«Dans GENESIS, mon appareil photo a permis à la nature de me parler. Écouter fut pour moi un privilège.» - Sebastião Salgado En 1970, à 26 ans, Sebastião Salgado se retrouve par hasard pour la première fois avec un appareil photo entre les mains. En regardant dans le viseur, il a une révélation: brusquement, la vie prend un sens. Dès lors - même s'il lui a fallu des années de travail acharné avant d'acquérir l'expérience nécessaire pour pouvoir vivre de son travail de photographe - l'appareil photo devient l'outil par lequel il interagit avec le monde. Salgado, qui a «toujours préféré la palette en clair-obscur des images en noir et blanc» prend quelques photos couleur à ses débuts, avant d'y renoncer définitivement. Élevé dans une ferme au Brésil, Salgado éprouve un amour et un respect profonds pour la nature; il se montre aussi particulièrement sensible à la façon dont les êtres humains sont affectés par les conditions socio-économiques souvent accablantes dans lesquelles ils vivent. Des nombreuses oeuvres que Salgado a réalisées au cours de son admirable carrière, trois projets de longue haleine se démarquent particulièrement: La Main de l'homme (1993) qui illustre le mode de vie bientôt révolu de travailleurs manuels du monde entier, Exodes (2000), témoignage sur l'émigration massive causée par la faim, les catastrophes naturelles, la dégradation de l'environnement et la pression démographique, et ce nouvel opus, GENESIS, résultat d'une expédition épique de 8 ans à la redécouverte des montagnes, déserts et océans, animaux et peuples qui ont jusqu'ici échappé à l'empreinte de la société moderne - les terres et la vie d'une planète encore préservée. «Près de 46% de la planète semblent encore comme au temps de la Genèse», fait remarquer Salgado. «Nous devons sauvegarder ce qui existe.» Le projet GENESIS, en lien avec l'Instituto Terra créé par Salgado cherchent à montrer la beauté de notre planète, à inverser les dommages qu'on lui a infligés et à la sauvegarder pour les générations futures. Au cours de 30 voyages, à pied, en avion léger, en bateau, en canoë et même en ballon, par une chaleur extrême ou un froid polaire et dans des conditions parfois dangereuses, Salgado a réuni des images qui nous montrent la nature, les peuples indigènes et les animaux dans toute leur splendeur. Maîtrisant le monochrome avec un talent qui rivalise avec celui du virtuose Ansel Adams, Salgado fait entrer la photographie noir et blanc dans une autre dimension; les nuances de tons de ses oeuvres, le contraste entre le clair et l'obscur, évoquent les tableaux de grands maîtres comme Rembrandt et Georges de la Tour. Que découvre-t-on dans GENESIS? Les espèces animales et les volcans des Galapagos; les manchots, les lions de mer, les cormorans et les baleines de l'Antarctique et de l'Atlantique sud; les alligators et les jaguars du Brésil; les lions, les léopards et les éléphants d'Afrique; la tribu isolée des Zoé au fin fond de la jungle amazonienne; le peuple korowaï vivant à l'âge de pierre en Papouasie occidentale; les éleveurs de bétail nomades dinka du Soudan; les nomades nénètses et leurs troupeaux de rennes dans le cercle arctique; les communautés mentawai des îles à l'ouest de Sumatra; les icebergs de l'Antarctique; les volcans d'Afrique centrale et de la péninsule du Kamtchatka; les déserts du Sahara; le rio Negro et le rio Jurua en Amazonie; les failles du Grand Canyon; les glaciers de l'Alaska... Après s'être rendu là où personne n'était jamais allé, et avoir consacré tant de temps, d'énergie et de passion à la réalisation de cet ouvrage, Salgado considère GENESIS comme sa «lettre d'amour à la planète».
Pendant six ans, Sebastião Salgado a sillonné l'Amazonie brésilienne et photographié la beauté sans égal de cette région extraordinaire: la forêt, les fleuves, les montagnes, les gens qui y vivent - cet irremplaçable trésor de l'Humanité où la puissance immense de la nature se ressent comme nulle part ailleurs sur Terre.
La vie et l'époque de Pieter Bruegel l'Ancien (vers 1526/1530-1569) ont été marquées par de violents conflits culturels. Il a ainsi connu des guerres de religion, le règne brutal du duc d'Albe alors gouverneur des Pays-Bas et les effets palpables de l'Inquisition. À ce jour, la vie de l'artiste flamand demeure nimbée de mystère. Nous ne savons pas exactement où et quand il est né. Si les érudits ont d'abord souligné le caractère vernaculaire de sa peinture et de ses gravures, la recherche moderne accorde plus d'importance à l'aspect humaniste de son oeuvre. Après avoir conçu des dessins préliminaires pour l'éditeur Jérôme Cock, Bruegel réalise plusieurs séries d'estampes qui furent distribuées dans toute l'Europe. Elles dépeignent les vices et les vertus au détour de fêtes paysannes endiablées et de paysages à perte de vue. Il se tourne ensuite de plus en plus vers la peinture, puisant sa clientèle dans l'élite culturelle d'Anvers ou de Bruxelles. Plutôt que d'idéaliser la réalité, il représenta courageusement les enjeux de son époque, peignant les horreurs des guerres de religion et prenant position à l'égard de l'Église catholique. Bruegel imagina ainsi son propre langage pictural de la dissidence, incorporant ses messages subliminaux dans des scènes quotidiennes innocentes afin d'échapper aux blâmes. Ce livre est dérivé de notre anthologie format XXL, qui a vu TASCHEN entreprendre une étude photographique de l'oeuvre de l'artiste. Le livre réunit reproductions et détails exceptionnels, dévoilant l'univers plus grand que nature de Bruegel avec une clarté inouïe.
