconnus se réclameront de son enseignement. Occupant un fauteuil d'académicien, pas moins de cinq ateliers travaillaient sous sa houlette, réalisant, sous sa tutelle et son énergie légendaire, des commandes publiques et privées, des plâtres, terres cuites, bronzes, gravures et tableaux modestes ou monumentales conservées aujourd'hui dans de célèbres musées.
Cet ouvrage richement illustré vous invite à découvrir, dans une promenade littéraire et artistique, la vie et l'oeuvre de cet incroyable artiste, génial et unique. Lire la suite Fermer

Marcel Duchamp est né à Blainville-Crevon le 28 juillet 1887, et mort à Neuilly-sur-Seine le 2 octobre 1968.

« Je crois que l'art est la seule forme d'activité par laquelle l'homme en tant que tel se manifeste comme véritable in- dividu. Par elle seule il peut dépasser le stade animal parce que l'art est un débouché sur des régions où ne dominent ni le temps ni l'espace. »

Cette monographie est le premier ouvrage qui présente le travail de l'artiste Susanna Bauer à un public international. Les ingrédients essentiels de la production de cette artiste sont les éléments naturels éphémères qu'elle rencontre lors de ses promenades et excursions en Cornouailles, où elle vit et travaille. Il s'agit de feuilles, de cailloux, de morceaux d'écorce... autant d'éléments qui deviennent le coeur de créations complexes, réalisées au crochet, et utilisées tantôt de manière conventionnelle comme décoration, tantôt comme moyen de communication sculpté. Les feuilles de Bauer sont de véritables sculptures aériennes où l'artiste atteint un équilibre entre force et fragilité. La nature se fait métaphore de l'humanité : les fils entrecroisés à dessein nous rappellent que nous faisons tous partie d'un vaste réseau et qu'ainsi nous générons des connexions. Cet art est également synonyme de vie : en regardant ces oeuvres, comment ne pas songer à des confluences de beauté et de vulnérabilité, de résistance et de transformation. Le thème de la relation entre art et nature, et les interconnexions qui en dérivent, sont explorés soit par le biais des oeuvres originales de Susanna Bauer, soit par celui de l'essai introductif qui analyse son travail dans un dialogue entre poésie et histoire de l'art. Lire la suite Fermer

Brancusi apparait dans le monde de l'art comme un personnage singulier dont l'oeuvre impressionnait tant par la pureté des formes et la modernité que par une forme d'archaïsme difficile à caractériser. En révolutionnant la sculpture du XXe siècle, l'artiste roumain a ouvert un vaste débat sur l'art moderne qui reste toujours d'actualité, sa création étant le sujet de multiples études. Ainsi toute l'oeuvre de Brancusi a éte marquée par les figures des femmes qui ont accompagné chacune des étapes de sa vie. Elles font intégralement partie de sa création et de sa démarche d'artiste qui a toujours tenté de saisir l'essence même de leur personnalité. Très apprécié des femmes en général, séducteur mais ami fidèle, il exercait une espèce de magnétisme auprès de celles qui ont fréquenté son atelier, et inspiré sa sculpture, échangeant avec lui une abondante correspondance. Brancusi et ses muses explore la nature de cette inspiration évoquant ainsi amies, maîtresses, et mécènes comme la danseuse Suisse, Marthe Lebherz et la pianiste anglaise, Vera Moore. Margit Pogany, Léonie Ricou, Eileen Lane, la baronne Renée-Irana Frachon, Agnes E. Meyer and ses quatre filles Marina Chaliapin, Nancy Cunard, Beatrice Wood, Mina Loy, Lizica and Irina Codreanu ont toutes inspiré des oeuvres majeures de la sculpture moderne. C'est le sujet de cet ouvrage qui apporte un éclairage inédit sur le plus grand sculpteur du XXe siècle. Un tel ouvrage s'adresse autant aux spécialistes d'histoire de l'art qu' à un public plus large intéressé par la vie artistique en France au début du XXe siècle. Conservatrice honoraire au centre Georges Pompidou, Donia Lemny a assuré la publication des archives Brancusi ainsi que le commissariat de nombreuses expositions consacrées à l'artiste roumain, à l'Atelier Brancusi du musée. Elle a déjà publié Brancusi, la chose vraie, aux éditions Gourcuff Gradenigo. Lire la suite Fermer

Quand on voyage dans l'ABCdaire, le plaisir d'apprendre fait ricochet

Une monographie complète enrichie d'un catalogue de l'oeuvre de l'artiste Pierre Sabatier. Pierre Sabatier, un sculpteur hors normes Artiste en marge de tout circuit commercial et peu connu du grand public, Pierre Sabatier à consacré sa vie à l'édification d'une oeuvre monumentale qui s'inscrit dans les grands courants artistiques des 3O glorieuses. Adhérent au mouvement « Le mur Vivant » qui milite pour l'intégration de l'art dans l'architecture, il s'impose comme l'un des protagonistes majeurs de ce courant. Une oeuvre titanesque Il réalise d'abord des céramiques et des mosaïques avant de s'orienter vers le métal qui restera son matériau de prédilection. Dès les années 70, il collabore avec les architectes importants de l'époque pour réaliser des décors gigantesques destinés à des lieux publics ou les sièges de grandes entreprises comme Axa ou BNP. La façade de l'immeuble Rochas, rue François 1er à Paris est une de ses oeuvres les plus emblématiques. Cet ouvrage privilégie l'impact visuel et donne à voir la dimension monumentale de l'oeuvre de pierre Sabatier. Il ouvre avec un portfolio de photos signées François Halard présentant l'atelier de l'artiste et son univers intime. Les textes sont signés de Frédéric Migayrou, critique d'art et d'architecture, conservateur de musée (notamment au centre Pompidou), Anne Bony, historienne de l'art, spécialiste du design et des arts décoratifs ayant publié de nombreux livres sur ces sujets et Axelle Corty, journaliste, spécialiste de l'art moderne et contemporain. Ce livre s'adresse à un public d'amateurs et de curieux mais aussi de professionnels du marché de l'art auxquels il manque les outils pour mieux appréhender cette oeuvre protéiforme. Cette édition est complétée par une version anglaise des textes présentés.
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Claude Monet (1840-1926) est souvent perçu comme le chef de file des impressionnistes. Mais il est aussi un grand jardinier, un peintre réaliste, un chasseur de fantômes, un voyageur infatigable et un étrange serial painter.