Pendant six ans, Sebastião Salgado a sillonné l'Amazonie brésilienne et photographié la beauté sans égal de cette région extraordinaire: la forêt, les fleuves, les montagnes, les gens qui y vivent - cet irremplaçable trésor de l'Humanité où l'immense puissance de la nature se ressent comme nulle part ailleurs sur Terre.
Doisneau à coeur ouvert.
L'oeil empathique de Robert Doisneau sur l'expérience humaine.
Aussi sensible aux douleurs des hommes qu'aux plaisirs simples de la vie, Robert Doisneau est incontestablement l'un des plus célèbres représentants de cette photographie humaniste qui s'est imposée dans les années 1950. Surtout célèbre pour ses portraits de Paris si emplis d'âme, Doisneau a démontré un talent unique pour trouver - et cadrer à la perfection - des personnages charismatiques, des épisodes distrayants et des moments fugaces d'humour ou de tendresse. Même dans les contextes les plus modestes, il distille les émotions et les rencontres qui façonnent la vie.
Résumé en images d'une carrière spectaculaire, cet hommage présente les clichés les plus aimés de Doisneau et des photographies moins connues, qui saisissent avec délice «les gestes ordinaires de gens ordinaires dans des situations ordinaires». Les nombreuses citations qui courent tout au long des pages instaurent un dialogue entre les photographies, le lecteur et le photographe lui-même, mettant des mots sur la sensibilité, le sens de l'humour et la chaleur humaine qui caractérisent ses photos.
Cet ouvrage nous transporte dans les faubourgs de la jeunesse de Robert Doisneau, dans le monde du travail manuel dont il admirait tant la noblesse, et dans les ateliers d'artistes majeurs de son époque, saisis en pleine réflexion ou création. Un certain nombre de photographies en couleurs beaucoup moins connues, des paysages transformés de son enfance en banlieue révèlent un autre Robert Doisneau, à l'oeil plus critique.
Pour cette nouvelle monographie traitant de tous les aspects de la vie et de l'oeuvre de Robert Doisneau, son ami de longue date Jean Claude Gautrand, auteur chez TASCHEN, a joui d'un accès illimité aux riches archives photographiques de l'Atelier Robert Doisneau. La préface a été rédigée par les filles de Doisneau, Francine Deroudille et Annette Doisneau.
Biologiste et naturaliste allemand évolutionniste, Ernst Haeckel (1834-1919) fut aussi artiste, philosophe et médecin, et a passé sa vie à étudier la flore et la faune, des plus hauts sommets au plus profond des océans. Fervent défenseur et promoteur de la théorie de l'évolution de Darwin, il dénonça les dogmes religieux, rédigea des traités philosophiques, obtint un doctorat en zoologie et inventa des termes scientifiques comme «écologie», «phylum» ou «cellule souche», aujourd'hui d'usage courant. Au centre de l'immense héritage de Haeckel figure son ambition de ne pas seulement explorer les choses, mais de les expliquer. Il conçut ainsi des centaines de dessins, d'aquarelles et d'esquisses détaillés de ses découvertes qu'il fit publier en plusieurs volumes, dont des recueils consacrés aux organismes marins et un particulièrement imposant, Kunstformen der Natur (Formes artistiques de la nature), clé de voûte de tout le travail de Haeckel. Encyclopédie rigoureuse illustrée consacrée aux êtres vivants, l'oeuvre de Haeckel est remarquable pour sa précision graphique et ses nuances fidèles à la réalité autant que pour sa compréhension de l'évolution biologique. Des chauves-souris aux méduses, des lézards aux lichens, sans oublier les pattes des araignées et les anémones de mer, le scientifique a souligné la symétrie fondamentale et l'ordre de la nature, décelant une beauté organique dans la moindre de ses créatures. Cet ouvrage rend hommage à l'importance du travail de Haeckel pour la science, l'art et l'environnement à travers une sélection de 300 planches issues de certains de ses plus importants volumes consacrés à la biologie marine, dont Die Radiolarien, Monographie der Medusen, Die Kalkschwämme, ainsi que Kunstformen der Natur. À l'heure où la biodiversité est sans cesse menacée par les activités humaines, ce livre offre à la fois un chef-d'oeuvre graphique, une exploration du monde sous-marin et un éloquent rappel de la précieuse variété de la vie.
Sur la fin de sa prodigieuse carrière de peintre, sculpteur et lithographe, âgé et malade, Matisse ne pouvait plus tenir sur ses jambes ni garder un pinceau en main très longtemps. Au soir de sa vie, à près de 80 ans, il mit au point une technique consistant à «sculpter la couleur», créant d'audacieux découpages aux couleurs vives. Même si quelques critiques de l'époque y virent un signe de sénilité, ces gouaches découpées représentaient en réalité une révolution dans l'art moderne, en proposant un tout nouveau mode d'expression qui reformulait l'antagonisme traditionnel entre dessin et couleur. Cette nouvelle édition du premier volume de notre ouvrage format XL d'origine, récompensé par la critique, retrace le contexte historique des gouaches découpées de Matisse, depuis leurs origines, lors du voyage à Tahiti de l'artiste en 1930, jusqu'aux dernières années de Matisse à Nice. Elle comprend de nombreuses photos de l'artiste, dont quelques images, très rares, signées Henri Cartier-Bresson ou du réalisateur F.W. Murnau, ainsi que des textes de Matisse, de l'éditeur E. Tériade, des poètes Louis Aragon, Henri Michaux et Pierre Reverdy, et du beau-fils de Matisse, Georges Duthuit. À travers leur simplicité trompeuse, ces découpages ont à la fois atteint une qualité sculpturale et amorcé une forme d'abstraction minimaliste qui a profondément influencé des générations d'artistes ultérieures. Exubérantes, ces oeuvres aux mille nuances, souvent très grandes, forment un pilier de l'art du XXe siècle et s'avèrent, quand on les contemple aujourd'hui, tout aussi audacieuses et novatrices que du vivant de Matisse.
«Qu'est-ce qui, dans ce métal jaune et sans éclat, pousse des hommes à abandonner leur foyer, vendre leurs biens et traverser un continent pour risquer leur vie, leurs membres et leur santé mentale au nom d'un rêve?» - Sebastião Salgado Quand Sebastião Salgado est finalement autorisé à visiter Serra Pelada, en septembre 1986, après six années de refus des autorités militaires brésiliennes, il n'est pas préparé au spectacle ahurissant qui l'attend en bordure de forêt amazonienne, aux confins meurtris de cette montagne pelée: un trou béant, profond et large de 200 mètres, où grouillent des dizaines de milliers d'hommes presque nus. La moitié remonte des sacs qui pèsent jusqu'à 40 kilos par des échelles en bois, les autres glissent sur les pentes boueuses pour replonger dans la gueule sale de la mine. Leurs corps et leurs visages sont ocres, oxydés par le minerai de fer comme cette terre qu'ils excavent. Lorsqu'on trouva de l'or dans un des ruisseaux de Serra Pelada, en 1979, le petit village devint un temps l'Eldorado tant promis, la plus grande mine d'or à ciel ouvert du monde, où quelque 50.000 hommes s'épuisaient dans des conditions épouvantables. Aujourd'hui, la ruée vers l'or la plus sauvage qu'ait connue le Brésil appartient à la légende, qu'on entretient avec quelques souvenirs heureux, des regrets amers, et les photos de Sebastião Salgado. Au moment où Salgado prit ces photos, la couleur régnait en maître dans les pages glacées des magazines. Si le noir et blanc était un parti pris risqué, la série consacrée à Serra Pelada inaugura un retour en grâce de la photo monochrome, s'inscrivant dans une tradition dont les maîtres, d'Edward Weston à Brassaï en passant par Robert Capa et Henri Cartier-Bresson, définirent la grande première moitié du XXe siècle. Quand le New York Times Magazine reçut les photos de Salgado, il se produisit quelque chose d'extraordinaire: un silence complet. «De toute ma carrière au New York Times, se souvient le rédacteur photo Peter Howe, je n'ai jamais vu de rédacteurs en chef réagir ainsi à un ensemble de photographies.» À l'heure où la photo est absorbée par le monde de l'art et la manipulation numérique, le travail de Salgado est investi d'une qualité quasi-biblique et génère une sensation d'immédiateté qui le rend éminemment contemporain. La mine de la montagne pelée est certes fermée depuis longtemps, pourtant l'intensité dramatique de la ruée vers l'or jaillit toujours de ces images. Cet ouvrage rassemble le portfolio de Salgado sur Serra Pelada dans son intégralité, reproduit selon les techniques les plus perfectionnées, accompagné d'un avant-propos du photographe et d'un essai d'Alan Riding. Également disponible en Édition collector limitée et signée et en Édition d'art
Dior par Peter Lindbergh.
Un hommage du célèbre photographe à la mode.
Peter Lindbergh a photographié les ambassadrices et muses les plus exceptionnelles de Dior, dont Marion Cotillard et Charlize Theron, et a marqué les campagnes de Lady Dior et J'Adore de son empreinte inimitable. Le photographe fut l'un des plus proches collaborateurs de la maison. Ce dernier ouvrage est une création commune, originale, fidèle à l'esprit et au coeur de l'artiste.
Soixante-dix ans de l'histoire de Dior projetés dans l'effervescence de Times Square, en plein New York. Tel fut le concept à l'origine du projet de Lindbergh, une idée folle dans sa dimension et sa portée, mais qui a convaincu Dior d'autoriser exceptionnellement la sortie d'un nombre inégalé de silhouettes de leurs archives pour leur faire traverser l'Atlantique.
Le résultat est électrisant. Au milieu de la frénésie de Times Square, Alek Wek resplendit en tailleur Bar, ensemble historique qui a lancé la maison Dior en 1947. Saisies sur le vif dans les rues, les modèles Saskia de Brauw, Karen Elson ou Amber Valletta déambulent à travers la foule ou en studio, habillées de créations haute couture de Christian Dior à Maria Grazia Chiuri. En noir et blanc ou en couleurs, les images de Lindbergh mettent admirablement en valeur les détails, les lignes et la matière de chaque modèle.
Lindbergh est lui-même présent dans le moindre aspect de cet ouvrage conçu par son collaborateur et ami de longue date, Juan Gatti. Ce livre présente 165 photographies inédites, accompagnées d'une introduction de Martin Harrison. Il célèbre le lien profond entre Lindbergh et la maison Dior en réunissant plus de 100 photographies de créations, de la haute couture au prêt-à-porter, masculin et féminin, publiées à l'origine dans les magazines les plus prestigieux au monde. Un hommage éblouissant à deux piliers de la mode et de la photographie, et à leur collaboration éternelle.
De modestes cottages en villas somptueuses, de maisons de plage en refuges sylvestres, découvrez la fine fleur de l'habitat contemporain mondial. Ce panorama global et synthétique présente les réalisations avant-gardistes de talents renommés comme Shigeru Ban et Marcio Kogan mais aussi d'architectes prometteurs parmi lesquels Aires Mateus, Xu Fu-Min, Vo Trong Nghia, Desai Chia et Shunri Nishizawa.
Leurs réalisations se situent en Australie et en Nouvelle-Zélande, en Chine et au Vietnam, aux États-Unis et au Mexique, aussi bien que dans des contrées plus inattendues comme l'Équateur et le Costa Rica. Se dévoile ainsi un tour d'horizon complet de l'habitat actuel qui rappelle que nous avons tous bien plus en commun que ce que nous pourrions le croire...
Au milieu des goyaviers et des forts abandonnés de l'ouest de l'Inde se trouve un sanctuaire conçu par et pour Kamal Malik, de Malik Architecture. Sa «Maison des trois flots» offre un spectacle grandiose, avec ses hauts plafonds, ses vérandas et ses pavillons perchés au sommet d'une crête surplombant deux ravins. Mêlant acier, verre, bois et pierre, le bâtiment suit les contours du paysage, comme un prolongement de la forêt.
De la même manière, la maison Encina signée Aranguren & Gallegos, élégante structure en pente rappelant la forme d'un belvédère, s'intègre dans le paysage environnant. Niché dans une forêt de pins au nord de Madrid, l'étage inférieur du bâtiment est incorporé dans la roche et relié au niveau supérieur par un mur en pierres naturelles.
La Maison du bord de mer de Shinichi Ogawa est un bijou d'architecture immaculé et minimaliste de deux étages situé à Kanagawa et donnant sur le Pacifique. Son espace d'habitation s'étend jusqu'à une terrasse en porte-à-faux et une immense piscine qu'on croirait presque fondue dans l'océan en une seule et même entité.
Ces maisons, réunies parmi plus de 50 autres, font chacune figure d'exception en architecture. Pourtant, toutes suivent la ligne qui sépare intérieur et extérieur, en symbiose totale avec leur environnement.
Au tournant du XXe siècle, le photographe américain Edward Sheriff Curtis (1868-1952) se lance dans le projet qui l'occupera pendant trente ans, pour composer une étude magistrale sur les Indiens d'Amérique du Nord. Son approche ambitieuse, tant d'un point de vue artistique que scientifique, lui a permis de recenser en mots et en images les traces du mode de vie traditionnel des Indiens, déjà en voie de disparition.
Se dévouant entièrement à cette entreprise, Curtis est parti à la rencontre de 80 tribus amérindiennes, de la frontière du Mexique au détroit de Behring, gagnant leur confiance grâce à sa patience et sa sensibilité. Son oeuvre a été publiée en 20 volumes entre 1907 et 1930 sous le titre de The North American Indian, mais le tirage étant limité à 272 exemplaires, les originaux sont vite devenus très rares.
Ce livre rassemble l'intégralité du portfolio amérindien de Curtis en une seule publication, offrant ainsi à nouveau accès à cette extraordinaire entreprise, précieux document historique et triomphe de la forme photographique.
Découvrez l'esthétique absolument unique de Tadao Ando, le seul architecte à avoir remporté les quatre distinctions les plus prestigieuses de sa profession: les prix Pritzker, Carlsberg, Kyoto et le Praemium Imperiale. Adaptée de notre monumentale monographie format XXL, ce recueil revient sur l'ensemble de son immense carrière, y compris ses derniers projets éblouissants comme le Poly Theater de Shanghai et le Centro Roberto Garza à Monterrey (Mexique). Chacun est esquissé à travers photographies et dessins architecturaux qui mettent en lumière l'usage unique que fait Ando du béton, du bois, de l'eau, de la lumière, de l'espace et des formes naturelles. Maintes fois primés, ses résidences privées, églises, musées, immeubles résidentiels ou ses espaces culturels, au Japon comme en Corée, en France, en Italie, en Allemagne, au Mexique ou aux États-Unis, sont tous réunis dans cette édition compacte qui vous permet d'approcher d'un peu plus près ce maître moderniste.
Les envoûtantes photos noir et blanc de Sebastião Salgado qui composent le projet GENESIS montrent des paysages et des hommes épargnés par l'assaut dévastateur de la société moderne. Salgado considère GENESIS comme sa «lettre d'amour à la planète».
La série White Shirts, connue dans le monde entier, a été réalisée sur une plage de Malibu, en 1988. Simples, mais décisives, ces photographies ont révélé Linda Evangelista, Christy Turlington, Rachel Williams, Karen Alexander, Tatjana Patitz et Estelle Lefébure. Cela a marqué le début d'une ère qui redéfinit la beauté et Lindbergh a poursuivi son oeuvre pour transformer le paysage de la photographie de mode pendant les décennies qui ont suivi.
Ce livre réunit plus de 300 clichés tirés des quarantes années de la carrière de Lindbergh. Il retrace l'inclinaison du photographe pour le cinéma et son approche humaniste, qui a donné vie à des images relevant tout autant de la séduction que de l'introspection.
En 1980, Rei Kawakubo a demandé à Lindbergh de réaliser la campagne de Comme des Garçons, une de ses premières incursions dans la photographie à visée commerciale. Kawakubo lui a donné carte blanche. Les années suivantes ont apporté leur lot de collaborations avec les plus grands noms de la mode et ont engendré des relations de respect mutuel. Le respect de Lindbergh pour l'un des plus grand designer de notre temps est palpable dans son portrait. Parmi ceux qui ont été photographiés, on compte Azzedine Alaïa, Giorgio Armani, Alber Elbaz, John Galliano, Jean Paul Gaultier, Karl Lagerfeld, Thierry Mugler, Yves Saint Laurent, Jil Sander et Yohji Yamamoto.
Précurseur dans son domaine, Lindbergh a délaissé les normes de la beauté et a célébré l'âme et l'individualité de ses sujets. Il a été une figure déterminante dans l'ascension de modèles comme Kate Moss, Naomi Campbell, Linda Evangelista, Cindy Crawford, Mariacarla Boscono, Lara Stone, Claudia Schiffer, Amber Valletta, Nadja Auermann et Kristen McMenamy.
Les oeuvres de Lindbergh l'ont mené jusqu'à Hollywood et au-delà : Cate Blanchett, Charlotte Rampling, Richard Gere, Isabelle Huppert, Nicole Kidman, Madonna, Brad Pitt, Catherine Deneuve et Jeanne Moreau apparaissent dans ses oeuvres. De l'image sélectionnée par Anna Wintour pour la couverture de son premier Vogue au légendaire shooting avec Tina Turner sur la tour Eiffel, ce ne sont jamais les vêtements, les célébrités ou le glamour qui occupent le devant de la scène dans une photographie de Lindbergh. Chaque photographie convie l'humanité de son sujet - une sereine mélancolie empreinte d'émotion, purement et indubitablement Lindbergh.
Dès ses débuts, Lindbergh a été reconnu dans le monde de l'art contemporain, où ses photographies ont été exposées dans des galeries bien avant leurs publications dans des magazines. Cette édition réunit une introduction mise à jour adaptée d'une interview de 2016 dans laquelle le photographe raconte ses premières collaborations, la proximité entre l'aspect commercial et les beaux-arts et le pouvoir de la narration, proposant ainsi un aperçu derrière l'objectif de Lindbergh.
Le monde du travail selon Salgado.
Un hommage aux travailleurs et un adieu au monde du labeur.
Le livre de photos La Main de l'Homme, une archéologie de l'ère industrielle de Sebastião Salgado, publié pour la première fois en 1993, est un classique; un album rare qui rend hommage aux traditions ancestrales des travailleurs manuels encore pratiquées dans notre nouveau millénaire, alors que les machines et les ordinateurs remplacent les humains partout dans le monde. À travers des images d'une authenticité et d'une beauté saisissantes, Salgado compose une élégie visuelle dédiée à ces hommes et ces femmes au travail, qui surmontent les conditions les plus dures avec une admirable obstination, pour atteindre à une grâce singulière.
Aucun autre photographe actuel n'a su immortaliser la misère du monde comme Salgado, qui compose avec ses clichés un puissant hommage à la condition humaine. Le maître brésilien qualifie son oeuvre de «photographie militante», dédiée à « une meilleure compréhension de l'être humain»; au fil des décennies, il a exprimé son respect pour l'immense dignité des plus démunis et négligés d'entre nous - des réfugiés affamés du Sahel aux peuples premiers d'Amérique du Sud.
Avec La Main de l'Homme, Salgado nous offre une épopée mondiale qui transcende la simple image pour magnifier le courage des hommes et des femmes au travail. Les trois cent cinquante photos en noir et blanc de cet ouvrage abordent sous un angle archéologique ces activités pénibles et périlleuses auxquelles les humains s'adonnent depuis l'âge de pierre, malgré la révolution industrielle. Paysage infernal d'une mine de soufre indonésienne, drame de la pêche au thon traditionnelle en Sicile, stupéfiante endurance des mineurs d'or brésiliens: Salgado révèle des strates successives d'information visuelle pour redonner à ce dur labeur sa place au coeur même de la civilisation moderne.
La Main de l'Homme traite le sujet sur différents plans, qui interagissent: un texte introductif de Salgado, écrit en collaboration avec l'auteur brésilien Eric Nepomuceno, explique le sens et l'esprit de son iconographie passionnée, tandis que les longues légendes, également rédigées par Salgado, fournissent un contexte historique et factuel. En honorant l'esprit intemporel et le courage des travailleurs manuels, La Main de l'Homme rend compte de la condition humaine avec intégrité et respect.
La Polaroid Corporation détient la plus grande collection de photographies instantanées au monde. Lancée par le fondateur de Polaroid, Edwin Land, et le photographe Ansel Adams, elle regroupe aujourd'hui près de 23.000 images de centaines de photographes du monde entier, dont des oeuvres réalisées par des artistes comme David Hockney, Andy Warhol ou Jeanloup Sieff. Véritable plongée dans les archives de la firme, The Polaroid Book rend hommage à ce support qui défie le temps, à l'ère du numérique. Telle une immense pellicule Polaroid, cette anthologie révèle les oeuvres de grands noms du genre et d'inconnus, célébrant les possibilités infinies contenues entre les marges blanches de la photographie instantanée. Inclut: Plus de 250 oeuvres de la Collection Polaroid Un essai de Barbara Hitchcock, de Polaroid, sur les débuts de la photo instantanée et l'histoire de cette collection Un chapitre détaillant les différents appareils Polaroid
Quand Benedikt Taschen a demandé à la plus importante photographe en activité aujourd'hui, Annie Leibovitz, de rassembler son travail dans un livre format SUMO, le défi l'a intriguée. Le projet a muri pendant plusieurs années, pour aboutir, en 2014, à la publication d'un mastodonte de 26 kilos. Cette incroyable monographie est désormais disponible dans une édition format XXL plus abordable. Leibovitz a puisé dans plus de 40 années de travail, en commençant par ses missions de photo-journaliste pour le magazine Rolling Stone dans les années 1970 et jusqu'aux portraits conceptuels réalisés pour Vanity Fair et Vogue. Elle a sélectionné des images emblématiques - comme celle de John Lennon et Yoko Ono enlacés dans une dernière étreinte - mais aussi des portraits qui n'ont été vus que rarement, voire jamais. Le SUMO Annie Leibovitz couvrait de larges pans de l'histoire politique et culturelle, avec des photos de la reine Elizabeth II, de Richard Nixon, Laurie Anderson et Lady Gaga. « Ce que j'avais envisagé au départ comme un processus simple, consistant à trouver quels clichés rendraient le mieux en grand format est devenu autre chose, raconte Leibovitz. Le livre est très personnel, mais la narration s'articule autour de la culture populaire. Il n'est pas construit dans l'ordre chronologique et n'est pas non plus une rétrospective. Il m'évoque plus des montagnes russes.» Les fans d'Annie Leibovitz et de ses nombreux modèles célèbres peuvent aujourd'hui partager cette virée au coeur de l'histoire récente, grâce à notre édition illimitée.
Autant flâneur que photographe, Eugène Atget (1857-1927) adorait arpenter les rues. Après s'être essayé à la peinture et à la scène, ce natif de Libourne se tourna vers la photographie et déménagea à Paris. Il fournissait de la documentation pour les peintres, les architectes et les décorateurs de théâtre, mais se passionna pour ce qu'il appelait des «documents» de la ville et de ses environs. Peu de personnages figurent dans ses images qui montrent surtout l'architecture, le paysage et les artéfacts qui ont façonné l'environnement social et culturel.
Atget ne fut pas particulièrement reconnu de son vivant, mais dès les années 1920, il attira l'attention de l'avant-garde dada et surréaliste, par l'intermédiaire de Man Ray. Quatre de ses images, avec leur mélange singulier de réalisme et de mystère, parurent dans le journal surréaliste La Révolution surréaliste, tandis que Man Ray et d'autres artistes proches de son cercle achetaient des tirages d'Atget. Sa renommée grandit après sa mort grâce à plusieurs articles et une monographie de Berenice Abbott. Plusieurs grands photographes, dont Walker Evans et Bill Brandt, ont depuis reconnu avoir une dette à l'égard d'Atget.
Cette nouvelle édition de TASCHEN rassemble près de 500 photographies issues des archives d'Atget au Musée Carnavalet et à la Bibliothèque historique de la Ville de Paris afin de rendre hommage à son regard hors du commun porté sur le paysage urbain et à son évocation d'un Paris disparu. Au fil des avenues et des ruelles, au gré des boutiques et des églises, dans les cours intérieures, le long des arcades et à travers les vingt arrondissements de la capitale, on découvre le portrait unique d'une ville bien-aimée et les secrets d'un maître de la photographie.
Les images retraçant une décennie de travail ont été extraites pour obtenir les 512 pages de photographies de cette ultime rétrospective de l'oeuvre de Nobuyoshi Araki, sélectionnées par l'artiste lui-même.
D'abord publiée en édition limitée et désormais disponible dans un nouveau format pour fêter les 40 ans de TASCHEN, cette sélection plonge au coeur de l'imagerie la plus connue d'Araki: scènes de rue à Tokyo, visages et nourriture, fleurs sensuelles et colorées, organes féminins et art japonais du kinbaku, ou bondage. Entre les jeunes filles ligotées mais provocantes et les pétales luisants aux formes suggestives, Araki joue sans cesse avec les thèmes de la soumission et de l'émancipation, de la mort et du désir, et sur la manière dont une image apparemment anodine peut se révéler choquante.
Décrivant ses photographies de bondage comme «une collaboration entre le sujet et le photographe», Araki essaie de se rapprocher de ses modèles féminins à travers la photographie, en insistant sur l'importance du dialogue avec elles. Dans son Japon natal, il est devenu un personnage culte pour de nombreuses femmes qui se sentent libérées par son habileté à photographier l'expression de leur désir.
Peter Lindbergh et Azzedine Alaïa, le photographe et le couturier, se sont retrouvés dans l'affection pour le noir, qu'ils cultivent de manière égale en tirages argentiques et en aplats vestimentaires. Lindbergh n'a cessé de faire appel au noir et au blanc pour incarner sa recherche d'authenticité dans les visages qu'il mettait en lumière. Alaïa puise dans le monochrome des vêtements intemporels, véritables sculptures pour le corps.
Ce livre immortalise le dialogue unique entre les deux artistes sur le papier. Ces images, qui illustrent leur communion spirituelle, célèbrent leur partenariat artistique et témoignent de leurs accomplissements hors norme dans l'histoire de la photographie et de la mode.
Bien que d'origines géographiquement opposées, Lindbergh et Alaïa ont touché des horizons proches. Alors que Lindbergh se faisait une réputation en Allemagne notamment grâce au magazine Stern, puis installait son studio à Paris en 1978, Alaïa devenait ce couturier pétri de discrétion dont les techniques sophistiquées s'échangent secrètement entre grandes clientes de haute couture.
Alaïa est l'architecte des corps, celui qui les révèle et les découvre, tandis que Lindbergh les ennoblit, éclaire leur âme et leur personnalité. Pas à pas, ils sont devenus les maîtres dans leurs disciplines créatives respectives. Tous deux rejettent les artifices qui nous distraient des vrais sujets et c'est avec une grande aisance qu'ils se sont retrouvés au gré de collaborations puissantes.
Les sources d'inspiration et les valeurs esthétiques qu'ils partagent transparaissent dans leur travail. Une plage au Touquet, les rues du vieux Paris soulignent leur amour commun pour le cinéma en noir et blanc et les vastes panoramas. Les sous pentes métalliques d'une salle des machines évoquent le souvenir d'un paysage allemand industriel chez l'un et renvoient au goût immodéré de l'autre pour le design fonctionnel et l'architecture. Les vêtements d'Alaïa sont autant de piédestaux pour les sourires et les regards des femmes qui les portent: Nadja Auermann, Mariacarla Boscono, Naomi Campbell, Anna Cleveland, Dilone, Lucy Dixon, Vanessa Duve, Helene Fischer, Pia Frithiof, Jade Jagger, Maria Johnson, Milla Jovovich, Lynne Koester, Ariane Koizumi, Yasmin Le Bon, Madonna, Kristen McMenamy, Tatjana Patitz, Linda Spierings, Tina Turner, Marie-Sophie Wilson, Lindsey Wixson. Pour Lindbergh, qui a bâti sa notoriété sur l'image de ces grands mannequins, seule comptait l'authenticité de leurs traits. L'union de leur talents forme un catalogue noir et blanc dense qui irradie de sincérité et de beauté. Ce livre accompagne l'exposition Azzedine Alaïa, Peter Lindbergh à la Fondation Azzedine Alaïa, 18 rue de la Verrerie, à Paris.
Avec des contributions de Fabrice Hergott, directeur du Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, Paolo Roversi, photographe, et Olivier Saillard, historien de la mode et directeur de la Fondation Azzedine Alaïa, à Paris.
C'est dans leur Wunderkammer, ou «cabinet de curiosités» que les collectionneurs exposent des bribes de découvertes artistiques, scientifiques, intellectuelles, avec l'ambitieuse volonté de condenser en un lieu toutes les connaissances humaines. Le grand-duc de Toscane François Ier de Médicis, l'empereur des Romains Rodolphe II ou l'archiduc Ferdinand II de Habsbourg, tous ces virtuoses de l'aristocratie ont acquis, choisi et présenté leurs trésors dans ces catalogues tangibles destinés à résumer le monde, de l'architecture à l'alchimie, en passant par la décoration, la peinture, la sculpture, la gemmologie, la géologie, la botanique, la biologie et la taxonomie, l'astrologie, l'anthropologie, l'ethnographie et l'histoire. Vous vous émerveillerez devant les cornes de licorne (des défenses torsadées de narval), les pierres précieuses, les rares efflorescences coralliennes, le verre de Murano, les fresques et les étranges automates. Parcourez les illustrations représentant des créatures mythiques et découvrez les célèbres «ivoires de Cobourg», un étonnant ensemble d'objets en ivoire tourné. Ces collections proposent rien de moins qu'un voyage dans le temps, de la Renaissance à l'ère des Grandes Découvertes, du maniérisme au baroque jusqu'au temps présent. Si un grand nombre de ces cabinets de curiosité ont disparu, certains ont été recomposés avec méticulosité et passion, et d'autres ont été créés. Ces merveilleux cabinets de curiosités vous ouvrent désormais leurs portes grâce à ce recueil, fruit des efforts déployés par Massimo Listri, qui pour accomplir cette tâche immense a sillonné sept pays européens sur plusieurs décennies. Le résultat en valait la peine: de splendides photos, une introduction érudite mais accessible et des commentaires détaillés de chacune des 19 cabinets de merveilles présentés où sont mises en valeur les pièces maîtresses de chaque collection. Découvrez comment ces trésors intemporels décrivent et définissent une civilisation, le concept moderne de muséologie et notre connaissance de l'univers.
Magnétisme animal.
Steve McCurry tourne son objectif vers les créatures de notre monde.
Animals nous révèle une autre facette du célèbre photographe, explorateur habile de la relation complexe entre les animaux, les humains et l'environnement.
La tendresse domine, en particulier dans les scènes où des chiens des rue, abandonnés, dorment paisiblement aux côtés d'un humain. Mais elle côtoie une certaine solitude, indissoluble, celle des animaux qui n'appartiennent à personne et errent avec pour seul guide leur instinct de survie. La voici qui s'incarne alors à travers des chameaux pris entre deux feux pendant la première guerre du Golfe, un berger du nord du Pakistan nourrissant tendrement ses chèvres, des chiens «croisés» à Beverly Hills, des chevaux de course sur un toit de Hong Kong, des éléphants en Thaïlande, et dans bien d'autres images choisies par McCurry parmi ses vastes archives.
Dans l'objectif de McCurry s'apprécient la beauté et la dignité silencieuse de chaque créature. Cette anthologie kaléidoscopique est autant un magnifique carnet de voyage qu'un émouvant hommage aux créatures qui partagent notre planète.
Les photographies inoubliables de Helmut Newton, à la fois sophistiquées et provocantes, constituent un riche legs artistique, dont la pertinence ne se dément pas. Ce livre présente un portfolio aux thèmes aussi divers que percutants, accompagné d'une introduction érudite et d'une chronologie biographique détaillée.
L'iconographie de Newton danse sur la lame de rasoir de l'ambiguïté, suscitant des allusions et des observations sociales qui nous envoûtent autant qu'elles nous mettent au défi. Cette sélection met en lumière la perspective unique de Newton et dessine une réflexion sur les courants profonds et complexes qui donnent à ses images ce caractère distinctif, comme un fil rouge dans le large spectre de son oeuvre, de la mode au portrait.
Ce livre expose l'évolution de Newton, comment il est devenu un anticonformiste, un cynique espiègle et malin, à la fois voyeur et satiriste, dont l'objectif a capté des facettes controversées mais essentielles du monde du luxe et de la haute couture dans la dernière décennie du vingtième siècle. Mercenaire du papier glacé, il n'en imposa pas moins ses perspectives et ses obsessions personnelles, notamment sa vision d'une femme fière, qui s'assume. Il imagine pour cette femme forte, qui prend une valeur d'archétype dans son travail, des scénarios à forte charge érotique, souvent dans le cadre ensorcelant d'appartements opulents ou de grands hôtels, à Paris, Monaco ou Los Angeles.
À partir de la moitié des années 1960, les images dynamiques de Newton le font connaître dans le monde de la mode, grâce à des séries de photos qu'il publie dans les magazines les plus influents, parmi lesquels Vogue Paris, Elle, Marie Claire, Nova, Queen et le Vogue britannique. Dix ans plus tard, il assoit sa notoriété avec ses premiers livres et commence à exposer. Ses photos immortalisent des icônes de la jet-set, du cinéma et de la mode, comme la princesse Caroline de Monaco, Charlotte Rampling, Paloma Picasso et Karl Lagerfeld.
Les photos novatrices, chics et transgressives de Helmut Newton portent une signature indéniable, qui garde une emprise sur notre imaginaire.
Untold Stories.
La première exposition dont Peter Lindbergh fut lui-même le commissaire.
Toute première exposition dont Peter Lindbergh fut lui-même le commissaire, peu de temps avant sa disparition, Untold Stories inititée par le Kunstpalast de Düsseldorf, sert de toile de fond à la créativité et au regard débridés du photographe. Doté d'une liberté artistique totale, Lindbergh a réuni une collection inédite qui jette un éclairage inattendu sur son oeuvre colossale. Ce livre offre un regard approfondi et de premier ordre sur cette collection très personnelle.
Reconnus dans le monde entier, les clichés de Lindbergh ont laissé une empreinte indélébile sur la culture contemporaine et redéfinissant depuis 40 ans les paramètres de la photographie de mode. Ici, le photographe expérimente avec sa propre oeuvre et raconte de nouvelles histoires tout en restant fidèle à son lexique. En associant des images à la fois emblématiques et jamais exposées, il défie ses propres icônes et présente des moments intimes partagés avec des personnalités qui lui ont été proches pendant des années. Parmi elles, Nicole Kidman, Uma Thurman, Robin Wright, Jessica Chastain, Naomi Campbell, Charlotte Rampling et bien d'autres.
Ce volume présente plus de 100 photographies, dont beaucoup n'ont jamais été publiées ou de manière éphémère, généralement commandées par des mensuels de mode tels que Vogue, Harper's Bazaar, Interview, Rolling Stone, W Magazine ou The Wall Street Journal. Une longue conversation entre Lindbergh et le directeur du Kunstpalast Felix Krämer, ainsi qu'un hommage de son ami proche Wim Wenders, permettent un regard nouveau sur la création de l'exposition. Le résultat est une profession de foi intime de Lindbergh sur son oeuvre.
